Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Le Club des Irrésistibles a reçu 540 coups de cœur littéraires en date du 10 décembre 2020, excluant les pièces de théâtre, les expositions, les films/séries, la musique, et ce, malgré une année chargée en émotions de toutes sortes. Un grand, grand merci de votre fidèle participation.

Incroyable, mais pour la deuxième année d’affilée, les ouvrages retenus ont tous été écrits par des femmes, dont deux auteures québécoises. Que du bonheur !

Voici donc les cinq titres (l’ordre est aléatoire) les plus appréciés durant l’année et que les quelque 100 membres du jury du prix du Club des Irrésistibles ont à lire d’ici la mi-avril 2021 :

Les Foley d’Annie-Claude Thériault (Marchand de feuilles, 2019)

Le Consentement de Vanessa Springora (Grasset, 2020)

Changer l’eau des fleurs de Valérie Perrin (Albin Michel, 2018)

Les chars meurent aussi de Marie-Renée Lavoie (XYZ, 2018)

Les Aérostats d’Amélie Nothomb (Albin Michel, 2020).

Comme je vous le soulignais dans un précédent courriel, ne sachant pas si en avril prochain ce vilain virus sera enrayé de la carte, je ne peux vous garantir que nous pourrons nous réunir dans une bibliothèque de la Ville de Montréal pour échanger sur les cinq livres, mais au moins, le prix du Club des Irrésistibles sera attribué, peu importe la situation de confinement. Bonnes lectures !

Adaptée et mise en scène par Lorraine Pintal, L’Avalée des avalés, d’après le roman de Réjean Ducharme, est une très belle réussite. Qu’il s’agisse de la qualité de l’interprétation, de la scénographie inventive de Charles Binamé, de la conception musicale de Benoît Landry et des quelques extraits de chansons de Robert Charlebois, pour moi Pintal + Ducharme = formule gagnante.

Créée en France en 2018, la pièce arrive sur la scène du TNM bien rodée. N’oublions pas qu’elle aurait dû être présentée en juin dernier, mais la vie en a décidé autrement. La prose de Ducharme, unique en son genre, poétique et remplie d’imagination, est merveilleusement servie par Sarah Laurendeau (Bérénice Einberg), Louise Marleau (Chat Mort ou Chamomor) et Benoît Landry (Christian).

Je n’avais pas revu Louise Marleau depuis mars 2013 où, sur cette même scène du TNM, elle interprétait le rôle titre de Jocaste reine de Nancy Huston. Encore une fois, cette comédienne habite de manière touchante son personnage. Chat Mort, telle que surnommée par sa fille, est une mère de famille catholique et alcoolique qui a épousé un juif volage toujours en voyage. Et malgré la présence de son chat Mauriac, elle se sent bien seule.

Chat Mort a une préférence pour son fils qui fait des études en biologie, mais qui souhaite secrètement devenir lanceur de javelot et participer aux Olympiques. Si Christian est catholique, il a été décrété que Bérénice serait juive, comme son père. Parité ! À 11 ans, elle revendique et s’impose, tout en rêvant d’un ailleurs loin de sa famille. Tantôt sollicitant l’affection de sa mère, parfois la rejetant, elle a aussi un trop plein d’amour pour son frère aîné avec qui elle nourrit plusieurs projets.

Publié en 1966, le roman de Réjean Ducharme est encore, 54 ans plus tard, tout à fait d’actualité. La pièce comporte des perles de réflexion et des bijoux de créations langagières.

L’un des avantages de pouvoir regarder L’Avalée des avalés en webdiffusion qui est offerte jusqu’au 17 décembre, c’est que nous avons 24 h pour la visionner à nouveau. Outre le fait d’avoir vu la pièce deux fois, ce mode de transmission m’a aussi permis d’oublier la grandeur de la scène du TNM et de rester dans ma bulle.

N’hésitez pas : offrez-vous ce beau voyage dans l’univers ducharmien et peut-être que cette pièce aura le même effet sur vous que sur moi : durant une heure trente, je me suis évadée de mon quotidien, de bien belle manière.

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En vous rendant sur la chaîne YouTube à l’émission Les Irrésistibles de Marie-Anne, vous pourrez entendre, à chaque semaine, mes commentaires et critiques de théâtre ou d’arts visuels.

Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Claudel, Philippe

Il s’agit d’une pièce de théâtre. Un seul acte. Trois personnages : Denis, un comédien médiocre ; Martin, un dramaturge raté ; Duval, l’acheteur potentiel de la maison de Denis.

Une très grande amitié unit Denis et Martin. Denis demande à Martin d’assister à la signature du contrat de vente de sa maison. Denis tient à ce que cette transaction se fasse bien et vite. Car cette maison a beau être très vieille, elle a des petits défauts qu’il vaut mieux ne pas mentionner au futur acheteur. Est-ce que l’amitié entre ces deux hommes va résister au déroulement de la transaction ?

Philippe Claudel est un écrivain majeur. Mais ce qui le distingue, selon moi, c’est qu’il nous raconte à chaque fois une histoire complètement différente de la précédente. Comme si chacun de ses livres était écrit par un auteur différent. Il se renouvelle continuellement.

J’aimerais avoir la chance de voir cette pièce de théâtre interprétée par Fabrice Luchini et Lambert Wilson, ces deux acteurs qui jouaient dans Alceste à bicyclette (2013). Il y a plusieurs ressemblances entre ce film de Philippe Le Guay et le texte de Claudel.

Membre : Michel, Saint-Jean-sur-Richelieu

Claudel, Philippe. Compromis, Éditions Stock, 2019, 155 pages.

Cette oeuvre a déjà été suggérée par le Club des Irrésistibles, lire ici.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Petit rappel aux membres du jury… Il vous reste un mois et demi pour terminer la lecture des cinq livres en lice pour la 12e remise du prix des Irrésistibles.

Comme à chaque année, le vote et les débats auront lieu à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont, de 10 h à 12 h, mais au lieu du lundi, ils se dérouleront le mardi 28 avril.

Attention : vous êtes sûrement au courant que, depuis cette année, il est maintenant interdit de stationner plus de deux heures à Outremont. Je vais donc, pour que personne n’ait de contraventions, voir à ce que l’événement se déroule dans « les limites permises ».

Si vous ne pouvez vous déplacer pour voter, il faudra m’envoyer votre choix par courriel (simplement le titre, sans commentaires) avant le lundi 27 avril.

Par ailleurs, les Irrésistibles qui ne sont pas membres du jury sont invité(e)s à se joindre à nous. Si vous désirez assister à la remise du prix, vous êtes les bienvenu(e)s ; prière de m’indiquer par courriel votre nom et le nombre de personnes qui vous accompagneront.

Si je vous dis Art (1994) et Le Dieu du carnage (2006), à qui associez-vous ces titres ? Vous avez raison, à Yasmina Reza. Les deux pièces de théâtre ont fait la renommée de cette écrivaine française née à Paris en 1959. Elles ont été jouées par les plus grands, ici comme ailleurs.

Yasmina Reza vient de publier chez Flammarion, Anne-Marie la Beauté (2020) et déjà la pièce est au programme du Théâtre de la Colline à Paris, le mois prochain. Chanceux ! À quand notre tour ?

De qui est-il question dans ce huis clos ? De deux femmes qui ont été comédiennes, Giselle Fayolle et Anne-Marie Mille. Elles ont joué ensemble, elles se sont perdues de vue, elles se sont retrouvées. La première vient de mourir, la seconde doit faire son éloge. Elle s’adresse à une journaliste à qui elle donne du « madame » puis du « mademoiselle » et finalement « du monsieur ». Mais à qui s’adresse-t-elle vraiment ? Ne serait-ce tout simplement pas aux (futurs) spectateurs ?

À l’âge de 19 ans, Anne-Marie Mille, native de Saint-Sourd-en-Ger, était venue à Paris passer une audition. C’est à ce moment-là qu’elle avait rencontré Giselle, dite Gigi, de deux ans son aînée. À l’époque du Théâtre de Clichy, Anne-Marie prétendait être sa seule amie. Elle habitait une chambre rue des Rondeaux dans le 20e arrondissement, tandis que Giselle avait un logement rue Émile-Augier. Une rumeur circulait que Giselle avait comme amant Alain Delon et possiblement Ingmar Bergman.

Comme la pièce de théâtre ne comporte que 88 pages, je vous laisse le soin de découvrir le destin de ces deux femmes devenues mère de famille et dont la carrière de l’une a connu un plus grand succès que celle de l’autre.

Le style de Yasmina Reza est tour à tour drôle et mordant, son texte est lucide et impitoyable par moments. Il nous fait, entre autres, réfléchir sur le sort réservé aux comédiennes vieillissantes. Ne tombent-elles pas dans l’oubli un peu trop rapidement ?

Pour ce qui est du titre Anne-Marie la Beauté, vous verrez à quoi il se réfère si vous la lisez.

En terminant, une petite précision : même si ce monologue est une pièce de théâtre, il se lit comme un roman !

Le lundi 16 mars, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Catherine Vidal, qui nous parlera de la pièce L’Inframonde de Jennifer Haley, présentée à La Licorne jusqu’au 6 avril 2020.

Lundi dernier, je recevais la dramaturge Rébecca Déraspe et le metteur en scène Sylvain Bélanger, venus nous parler de la pièce Ceux qui se sont évaporés, présentée au Centre du Théâtre d’Aujourd’hui jusqu’au 28 mars 2020.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Théâtre Prospero

Le Théâtre Prospero offre, aux membres du Club des Irrésistibles, un rabais de 7$ à l’achat d’un billet régulier pour La Maladie de la mort de Marguerite Duras (sauf pour les représentations supplémentaires, s’il y a lieu), pièce qui sera présentée du 28 janvier au 15 février 2020.

Sur scène, Sylvie Drapeau et Paul Savoie, dans une mise en scène de Martine Beaulne.

Vous devez inscrire le code « durasirr » si vous vous procurez un billet en ligne.

Si vous le faites sur place ou par téléphone (514 526-6582), vous n’aurez qu’à préciser que vous êtes membres du Club des Irrésistibles.

Tremblay, Michel

Tremblay nous convie à son énième livre comme à chaque automne, mais cette fois-ci, il le décrit comme un « roman hybride » entre le roman et le théâtre. C’est aussi biographique, car il y parle de ses habitudes quand il va écrire à Key West où il passe quatre mois d’hiver.

Il assiste aux couchers de soleil par beau temps ou par temps couvert, puis tous les soirs va savourer sa Margarita. Pour l’écriture, il reprend une pièce de théâtre en hommage à Tchekhov qu’il avait mise de côté.

On assiste à ses réflexions de créateur nous aiguillant sur les enrichissements qu’il apporte au texte qu’il retravaille. Il se pose des questions sur ce qu’il a à dire à 70 ans. Est-t-il encore pertinent, n’est-il pas dépassé ? Un Tremblay humble, dans le doute, apparaît. Touchant et accessible !

Membre : Laval-Vimont

Tremblay, Michel. Le Cœur en bandoulière, Éditions Leméac, Actes Sud, 2019, 125 pages.

Cette oeuvre a déjà été suggérée par le Club des Irrésistibles, lire ici.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Si vous aimez le théâtre, vous serez heureux de lire Le Cœur en bandoulière (Leméac/Actes Sud, 2019) de Michel Tremblay ; si vous aimez l’œuvre du dramaturge russe Anton Tchekhov – à qui l’écrivain a voulu rendre hommage – votre plaisir sera augmenté… mais si ce n’est pas le cas, qu’à cela ne tienne, vous aurez malgré tout de quoi vous sustenter, car notre prolifique auteur met également en scène un narrateur (lisez Michel Tremblay), jamais nommé, qui, le temps de cinq couchers de soleil à Key West, reprend sa pièce laissée en friche il y a cinq ans.

Il avait alors écrit 90 pages de sa pièce de théâtre, Cher Tchekhov. Pour une rare fois, peut-être la seule fois dans sa vie, il n’avait pu la terminer. Panne d’inspiration ? Devait-il poursuivre son projet ? Si oui, dans quel intérêt ? Quoiqu’il en soit, il s’est mis à relire, à corriger, à peaufiner l’intrigue et à enrichir ses personnages, pour en arriver à un résultat final de 125 pages.

Le narrateur du Cœur en bandoulière a aujourd’hui 76 ans. C’est un homme d’habitudes qui passe ses hivers en Floride, à Key West, depuis un quart de siècle. Rituel du matin : piscine, petit-déjeuner, parfois une partie d’Angry Birds sur sa tablette électronique… À la brunante, peu importe les conditions météorologiques, il se rend à pied jusqu’au bout de la rue Reynods pour voir le coucher de soleil, tout en mangeant une orange. Comme il le précise, santé oblige ! Le tout se poursuit au Salute « seul restaurant qui donne directement sur la plage » où il déguste un Margarita avec sel.

Donc, le narrateur reprend là où il avait laissé en 2013 les sept protagonistes de Cher Tchekhov : Benoit, le dramaturge de la famille (l’alter ego de Tremblay… prénommé Jean-Marc dans d’autres livres), n’a plus d’inspiration depuis trois ans ; son frère Benjamin considère qu’il est le moins talentueux de la fratrie ; Claire, Gisèle et Marie sont toutes trois comédiennes.

Tout ce beau monde est réuni à la maison familiale de Vaudreuil pour le souper de l’Action de grâce. Se joignent à eux, Laurent, le chum de Benoit et acteur pour la télévision, et Christian, critique de théâtre et l’amoureux de Claire. Ces retrouvailles ne seront pas de tout repos, chacun y allant de répliques cinglantes.

Michel Tremblay ponctue également Cher Tchekhov de quelques nota bene nous donnant, par la même occasion, des informations complémentaires sur son processus de création, sur ses doutes, sur ses bons coups.

J’ai ressenti une certaine tristesse à la lecture de ce Cœur en bandoulière, alors que Tremblay se questionne à maintes reprises sur la pertinence d’écrire, et ce, précisons-le, malgré le fait qu’il publie depuis plus de cinq décennies.

À chaque semaine, François Busnel, animateur de l’émission La Grande Librairie, demande à un libraire ses coups de cœur. Je venais de terminer ma lecture du Cœur en bandoulière, quand l’un deux a proposé le récit d’un anonyme, La Scierie, dont la première phrase commence ainsi : « J’écris parce que je crois que j’ai quelque chose à dire. » N’en doutez point, Michel Tremblay, vous aussi, vous avez encore quelque chose à dire !

Cette oeuvre a déjà été suggérée par le Club des Irrésistibles, lire ici.

Lundi dernier, je recevais la metteure en scène Natalie Lecompte, venue nous parler du spectacle 2019 Revue et corrigée, présenté au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 5 janvier 2019, puis au Capitole de Québec du 9 au 12 janvier 2020.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Il ne vous reste plus que six jours pour me laisser savoir si vous désirez être membre du jury pour la 12e remise du prix du Club des Irrésistibles… car une fois le nom des finalistes connus, je ne prends plus d’inscriptions.

Que doivent faire les membres du jury ? Lire, d’ici le lundi 27 avril prochain, les cinq titres « coups de cœur » de 2019.

Comment ces livres ont-ils été sélectionnés ? Ce sont ceux qui sont revenus le plus souvent parmi vos quelque 500 suggestions proposées au cours cette année.

Vous les connaîtrez lors de l’envoi de l’Infolettre de jeudi prochain.

Si vous ne pouvez vous déplacer pour voter (le lieu reste à déterminer), vous pourrez toujours m’envoyer votre choix par courriel (simplement le titre, sans commentaires) avant le 26 avril 2020. Merci de votre irrésistible participation !

À mon grand regret, je n’avais pu voir au Théâtre La Licorne en avril dernier L’Origine de mes espèces, texte, chansons et interprétation de Michel Rivard. Je viens donc de me rattraper en allant chez Duceppe.

Je n’avais qu’une crainte : que le côté intimiste du spectacle perde au change à être présenté dans une si grande salle. Il n’en fut rien.

Accompagné du musicien Vincent Legault, Michel Rivard est seul sur scène durant une heure quarante, alternant chansons et narration, poésie et anecdotes… plus savoureuses les unes que les autres.

Les talents d’Alexia Bürger, qui a agi ici comme conseillère dramaturgique, ont assurément contribué au succès de L’Origine de mes espèces en mettant de l’avant les talents de conteur et de comédien de Michel Rivard, tandis que le metteur en scène Claude Poissant a su doser humour et tendresse, moments cocasses et plus sombres.

Le point de départ de ce récit personnel, non chronologique, commence alors que Michel Rivard, né à Montréal le 27 septembre 1951, décide de passer un test d’ADN. Le doute s’est insinué au fil des ans : peut-être n’est-il pas le fils de Robert Rivard, comédien décédé en 1989 à l’âge de 62 ans. Il veut en avoir le cœur net… une fois pour toutes.

L’Origine de mes espèces est présenté à Montréal jusqu’au 7 décembre. Il partira ensuite en tournée partout à travers le Québec.

La rencontre Rivard / Poissant est sans contredit une combinaison gagnante. Faites-vous plaisir et allez entendre ce que l’auteur-compositeur-interprète a à dire sur ses origines !

Le lundi 9 décembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le metteur en scène Martin Desgagné, qui nous parlera du spectacle Foirée montréalaise, où le quartier Côte-des-Neiges-Notre-Dame-de-Grâce est à l’honneur cette année, présenté au Théâtre La Licorne jusqu’au 21 décembre 2019.

Lundi dernier, je recevais l’écrivain français Philippe Besson, venu nous parler de ses trois romans autobiographiques publiés chez Julliard : Dîner à Montréal (2019), Un certain Paul Darrigrand (2018) et « Arrête avec tes mensonges » (2017).

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Marie-Anne

Tremblay, Michel

Il n’y a que deux auteurs qui me font rire tout seul même si je suis dans le métro ou dans tout autre lieu public : Andrea Camilleri et Michel Tremblay. Ce fut encore le cas avec ce roman hybride. Pourquoi « hybride » ? Tout simplement parce qu’il s’agit d’un texte d’une pièce de théâtre, Cher Tchekhov, inséré dans un récit. Tremblay va avoir 77 ans quand il termine Le Cœur en bandoulière. C’est un roman franchement autobiographique. Il faut une bonne dose d’humilité et d’assurance pour livrer un tel texte aux lecteurs.

Tremblay nous raconte l’histoire d’un auteur qui retrouve après des années le manuscrit inachevé d’une de ses pièces de théâtre. Il la relit avec nous tout en y apportant des corrections ici et là, car il a l’intention d’en terminer l’écriture et de la rendre publique. Mais a-t-il encore la force et le goût de se rendre jusqu’au bout.

Le texte de la pièce est drôle, féroce et touchant tout à la fois. C’est du Tremblay à son meilleur, comme on le dit souvent en refermant l’un de ses livres.

Membre : Saint-Jean-sur-Richelieu

Tremblay, Michel. Le Cœur en bandoulière, Éditions Leméac, Actes Sud, 2019, 125 pages.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Traduite par Juan Arango et adaptée par Kariane Héroux-Danis, la pièce du quadragénaire catalan Josep Maria Miró, Le Principe d’Archimède, est présentée dans la grande salle du Théâtre Prospero jusqu’au 16 novembre prochain. Elle vaut amplement qu’on s’y arrête.

Dans le programme, le metteur en scène Christian Fortin précise : « Ce soir, neuf compagnies théâtrales jouent Le Principe d’Archimède quelque part dans le monde. Depuis 2011, cette pièce est jouée presque sans interruption. Ce sera sa première au Québec. » Je comprends maintenant pourquoi elle est si « populaire ». Voyez !

Geneviève Alarie interprète Anne, la directrice d’une piscine municipale. Elle compte, parmi ses employés, deux maîtres-nageurs : Vincent (Daniel D’Amours) et Pierre (Lucien A. Bergeron), célibataire et sans enfant. Chacun a la responsabilité de groupes de gamins d’âges différents. Ils aiment leur travail, s’acquittent bien de leurs tâches, mais tout bascule le jour où, selon les dires d’une jeune fille, pour le rassurer, Pierre a serré dans ses bras et embrassé sur la bouche un jeune garçon ayant peur de l’eau.

Pierre commence par tout nier en bloc, puis se rétracte sur un détail, en rajoute un autre et se défend lorsqu’Anne, puis Vincent lui demandent d’expliquer son geste. David (Sébastien Rajotte), le père du garçon, se pointe à la piscine et exige des explications. Il demande à Anne qui est le professeur de son fils. Est-il homosexuel ? Plus la conversation avance, plus elle se rend compte qu’elle ne sait rien de la vie privée de Pierre, même s’il est à son service depuis cinq ans. Que faire ? Prendre sa défense ou celle de David ? Congédier Pierre ou lui donner le bénéfice du doute ?

La jeune fille prétend, je dis bien prétend, qu’elle a vu Pierre commettre son geste. Qui dit vrai, qui ment ? Quelles seront les conséquences à court et à moyen terme ? Est-ce que Pierre a réellement embrassé le jeune sur la bouche ? Si oui, pour quelle raison ? Rumeur ou vérité ?

Ce qui rend la proposition théâtrale intéressante, c’est qu’elle est construite de manière habile. Plusieurs avenues sont possibles alors que certaines scènes se répètent tout en faisant avancer l’action. C’est comme si la conversation de l’un poursuivait celle de l’autre. Rassurez-vous, on ne s’y perd pas du tout.

Cette production du Théâtre À l’eau froide en collaboration avec Christian Fortin et en codiffusion avec Le Groupe de la Veillée est, bien sûr, dérangeante à plusieurs niveaux et soulève une foule de questions. Ne vous attendez pas à des réponses claires, nettes et précises, car l’auteur n’en donne pas. Pour cela, il faudrait une suite à ce Principe d’Archimède. Pour ma part, il m’a été impossible au bout d’une heure quinze de prendre position. Coupable ou non coupable ?

En terminant, quel est ce fameux « principe d’Archimède » ? La définition du Larousse se lit comme suit : « Tout corps plongé dans un fluide éprouve une poussée verticale, dirigée de bas en haut, égale au poids du fluide qu’il déplace et appliquée au centre de gravité du fluide déplacé, ou centre de poussée. »

Le lundi 18 novembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Luce Pelletier, qui nous parlera de la pièce Les Serpents de Marie NDiaye, présentée à l’Espace Go jusqu’au 7 décembre 2019.

Lundi dernier, je recevais la metteure en scène Catherine Vidal, venue nous parler de la pièce Les Amoureux de Carlo Goldoni, présentée au Théâtre Denise-Pelletier jusqu’au 4 décembre 2019.

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Marie-Anne

D’après le livret de Dale Wasserman

Un spectacle musical formidable. Cela faisait longtemps que le Théâtre du Rideau Vert n’en avait pas programmé un.

Jean Maheu, avec ses cheveux blancs longs représente vraiment Cervantès/Don Quichotte qui est au cachot. Il ne fait pas dans la richesse. Son jeu est suave, nous prend au coeur. Avec l’équipe qui l’appuie et la mise en scène de René Richard Cyr, cet après-midi au théâtre a été un cadeau. Quelques musiciens sont discrètement sur scène, ce qui fait exploser le rendement théâtral.

Une comédie musicale à voir ou à revoir – je l’avais vue avec trois des acteurs en 2003. Courez vous acheter un billet !

À la base il y a le roman de Miguel de Cervantès, L’Ingénieux Hidalgo Don Quichotte de la Manche (1605).

Le livret est de Dale Wasserman, la musique de Mitch Leigh, les paroles de Joe Darion et l’adaptation française est de Jacques Brel.

Membre : Lise de l’Île-des-Sœurs

D’après le livret de Wasserman, Dale. L’Homme de la Mancha, Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 9 novembre 2019.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Mon premier coup de coeur théâtral, en ce début de saison 2019, va du côté de La Petite Licorne pour J’t'aime encore, solo écrit par Roxanne Bouchard pour la comédienne Marie-Joanne Boucher.

Cette production du Théâtre Écoumène en codiffusion avec le Théâtre de La Manufacture a été créée en 2016 dans Lanaudière. Elle a ensuite sillonné le Québec avant d’être à l’affiche rue Papineau où elle est installée jusqu’au 11 octobre. On sent que J’t'aime encore a été bien rodée, la pièce tourne au quart de tour.

Je connais peu Marie-Joanne Boucher – je ne l’ai vue qu’une fois au théâtre en 2016 dans Les Foirées montréalaises –, mais cette comédienne livre ici toute une performance. À quand un prochain rôle pour cette femme talentueuse ?

Marie-Joanne, maman d’une petite fille de deux ans et d’un fils adolescent, habite aujourd’hui à Notre-Dame-des-Prairies, près de Joliette. Sa maison comporte un permajardin mis sur pied par Frédéric, son amoureux des quinze dernières années. À moins d’être parmi le cercle rapproché de Marie-Joanne, il est difficile de départager la part autobiographique de J’t'aime encore de celle qui relève de la pure fiction. À bien y penser, cela a peu d’importance. Pourquoi ? Parce que l’équipe joue avec cette ambiguïté, on « embarque » et on en redemande.

J’t'aime encore oscille entre l’humour fin, la réflexion sur le couple, la carrière mise de côté pour élever les enfants, les questionnements : A-t-on fait les bons choix ? Suis-je bien dans cette vie familiale ? Doit-on rester fidèle ou accepter une aventure ? Se remettre à faire des auditions dans l’espoir de décrocher un rôle ? Mais qu’avons-nous fait de nos rêves ?

La mise en scène de François Bernier est sobre mais efficace ; le texte de Roxanne Bouchard aborde des questions pertinentes en le faisant souvent sur le mode humoristique et sous forme participative.

Vous désirez passer une agréable soirée ? Vous savez maintenant quelle direction prendre !

Le lundi 7 octobre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien et auteur François Grisé, qui viendra nous parler de sa pièce documentaire Tout inclus, mise en scène par Alexandre Fecteau et présentée à La Licorne jusqu’au 25 octobre 2019.

Lundi dernier, je recevais le comédien-chanteur Jean Maheux, venu nous parler de L’Homme de la Mancha (livret de Dale Wasserman, musique de Mitch Leigh et paroles de Joe Darion), dans une mise en scène de René Richard Cyr, comédie musicale présentée au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 9 novembre 2019.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Le théâtre Prospero a eu la bonne idée de reprendre, durant une dizaine de jours, Les Enivrés d’Ivan Viripaev qui avait connu un très joli succès à l’automne 2017.

Il y a parfois des moments dans la vie où les astres s’alignent pour créer de belles rencontres. C’est précisément ce qui se passe présentement sur la rue Ontario.

Directrice générale et artistique du Groupe de la Veillée, Carmen Jolin, dont le flair et l’audace sont bien connus, a lu certains textes d’Ivan Viripaev. Révélation. Elle a ensuite obtenu les droits des pièces de l’auteur russe, les a fait traduire par Tania Moguilevskaia et Gilles Morel et a approché Florent Siaud pour les mettre en scène. Eurêka !

Les Enivrés est donc la troisième pièce de Viripaev que le théâtre Prospero met à l’affiche après Oxygène à l’automne 2013 et Illusions à l’hiver 2015.

Sur scène, une distribution cinq étoiles pour interpréter un texte qui engendre de franches rigolades et provoque aussi des réflexions, entre autres, sur la vie de couple, sur notre place dans la société, sur le mariage.

Les dix comédiens, pour quatorze enivrés, sont tous très crédibles dans leurs rôles respectifs et tiennent la cadence durant l’heure trente que dure le spectacle. Un vrai tour de force ! Mention spéciale à Évelyne Rompré (hilarante), Dominique Quesnel (toujours aussi juste), Paul Ahmarani (égal à lui-même), Maxime Denommée, Renaud Lacelle-Bourdon et Dany Boudreault.

L’action qui se déroule sur une journée met de l’avant diverses intrigues qui tournent autour de quelques couples établis mais précaires et d’un futur marié qui enterre sa vie de garçon, entouré de ses amis, de ses collègues et d’une invitée surprise… Scène inoubliable !

Plus la soirée avance, plus les verres se vident, plus certaines vérités refont surface, engendrant son lot de désillusions, de remises en question, de constats pas toujours reluisants. Rien de déprimant, bien au contraire, car le fou rire des personnages est communicatif à souhait.

Vous avez donc jusqu’au 28 septembre pour vivre une expérience théâtrale de haute voltige.

Le lundi 23 septembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien Pierre Lebeau, qui nous parlera de la pièce Knock ou le Triomphe de la médecine de Jules Romains, présentée au TNM jusqu’au 12 octobre 2019.

Lundi dernier, je recevais la chargée de projets Christine Dufresne, venue nous parler de l’exposition À table ! Le repas français se raconte, présentée à Pointe-à-Callière jusqu’au 13 octobre 2019.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Êtes-vous parmi ceux et celles qui ont lu Le Bizarre Incident du chien pendant la nuit ? Il fallait le grand talent d’Hugo Bélanger à la mise en scène, la très juste traduction de Maryse Warda, la performance époustouflante et nuancée de Sébastien René pour faire passer le roman de Mark Haddon à la scène. Cette pièce est une réussite sur toute la ligne. Dès la première réplique, j’ai été conquise !

J’ai l’impression que tout ce que touche Hugo Bélanger se transforme en succès. Bien sûr, il n’est pas le premier à s’attaquer à cette pièce du dramaturge britannique Simon Stephens qui a, par ailleurs, remporté plusieurs prix. Sa mise en scène est allumée, inventive, remplie de trouvailles ingénieuses ; à la scénographie, Jean Bard fait encore de petits miracles ; la vidéo de Lionel Arnould est en accord parfait avec son sujet et l’interprétation des dix comédiens, dont la majorité joue différents rôles, est formidable.

C’est l’histoire de Christopher Boone (Sébastien René), un jeune garçon de 15 ans, 3 mois et 2 jours, atteint d’une maladie jamais nommée, mais qui se rapproche du syndrome d’Asperger. Il est très doué avec les chiffres – il connaît les nombres premiers jusqu’à 7507 –, dit toujours la vérité, ne peut supporter qu’on le touche et aime passer du temps seul.

Ed, son père (Jean-Moïse Martin qui remplace Normand D’Amour qui interprétait Ed chez Duceppe au printemps 2018), est beaucoup plus patient avec son fils que ne l’est Judy, sa mère (Catherine Proulx-Lemay), mais tous les deux sont très attachés à Christopher. Tout va relativement bien dans leur vie, jusqu’au jour où le garçon trouve Wellington, le chien de Mme Shears, mort d’une fourche plantée dans le corps. Qui a pu faire une chose aussi terrible ?

Bouleversé, traumatisé, il décide de faire enquête. Il veut trouver le ou la coupable, à la façon de Sherlock Holmes qu’il aime beaucoup. Son père lui dit de se mêler de ses affaires, mais il n’en fait qu’à sa tête et va voir un à un ses voisins pour leur poser des questions. Sa logique et ses déductions lui font vivre des expériences auxquelles il n’était pas préparé, mais qui le feront progresser vers une plus grande autonomie.

Siobhan (touchante Catherine Dajczman – que l’on ne voit malheureusement pas assez souvent sur nos scènes théâtrales), la professeure compatissante de Christopher, lui est d’un grand secours, lui donne de bons conseils et va le pousser à surmonter certaines peurs.

Si les étoiles éclairent le ciel la nuit, cette pièce illumine nos vies durant le temps de la représentation. Profitons de cette production, présentée jusqu’au 10 août au Théâtre Gilles-Vigneault (à Saint-Jérôme) en codiffusion avec le Théâtre Jean-Duceppe, pour nous rappeler que ce qui nous distingue des autres ne nous en éloigne pas, bien au contraire, mais fait aussi notre charme, notre force.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Claudel, Philippe

À quelques jours de la victoire présidentielle de François Mitterrand en 1981, Denis, comédien raté, vend son vieil appartement. Il attend l’acheteur pour la signature du compromis de vente en présence de son ami Martin qu’il trouve rassurant.

Martin est un dramaturge que personne ne joue. Entre eux, plus de trente ans d’amitié ! Le temps de la signature de ce banal compromis de vente, le dramaturge et le comédien ratés vont jouer la comédie de leur vie. L’acheteur, totalement déboussolé, va rentrer dans leur jeu… bien malgré lui.

Voici une pièce de théâtre brillante et jubilatoire ! Le rapport de force entre les protagonistes ne cesse de changer, l’avantage passe de Martin à Denis à la faveur d’un mot de trop ou d’un mot de travers. L’humour est souvent grinçant.

Nous entendons au fil des dialogues les voix de Pierre Arditi et de Michel Leeb qui ont joué la pièce en France au mois de janvier 2019.

Membre : France

Cette suggestion est proposée par un lecteur du Pays de Romans – France, membre du club de lecture Troquez vos Irrésistibles et partenaire du Club Les Irrésistibles des Bibliothèques de Montréal.

Claudel, Philippe. Compromis, Éditions Stock, 2019, 155 pages.

D’après un scénario de Marcel Pagnol

Dans son Billet du 23 mai, Marie-Anne Poggi écrivait une critique élogieuse de la pièce de théâtre Le Schpountz. Suivant son avis, j’ai acheté mes places au Théâtre du Rideau Vert pour y inviter ma nièce et son compagnon en pensant que Pagnol avait créé des scénarios immortels et pour tous âges.

Nous n’avons pas été déçus ! Bien au contraire, car l’adaptation d’Emmanuel Reichenbach pour le Québec est sympathique, le jeu de presque tous les acteurs est prenant et la mise en scène de Denise Filiatrault fort dynamique.

Un très agréable moment à passer pour les grands, les moins grands et… pour les petits d’une dizaine d’années, comme en témoignaient mes jeunes voisins de siège.

Membre : Outremont

D’après un scénario de Marcel Pagnol. Le Schpountz, Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 8 juin 2019.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Avez-vous déjà entendu parler du « schpountz » ? Moi, non… mais c’était avant de me rendre au 4664, rue Saint-Denis.

En fin de saison théâtrale, alors qu’il ne fait pas encore assez chaud pour passer une soirée à siroter un verre sur une terrasse, j’en ai profité pour aller voir Le Schpountz, pièce présentée au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 8 juin.

La mise en scène rythmée et sans temps morts de Denise Filiatrault, d’après un scénario de Marcel Pagnol et l’adaptation d’Emmanuel Reichenbach, nous fait passer un agréable moment rempli de franches rigolades.

L’action a été transposée de Marseille sur la Côte-Nord alors qu’Antoine Désilet (Raymond Bouchard, toujours aussi juste, dont plusieurs répliques font mouche), qui a élevé ses neveux à la mort de leurs parents, est propriétaire d’une petite épicerie « fine ». Autant Justin (Philippe Robert) est heureux de travailler avec son oncle, autant son frère Théo (Rémi-Pierre Paquin, drôle et touchant à la fois) rêve d’une autre vie. Il est convaincu d’être un bon acteur dramatique et attend « son » heure de gloire.

L’occasion lui est finalement donnée quand débarque, dans son petit coin de pays, une équipe de tournage : la réalisatrice Romy (Marilyse Bourke) qui, avec l’aide de Sam (Stéphan Allard), son directeur photo, va lui faire miroiter le rôle d’un « schpountz » dans le film éponyme. La seule qui est en désaccord avec leur façon de procéder, c’est Clara, l’assistante-réalisatrice. Elle trouve que leur blague va trop loin, Théo croyant dur comme fer au « faux » contrat qu’il vient de signer.

Peu après, toute l’équipe repart à Montréal et retrouve leur directrice Arlette (Linda Sorgini). Et là, nous assistons à un tas de rebondissements, plus fous les uns que les autres, car Théo a décidé de les suivre pour qu’ils honorent leur engagement.

Au départ, Théo ne nous apparaît pas comme quelqu’un de très sympathique : imbu de lui-même, paresseux et dénigrant le métier de son oncle… mais plus la pièce avance, plus on a « pitié » de lui, voyant bien que tout le monde abuse de sa naïveté, lui faisant croire qu’il a des talents de comédien-chanteur.

Est-ce que Théo pourra réaliser son rêve ? Réussira-t-il à s’en tirer sans trop de séquelles ? Comment va-t-il se sortir de ce bourbier mis en place par des gens qui, au final, ne voulaient que s’amuser un peu ? Reviendra t-il sur la Côte-Nord bredouille ou le torse bombé ?

En 1937, Marcel Pagnol avait confié le rôle du « schpountz » à nul autre que Fernandel. Il me tarde de voir ce film.

Avec un tel titre, Cr#%# d’oiseau cave, ai-je besoin de préciser que je suis contente d’écrire sur la pièce de l’Américain Aaron Posner plutôt que d’en parler à la radio.

Michel-Maxime Legault est un metteur en scène talentueux qui ne cesse de nous surprendre. Il nous le prouve encore une fois avec cette pièce traduite par Benjamin Pradet.

Suivez-moi bien : Conrad (François-Xavier Dufour) est follement amoureux de Nina (Catherine Lavoie) qui est convoitée par Trigorine (Robert Lalonde) tandis que Macha (Roxane Bourdages, belle découverte) en pince pour Conrad, mais épousera David (Sasha Samar, irrésistible), l’ami de Conrad.

Côté adultes, Emma (Danielle Proulx, cinglante et drôle) est en couple depuis des années avec l’écrivain Trigorine qui la quittera pour Nina. Et pour compléter cette belle distribution, Sorine (Richard Thériault), médecin de profession et frère d’Emma, est incompris de tous, pire encore, personne ne l’écoute.

À travers ces amours impossibles, nous avons droit à une pièce dans une pièce car, comme l’annonce le personnage de Conrad, nous assistons également à une performance in situ intitulée « Nous y sommes ». Pour le dire autrement, les comédiens sont aussi des personnages d’une pièce qui se joue sur une scène totalement dépouillée de tout artifice.

Dramaturge trentenaire, Conrad souhaite que son texte plaise à sa mère comédienne qui, malheureusement pour lui, le démolit dès la lecture des premières lignes. Ils se disputent pour une énième fois, ce qui fragilise encore plus leur relation.

Trigorine a du succès autant dans sa carrière qu’avec les femmes. Il accepte les avances de Nina, une comédienne peu talentueuse, mais se fait prendre sur le fait par sa compagne Emma.

L’action se déroule sur une période de quatre ans. Ainsi, durant une heure quarante, nous voyons évoluer les personnages dans leur quotidien à travers leurs déceptions, leurs réussites, leurs questionnements, leurs doutes…

On dit qu’Aaron Posner s’est inspiré de La Mouette de Tchekhov pour écrire sa pièce. Peu importe que l’on connaisse l’œuvre de l’auteur russe ou non, les rapports amoureux, les infidélités, les jalousies, les relations mère-fils sont reconnaissables partout.

Cr#%# d’oiseau cave soulève, entre autres, plusieurs questions sur l’importance que l’on accorde à la reconnaissance de nos pairs ou des membres de notre famille et sur la place de l’art dans nos vies.

Malgré quelques longueurs par-ci par-là, Cr#%# d’oiseau cave nous montre sept comédiens qui s’amusent franchement sur scène – et par le fait même, nous aussi.

Cette production du Théâtre de la Marée Haute en codiffusion avec le Théâtre de La Manufacture est présentée à La Licorne jusqu’au 25 mai.

À partir d’aujourd’hui, et ce, durant les quatre prochaines semaines, vous pourrez visionner des extraits du débat qui s’est tenu dans le cadre de la 11e remise du prix du Club des Irrésistibles, à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 15 avril dernier.

Nous commençons par la 4e position : L’Archipel du Chien de Philippe Claudel (Stock, 2018). Bonne écoute !

Un grand merci à notre réalisateur Stéphane Richard.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Si vous me lisez régulièrement, vous savez combien le théâtre – comme la littérature – sont au cœur de ma vie. Depuis le début de l’année, j’ai vu de très belles productions, mais je crois que celle qui va me rester en tête longtemps est présentée en ce moment dans la salle Jean-Claude Germain du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui (CTD’A).

En septembre 2017, au CTD’A, La Nuit du 4 au 5 connaissait un beau succès. Revoici, un an et demi plus tard, la dramaturge Rachel Graton avec 21, texte réaliste, percutant et sans fioriture.

Je ne sais pas s’il en est de même pour vous, mais je serais incapable d’être travailleuse sociale… je n’ai pas la vocation. Il faut certaines habiletés et une grande force mentale pour affronter, jour après jour, des gens dans le besoin, des plus démunis que soi.

L’action de 21 – une façon de jouer au basketball – se déroule à l’automne dans un gymnase d’un centre jeunesse montréalais. Le décor de Max-Otto Fauteux est d’une belle simplicité, la musique de Larsen Lupin accompagne l’intrigue sans trop l’appuyer et Alexia Bürger signe une mise en scène intelligente en parfaite symbiose avec le langage direct choisi par Rachel Graton.

Sara (Isabelle Roy, d’une grande justesse) et Zoé (Marine Johnson, une révélation) doivent durant trois mois se voir une fois par semaine. La première, intervenante sociale de 40 ans, célibataire et sans enfant, cache des blessures, des failles que personne dans son entourage ne voit. Elle est chargée de « dénouer » Zoé, une adolescente de 15 ans, indocile, farouche, fugueuse, méfiante et qui « pète une coche » dès que quelqu’un dit quelque chose qui ne lui convient pas.

Placée à la demande de son père, Zoé va devoir, derrière ses airs rebelles, apprendre à communiquer, à s’ouvrir pour mieux affronter la vie. Sara tente de lui apporter les outils nécessaires alors qu’elle-même est parfois sur le point de basculer. D’un autre côté, la franchise et l’acuité qui caractérisent Zoé aideront Sara dans sa propre démarche.

Cette pièce qui ne contient aucun temps mort et qui est d’une efficacité redoutable aurait pu être désespérante par son sujet, mais elle a eu, du moins sur moi, l’effet contraire. On passe du rire aux larmes, on compatit puis on se cambre avant de reprendre son souffle… Une chose est sûre, on ne peut rester indifférent devant ces deux êtres fragiles et blessés.

Sachez que des supplémentaire sont annoncées jusqu’au 11 mai. À quand une prochaine collaboration Graton / Bürger ?

La bibliothèque Robert-Bourassa, dans le cadre de son 20e anniversaire, a reçu l’écrivain et comédien québécois Robert Lalonde.

Partie 1. Robert Lalonde : de la lecture à l’écriture.

Réalisation et crédit photo : Stéphane Richard.

Entrevue menée par Marie-Anne Poggi.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

En 1973, Ingmar Bergman proposait Scènes de la vie conjugale. Ce fut, en un premier temps, une série télévisée en six épisodes, puis l’année suivante, un film. Qui ne se souvient pas de Liv Ullman et d’Erland Josephson, dans les rôles de Marianne et de Johan ?

D’adapter ce Bergman en pièce de théâtre était une proposition audacieuse et risquée, mais elle est, au final, livrée de très belle manière par Evelyne de la Chenelière (Marianne) et James Hyndman (Johan).

Ainsi, durant une heure quarante minutes, nous assistons à la résignation, à la destruction, à la reconstruction de ce couple, parent de deux filles. Marianne et Johan sont en couple depuis des années, pris dans leur train-train quotidien, incapables de refuser le repas dominical tantôt chez les parents de l’un, puis de l’autre ou d’accepter des invitations de sorties avec des amis. Il ne faudrait surtout pas décevoir ou se faire reprocher quoi que ce soit.

Ils vivent la majorité du temps en fonction des autres et finissent par s’oublier eux-mêmes, avec comme résultat de la frustration, de l’insatisfaction et l’impression de rater leur vie. Mais où est donc passé la fougue de leur jeunesse ? Leurs projets ? Leurs ambitions ? Pff, envolés. Tout restera figé, jusqu’au jour où Johan n’en peut plus et…

La mise en scène que signe aussi James Hyndman est dépourvue de fla-fla, le décor de Stéphane Longpré est ingénieux, la conception vidéo de Thomas Payette et d’Antonin Gougeon est originale et la musique de Laurier Rajotte s’intègre judicieusement à la pièce. Je mets au défi quiconque de ne pas faire sienne une phrase ou deux de Scènes de la vie conjugale, car tous les sentiments amoureux s’y trouvent.

Vous avez jusqu’au 8 mai pour assister au Théâtre de Quat’Sous à ces échanges entre Marianne et Johan livrés par deux interprètes fabuleux !

À quand remonte votre dernière soirée de poésie ? Êtes-vous des fervents défenseurs de ce genre littéraire ou, comme plusieurs, ouvrez-vous rarement un recueil de poèmes ? Dommage ! Mais ces jours-ci, une chance s’offre à vous. Voyez pourquoi !

En 2008, Loui Mauffette nous proposait Poésie, sandwichs et autres soirs qui penchent, moment inoubliable, tellement que lorsque j’ai réalisé qu’il y avait un peu plus de dix ans que j’avais vu ce spectacle, je me suis posée de sérieuses questions sur mon rapport au temps.

Pour célébrer de manière festive le 50e anniversaire du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui (CTD’A), Loui Mauffette et Benoit Landry mettent en scène jusqu’au 4 mai Chansons pour filles et garçons perdus, de nouvelles « stoneries poétiques » qui, du 9 au 19 mai, se déplaceront du côté de la Cinquième Salle de la Place des Arts.

Quelques points communs, mais aussi certaines différences entre Poésie, sandwichs et autres soirs qui penchent et Chansons pour filles et garçons perdus. Pour honorer le mandat du CTD’A, il n’y a à entendre que des poètes et chanteurs québécois – ce qui n’était pas le cas en 2008. Des valeurs sûres mais aussi, pour ma part, de belles découvertes.

On retrouve quelques interprètes de la première mouture tels les Kathleen Fortin, Émilie Gilbert, Roger La Rue, Nathalie Breuer et Loui Mauffette. Le reste de la distribution comprend Benoit Landry, Catherine Paquin-Béchard, Jean-Philippe Perras, Macha Limonchik, Pierre Lebeau, Mylène Mackay, Jean-Simon Leduc, Adèle Reinhardt, Gabriel Lemire et Marie-Jo Thério. Sans oublier un garçon et deux fillettes qui complètent cette bande de joyeux lurons.

La salle principale du CTD’A a subi une transformation pour accueillir ce spectacle. Nous occupons trois côtés, le quatrième étant réservé, entre autres, à Guido Del Fabbro, directeur musical et qui, durant toute la soirée, joue aussi de divers instruments.

Le décor de Clélia Brissaud représente-t-il une arène ? Une piste de cirque ? Un carré de sable ? Une bande de patinoire comme celle de la Ligue nationale d’improvisation ? Peu importe, tout le monde prend plaisir à y livrer sa partition.

Je vous mentirais si je vous disais que ce spectacle est parfait. Disons simplement qu’il est peut-être trop généreux (3 h 10, incluant l’entracte), que parfois certains poèmes sont livrés avec un filet de voix nous empêchant de bien saisir les paroles, mais il y a aussi des instants de grâce où les larmes nous montent aux yeux ou d’autres, où on ne peut s’empêcher de rire ou de sourire comme des enfants.

Je ne nommerai aucun des cinquante poètes, paroliers, chansonniers que l’on découvre ou redécouvre durant la soirée. Par contre, le seul nom que je mentionnerai est celui de la grande poète innue Joséphine Bacon, car je pense que de terminer la soirée avec l’extrait Uiesh / Quelque part aurait été magique.

Lundi dernier, pour la dernière émission de la saison, je recevais la metteure en scène Luce Pelletier, venue nous parler de Strindberg, pièce écrite par neuf autrices québécoises, présentée à l’Espace Go jusqu’au 12 mai 2019.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Je ne savais pas trop à quoi m’attendre en me rendant à la Petite Licorne, rue Papineau, qui présente jusqu’au 27 avril Madra de Frances Poet. Je ne connaissais pas la dramaturge ; par contre, ayant déjà vu quelques productions du Théâtre Bistouri, compagnie dont j’aime beaucoup le travail, j’étais en terrain connu.

Présentée en codiffusion avec le Théâtre de La Manufacture, cette pièce nous garde sur le bout de notre siège du début à la fin, avec une montée dramatique qui fait réagir le public à plusieurs occasions.

L’histoire commence par une anecdote que racontent par Madra (Sylvie De Morais-Nogueira) et Alex (Marc-André Thibault) à la mère de ce dernier, Claire (Louise Bombardier). Tout le monde rit de bon cœur, jusqu’au moment où Claire, qui vient de garder pour une nuit son petit-fils Gabriel, relate sa sortie au restaurant avec le jeune garçon de trois ans.

Madra, dite Maddy, et Alex ne sont pas du tout contents. L’attitude de Claire a été irresponsable, impardonnable. Mais qu’a-t-elle donc fait de si répréhensible ? Pourquoi lui en veulent-ils autant ? Cette virée qui s’annonçait sans conséquences va teinter le reste de la pièce, dont je ne vais rien dire, bien évidemment.

Il y a donc un avant et un après cette fin de semaine-là. Point de bascule qui va complètement changer la dynamique de ce couple qui s’aime, mais qui risque de le diviser à tout jamais…

La tension est palpable et à son comble jusqu’à la toute dernière scène. Et là, on ne peut faire autrement que de se demander : et si Maddy, au final, avait eu raison de surprotéger son fils ? De n’être plus capable de faire confiance à personne ? Si cette paranoïa qui a pris des proportions insoupçonnées était justifiée ? En tant que parent, on veut bien sûr le meilleur pour son enfant, mais où se situe la ligne du raisonnable ?

Marie-Hélène Gendreau, assistée de Marilou Huberdeau, signe une mise en scène efficace et redoutable, tandis que la traduction de Marc-André Thibault m’a paru très juste.

Mention spéciale à Frédéric Blanchette qui interprète divers rôles, en père de famille parfois attendrissant et drôle, moins rassurant à d’autres occasions, en collègue de travail d’Alex ou en voisin du couple ; peu importe, il joue toujours de manière convaincante.

Plusieurs supplémentaires sont déjà annoncées. Faites vite !

Ombre Eurydice Parle d’Elfriede Jelinek est une pièce de théâtre déconcertante et énigmatique, ce qui n’est pas un défaut !

Le nom d’Elfriede Jelinek, femme complexe et controversée, vous dit sûrement quelque chose même si vous ne fréquentez pas le théâtre, puisqu’elle a remporté le prix Nobel de littérature en 2004. Cette écrivaine, dramaturge et scénariste autrichienne septuagénaire, a aussi une formation musicale comme on peut le lire dans le programme, ce qui teinte sans nul doute ses écrits.

Ombre Eurydice Parle, partition pour deux comédiennes (Macha Grenon et Stéphanie Cardi, convaincantes) et une danseuse contemporaine (magnifique Louise Bédard), incarnent toutes trois Eurydice à des moments différents de son existence. On le comprend par de petits détails. Par exemple, le personnage interprété par Stéphanie Cardi prend des Polaroïds qui se retrouvent ensuite entre les mains de Macha Grenon.

Mais que veut nous dire Jelinek avec sa pièce écrite en 2013 qui utilise un langage multidisciplinaire à travers la parole, la danse et la musique ? Marié à Eurydice, Orphée (Pierre Kwenders qui a une très jolie voix) lui demande d’être à ses côtés lors de ses concerts, tandis qu’elle peine à écrire son roman. Il a du succès, elle cherche l’inspiration.

Il faut s’abandonner à cette proposition théâtrale d’une heure dix minutes et faire confiance à l’équipe de créateurs : du metteur en scène Louis-Karl Tremblay à la traductrice Sophie Andrée Herr, sans oublier les quatre interprètes.

Vous avez donc jusqu’au 27 avril pour voir cette production du Théâtre Point d’Orgue, présentée en codiffusion avec le Théâtre Prospero.

Dernier émission de la saison de Culture à la carte avant son retour en ondes le 9 septembre prochain. Ainsi, le lundi 29 avril, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, je m’entretiendrai avec Luce Pelletier, metteure en scène de Strindberg, pièce écrite par neuf auteures québécoises, présentée à l’Espace Go jusqu’au 12 mai 2019.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Tout d’abord, je tiens à vous remercier du fond du cœur d’être venus en si grand nombre à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 15 avril, pour participer à la 11e remise du prix du Club des Irrésistibles. Qu’il était intéressant et stimulant de vous entendre discuter des cinq titres finalistes.

L’Ordre du jour d’Éric Vuillard (Actes Sud, 2017) a obtenu la faveur des membres du jury et remporte le prix du Club des Irrésistibles 2019.

En 2e position, Vers la beauté de David Foenkinos (Gallimard, 2018).

Ex aequo :

Couleurs de l’incendie de Pierre Lemaitre (Albin Michel, 2018) et Les Loyautés de Delphine de Vigan (Jean-Claude Lattès, 2018).

En 4e position, L’Archipel du Chien de Philippe Claudel (Stock, 2018).

Grâce à notre vidéaste Stéphane Richard, si vous n’avez pu être des nôtres lundi, vous pourrez voir et entendre d’ici la fin du mois d’avril sur le site des Irrésistibles, cinq extraits des commentaires des membres du jury.

Si, comme moi, vous avez lu Le Souffle de l’Harmattan et Du mercure sous la langue de Sylvain Trudel, vous devez sûrement en garder un très beau souvenir, car la langue et la poésie qui se dégageaient de ces romans étaient magiques.

Avant d’aller à la salle Fred-Barry voir la pièce de Steve Gagnon, Pour qu’il y ait un début à votre langue, production du Théâtre Jésus, Shakespeare et Caroline, je m’étais promis de ne pas relire les textes de Trudel. Je voulais voir quel souffle Steve Gagnon, également metteur en scène, allait donner à cette histoire touchante et drôle en même temps. La tentation de comparer aurait alors été trop grande. J’ai bien fait de suivre mon instinct, car au final, il reste peu de choses des œuvres originales.

La salle est disposée de manière bi-frontale. La pièce nous confronte à la dure réalité de trois adolescents (en 2008) et d’un jeune garçon de 26 ans (en 2018), qui vit ses derniers jours.

L’histoire se déroule dans une banlieue québécoise sur ces deux années charnières, 2008 et 2018. Le décor kafkaïen, signé par Marie-Renée Bourget-Harvey et Estelle Charron, vient appuyer ce qui se passe dans la vie de chacun des protagonistes.

En 2008, Frédéric (Frédéric Lemay), 16 ans, a un œil sur Odile (Pascale Renaud-Hébert, la révélation du spectacle). Tous deux ont comme ami Wilson (Jonathan Saint-Armand), un Africain, à la veille de fêter ses 18 ans, originaire du Kenya et adopté par des Québécois. Les deux garçons aspirent à un ailleurs plus exaltant. Insatisfaits de leur quotidien, ils souhaitent quelque chose de plus grand qu’eux.

La pièce commence dix ans plus tard. Frédéric est allongé sur un lit d’hôpital. Aujourd’hui âgé de 26 ans, il est aux soins palliatifs : cancer des os. Où sont Wilson et Odile ? Qu’est-il advenu d’eux ? Ont-ils réalisé leur rêve de jeunesse ?

Frédéric ne s’adresse plus à ses parents (Nathalie Mallette et Daniel Parent, toujours aussi justes). La seule qui a le « privilège » d’échanger avec lui est son infirmière (Claudiane Ruelland). Il lui donne l’heure juste, se confie, la questionne. Même quand ses grands-parents, Béatrice et Hector (Linda Laplante, impayable, et Richard Thériault) viennent lui rendre visite, il ne dit mot. Disons que sa grand-mère parle pour deux, tandis que son mari préfère se taire : sa façon à lui d’accompagner son petit-fils dans sa douleur.

Frédéric qui en veut à ses parents – je vous laisse découvrir pourquoi – a décidé de garder le silence, solution trouvée pour combattre la langue de ses géniteurs. Le propos pourrait paraître déprimant et pourtant Steve Gagnon et ses complices ont réussi à bien doser la part tragique en y distillant un zeste d’humour.

Pour qu’il y ait un début à votre langue, présentée à la salle Fred-Barry du Théâtre Denise-Pelletier jusqu’au 20 avril, vaut qu’on s’y arrête. Steve Gagnon a installé son propre rythme, son texte est rempli d’inventivité et de douce folie, le tout mis au service des comédiens. Et que dire de cette finale saisissante – trop courte à mon goût –, à la hauteur de l’imagination de son auteur.

Sachez que le texte est publié aux éditions L’instant même… Vous pourrez ainsi lire la pièce et en savourer toute la beauté.

Culture à la carte fait relâche le 22 avril, lundi de Pâques oblige. Rendez-vous le 29 avril en compagnie de la metteure en scène Luce Pelletier pour la dernière de la saison.

Lundi dernier, je recevais l’écrivaine Sylvie Drapeau, venue nous parler de son récit autobiographique La Terre (Leméac, 2019), dernier tome de sa tétralogie amorcée en 2015.

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