Pour la saison 2018-2019, ESPACE GO propose aux membres du Club des Irrésistibles un rabais à l’achat de billets à tarif général.
Les billets sont offerts au tarif de 30$ au lieu du prix général de 37$ (sauf pour des représentations supplémentaires, s’il y a lieu).
Réservation auprès de la billetterie d’ESPACE GO (514 845-4890) en mentionnant que vous êtes membre des Irrésistibles ou en ligne (espacego.com) en utilisant le code promotionnel IRR7 lors de l’achat d’un billet à la carte au tarif général.
L’Art de la chute, que l’on qualifie de « fiction documentaire », est une pièce fabuleuse – mon coup de cœur de cette rentrée théâtrale montréalaise –, écrite par un collectif de huit auteurs talentueux.
Cette production de Nuages en pantalon, en codiffusion avec La Manufacture, est d’une très belle réussite et nous questionne sur l’art. N’est-ce pas un commerce comme un autre ? Est-ce possible, en tant qu’artiste, de ne pas se laisser influencer par les tendances du marché ? Qu’est-ce qui intéresse réellement les gens ? Le travail de l’artiste ? Ce que son œuvre vaudra dans dix ans ? Beaucoup de questions sont soulevées, plus pertinentes les unes que les autres.
L’action de la pièce se situe en 2008, à quelques jours de la faillite de la banque d’investissement Lehman Brothers, institution créée au XIXe siècle. Qui ne se souvient pas de ce 15 septembre alors que quelque 25 000 personnes ont perdu leur emploi, tandis que certains « traders » avaient saisi ce qui s’en venait et avaient profité de cette débandade pour s’enrichir ?
D’un côté du ring, Alice Leblanc (Marianne Marceau), artiste émergente de 34 ans vient d’obtenir une résidence à Londres grâce au programme du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ). Elle y retrouve sa grande amie Laurence (Danielle Le Saux-Farmer) qui travaille à Londres, précisément chez Lehman Brothers. Tandis qu’Alice fait un maigre 23 000 dollars par année, le salaire de Laurence, lui, tourne autour de 300 000 livres.
De l’autre côté de l’arène, l’artiste contemporain britannique, Damien Hirst. Il organise chez Sotheby’s son propre encan, sans intermédiaire, ce qui va lui rapporter la modique somme de 125 millions.
Au centre, le courtier Greg Monroe (Simon Lepage), qui est également collectionneur d’œuvres d’art contemporain, fait partie de ceux qui ont fait un gros coup d’argent, son portefeuille se serait renfloué de plusieurs millions durant la crise des subprimes. Il n’a aucun remords, aucun scrupule, il a profité de l’occasion qui lui a été offerte et comme il dit : « Moi, j’ai agi avant que le marché intègre l’information, au moment où il y a un déséquilibre entre la valeur du marché et la valeur que devrait avoir un titre. »
Je ne vais rien dévoiler des autres enjeux, des tenants et des aboutissants, mais disons que certains vont en prendre pour leur rhume.
La mise en scène de Jean-Philippe Joubert est inventive, dynamique et efficace. La joute est enlevante, intelligente, drôle et superbement livrée par les cinq comédiens qui, pour plusieurs, interprètent différents personnages à un rythme essoufflant (pas pour nous, mais pour eux !).
Le texte coule de manière aussi fluide en français qu’en anglais. Je pensais me perdre dans ce langage de l’économie, mais pas du tout. Un vrai tour de force !
Présentée à La Licorne jusqu’au 29 septembre, après sa création le 4 avril 2017 au Théâtre Périscope à Québec, L’Art de la chute part en tournée un peu partout au Québec du 11 octobre 2018 au 17 mars 2019. Ne ratez surtout pas l’occasion de voir la pièce et si, par malchance, elle ne s’arrêtait pas dans votre région, sachez que le texte est publié aux éditions de L’instant même.
Qui, au Québec, ne connaît pas la comédienne Émilie Bibeau ? Je n’ai pas vu beaucoup de mains se lever, assurément ! Nous la voyons régulièrement à la télévision et au théâtre. Mais tout le monde n’a peut-être pas écouté ses chroniques radiophoniques à l’émission animée par Marie-Louise Arsenault, Plus on est de fous, plus on lit ! Vous avez la chance de vous rattraper, car La Petite Licorne présente jusqu’au 22 septembre, Chroniques d’un coeur vintage (Les mots des autres).
Dans une mise en scène dépouillée de Sophie Cadieux – une table rouge, une chaise, des livres et quelques autres accessoires – tout est fait pour mettre en valeur le texte que nous livre Émilie Bibeau.
Les cinq chroniques sont lues débout au micro, tandis que le reste du temps, la comédienne, à sa table de travail, intercale des moments plus intimes de sa vie (famille, peine de cœur, habitudes de vie), nous fait découvrir ses auteurs incontournables (Colette, Dany Laferrière, Flaubert) et nous dévoile ses petits cahiers remplis de notes ou de citations.
Solo d’une heure dix, livré avec franchise et en toute simplicité, où il manque encore un peu de liant, Chroniques d’un coeur vintage comprend plusieurs moments qui nous font sourire alors qu’Émilie Bibeau s’adresse à nous au « tu », nous prenant à témoin lorsqu’elle partage certaines réflexions philosophiques de Cioran ou de Schopenhauer par exemple.
Cette production d’Émilie Bibeau, en codiffusion avec La Manufacture, est un moment savoureux, qui ne révolutionne rien, mais qui fait du bien.
Alors ? Vintage ou pas vintage « notre » Émilie ? Pour le savoir, il vous faudra vous rendre au théâtre, rue Papineau.
Le lundi 24 septembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Angela Konrad, qui viendra nous parler de son adaptation de la pièce Golgotha Picnic de Rodrigo García, présentée à l’Usine C jusqu’au 29 septembre 2018.
Lundi dernier, je recevais Sylvain Bélanger, directeur artistique et codirecteur général du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui, venu nous parler des 50 ans de cette institution montréalaise.
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En vous rendant sur la chaîne YouTube à l’émission Les Irrésistibles de Marie-Anne, vous pourrez entendre, à chaque semaine, mes commentaires et critiques de théâtre ou d’arts visuels.
Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,
Andromaque. Tout un drame. Il y a d’abord Oreste, un peu fêlé et déboussolé – « Tu vis mon désespoir ; et tu m’as vu depuis / Traîner de mers en mers ma chaîne et mes ennuis » – qui aime Hermione, mais cette dernière en pince pour le bon roi Pyrrhus, lequel ne jure que par Andromaque (crétin, il l’a enlevée), laquelle aime fiévreusement son fidèle époux Hector (il est mort – pas pratique au lit) et son fiston Astyanax (elle l’aime beaucoup, c’est en sous-texte, mais ça frôle l’inceste).
Ça va mal tourner. Et ça vire mal en effet. Je résume. Oreste trucide Pyrrhus par maintes mains grecques interposées ; Hermione, dépitée, se suicide sur la dépouille encore chaude du bon roi ; Oreste devient dingue et Andromaque peut enfin régner sans son Hector mort. La vertu régnera. Andromaque quitte son bled, sur son zodiac, avec ses copains (dont Oreste devenu débile), question d’aller venger Pyrrhus qui lui a, bien malgré lui, légué le trône. L’art de se compliquer la vie.
Quelle bonne idée de la part du metteur en scène Frédéric Dubois de ne pas avoir laissé Les Chaises d’Eugène Ionesco dans ses « fonds de tiroirs ». La pièce, qui est présentée au Théâtre du Nouveau Monde jusqu’au 2 juin 2018, est de haut calibre, surtout ne vous en privez pas !
Paradoxe : Monique Miller et Gilles Renaud qui interprètent les rôles de la Vieille et du Vieux n’ont jamais paru aussi jeunes. Il faut voir les airs taquins de Monique Miller et les réparties jouissives de Gilles Renaud. Du théâtre dans la plus pure tradition du jeu. Malgré tout le travail qu’il y a eu en amont, ce qui transpire avant tout, c’est le plaisir communicatif qui se dégage du duo Miller-Renaud.
De cette partition, écrite il y a plus de 65 ans, on ne doit pas dériver d’un iota, sinon le mécanisme déraille. D’autant plus que la Vieille et le Vieux, maréchal des logis, disent tout et son contraire. Un exemple parmi tant d’autres : elle parle de leur enfant, le Vieux dit qu’il aurait aimé en avoir. Qui dit vrai ? Qui croire ?
Avant que n’arrivent les invités, attendus pour un dernier discours qui sera livré par l’Orateur, les nonagénaires se remémorent certains moments de leur vie.
Finalement, on sonne à la porte. La Vieille et le Vieux vont accueillir leurs hôtes, leur offrent une chaise, font un brin de jasette avec l’un et l’autre. Même l’empereur, à leur grand étonnement, s’est déplacé. Les chaises s’accumulent, il va bientôt manquer de places. Tout le monde est impatient de connaître les paroles qui seront prononcées… et nous aussi.
La scénographie d’Anick La Bissonnière est inventive ; la mise en scène de Frédéric Dubois, sobre et efficace ; les éclairages de Caroline Ross et la musique de Pascal Robitaille apportent une touche lumineuse à cette coproduction du TNM et du Théâtre des Fonds de Tiroirs. Une très belle réussite. Allez, c’est à votre tour de vous tirer une chaise !
Cette pièce de théâtre a déjà été suggérée par le Club des Irrésistibles, lire ici.
Entrevue avec Christiane St-Onge, chef de section et responsable de la bibliothèque Robert-Bourassa, qui partage avec nous cette semaine ses cinq coups de cœur littéraires, filmée par Stéphane Richard.
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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,
Je me suis vraiment régalé lors de la représentation de la pièce d’Ionesco, Les Chaises, au TNM. Renversé. Tellement que j’ai repris la lecture de la pièce, le lendemain dès mon réveil afin que le souvenir dure.
Monique Miller et Gilles Renaud sont époustouflants. Le scénographe et le metteur en scène ont magnifiquement traduit les indications scéniques d’Ionesco.
Ionesco proposait de confier le rôle de la Vieille à une jeune tant il y aurait de chaises à transbahuter, et toujours plus vite vers la fin. Bah ! le scénographe et le metteur en scène ont pallié ce gros effort. Il n’allait pas nous priver de la présence de Monique Miller, quand même.
Tout a été dit sur Ionesco : la fin de la communication (les vieux disent une chose et son contraire, (« Quel mauvais temps ! Comme il fait beau ! »), le théâtre de la déraison (« Je ne suis pas moi-même. Je suis un autre. Je suis l’un dans l’autre. » – clin d’oeil à Rimbaud –, scénarisation de la fin de représentation (absence de la cantatrice dans La Cantatrice chauve, « foule d’absences présentes » dans Les Chaises).
Monde en décrépitude que seul pouvait habiter et résumer le silence de l’Orateur à la fin de la pièce.
Mon passage préféré quand le Vieux dit : « Pour empêcher l’exploitation de l’homme par l’homme, il nous faut de l’argent, de l’argent, encore de l’argent. » Sidérant paradoxe, toujours d’actualités, car pour avoir de l’argent, toujours plus d’argent, il est trop souvent requis d’exploiter l’homme, et sa fiancée (disait Foglia).
Si je vous dis Le Soleil des Scorta, Eldorado, La Mort du roi Tsongor, Ouragan, vous pensez tout de suite au romancier Laurent Gaudé et vous avez bien raison. Mais si je mentionne Onysos le furieux, Pluie de cendres ou Salina, le nom du dramaturge vous vient peut-être moins rapidement en tête. Et pourtant, c’est pour le théâtre que Gaudé a écrit ses premiers textes.
L’œuvre de cet auteur français né en 1972 fait partie de ma vie de lectrice depuis ses tout débuts. J’aime son univers – il fait souvent référence à la mythologie –, l’intelligence de son propos, son style, il me touche et me déstabilise en même temps.
Le Théâtre de Quat’Sous termine sa saison de très belle manière avec la magnifique pièce Le Tigre bleu de l’Euphrate écrite par Gaudé en 2001 et présentée au théâtre de l’avenue des Pins jusqu’au 26 mai 2018.
Autant je connais les écrits de Laurent Gaudé, autant je me rends compte que je sais peu de choses sur Alexandre le Grand, mort à Babylone en Mésopotamie en 323 avant notre ère à l’âge de 33 ans et dont le corps n’a jamais été retrouvé. Cette création vient donc combler un peu mes lacunes – même si cette pièce n’est pas un cours d’histoire sur cet homme.
Est-ce qu’à trop vouloir on ne finit pas par se perdre ? C’est un peu le destin qu’a vécu ce roi de Macédoine, un être difficile à cerner, détestable et aimable, affamé de conquêtes, mais qui n’a pas su s’arrêter à temps… ce qui, d’ailleurs, lui a coûté la vie.
Cette coproduction du Théâtre de Quat’Sous et d’UBU Compagnie de création restera dans nos mémoires longtemps déjà par la qualité du texte, mais également pour bien d’autres raisons. Parmi celles-ci, la mise en scène de Denis Marleau tout en sobriété, qui laisse place à la parole d’Alexandre le Grand la veille de sa mort, et livrée par un Emmanuel Schwartz au sommet de sa forme.
Le montage vidéo de Stéphanie Jasmin (qui signe aussi les décors avec Denis Marleau) est tout en nuances et répond judicieusement aux propos d’Alexandre le Grand. Par moments, j’avais l’impression de voir des tableaux de Peter Krausz, peintre montréalais. Et que dire de la musique envoûtante de Philippe Brault, qui nous berce dans ces contrées lointaines et qui ponctue l’action élégamment.
J’ai été hypnotisée durant l’heure trente que dure ce soliloque et en rentrant chez moi, j’ai tout de suite eu envie de reprendre le texte de Laurent Gaudé pour en savourer à nouveau les mots mais, cette fois, avec en tête la voix d’Emmanuel Schwartz.
Comme Olivier Kemeid, directeur artistique du Théâtre de Quat’Sous, et Laurent Gaudé ont plusieurs intérêts communs, il n’était qu’une question de temps avant qu’un texte du dramaturge ne soit présenté en ces murs. C’est donc l’occasion d’en profiter !
Mon émission Culture à la carte, à radio VM, fait relâche durant la période estivale… de retour en septembre. Merci de votre fidélité tout au long de l’année.
Comme ce sera silence radio durant quatre mois, nous vous proposons, au fil des prochaines semaines, différentes captations vidéos pour souligner le 20e anniversaire de la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont. Des artistes de tous les horizons nous parleront de leur travail et nous feront découvrir cinq livres qui les ont marqués.
Pour débuter, voici le montage réalisé par notre vidéaste Stéphane Richard, qui retrace le parcours de la bibliothèque Robert-Bourassa d’hier à aujourd’hui. Bon visionnement !
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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,
Un grand merci à vous tous et à vous toutes qui avez participé à cette 10e remise du prix du Club des Irrésistibles qui s’est tenue à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont.
Encore une fois, la lutte a été serrée et les débats, passionnants.
Le Poids de la neige de Christian Guay-Poliquin (La Peuplade, 2016) a obtenu la faveur des membres du jury et remporte le prix des Irrésistibles 2018.
En 2e position, Étincelle de Michèle Plomer (Marchand de feuilles, 2016).
En 3e position, Chanson douce de Leïla Slimani (Gallimard, 2016).
En 4e position, Le Plongeur de Stéphane Larue (Le Quartanier, 2016).
En 5e position, La Nature exposée d’Erri De Luca (Gallimard, 2016, 2017).
Grâce à notre vidéaste Stéphane Richard, vous pourrez voir et entendre d’ici la mi-mai cinq extraits des commentaires des membres du jury sur les titres qui étaient en lice.
Êtes-vous parmi ceux et celles qui ont lu Le Bizarre Incident du chien pendant la nuit ? Il fallait le grand talent d’Hugo Bélanger à la mise en scène et la performance époustouflante et nuancée de Sébastien René pour faire passer le roman de Mark Haddon à la scène. Cette pièce est une réussite sur toute la ligne. Dès la première réplique, j’ai été conquise !
J’ai l’impression que tout ce que touche Hugo Bélanger se transforme en succès. Bien sûr, il n’est pas le premier à s’attaquer à cette pièce du dramaturge britannique Simon Stephens qui a, par ailleurs, remporté plusieurs prix. Sa mise en scène est allumée, inventive, remplie de trouvailles ingénieuses ; à la scénographie, Jean Bard fait encore de petits miracles ; la vidéo de Lionel Arnould est en accord parfait avec son sujet et l’interprétation des dix comédiens, dont la majorité joue différents rôles, est formidable.
C’est l’histoire de Christopher Boone (Sébastien René), un jeune garçon de 15 ans, 3 mois et 2 jours, atteint d’une maladie jamais nommée, mais qui se rapproche du syndrome d’Asperger. Il est très doué avec les chiffres – il connaît les nombres premiers jusqu’à 7507 –, dit toujours la vérité, ne peut supporter qu’on le touche et aime passer du temps seul.
Ed, son père (Normand D’Amour), est beaucoup plus patient avec son fils que ne l’est Judy, sa mère (Catherine Proulx-Lemay), mais tous les deux sont très attachés à Christopher. Tout va relativement bien dans leur vie, jusqu’au jour où le garçon trouve Wellington, le chien de Mme Shears, mort d’une fourche plantée dans le corps. Qui a pu faire une chose aussi terrible ? Bouleversé, traumatisé, il décide de faire enquête. Il veut trouver le ou la coupable, à la façon de Sherlock Holmes qu’il aime beaucoup. Son père lui dit de se mêler de ses affaires, mais il n’en fait qu’à sa tête et va voir un à un ses voisins pour leur poser des questions. Sa logique et ses déductions lui font vivre des expériences auxquelles il n’était pas préparé, mais qui le feront progresser vers une plus grande autonomie.
Siobhan (touchante Catherine Dajczman – que l’on ne voit malheureusement pas assez souvent sur nos scènes théâtrales), la professeure compatissante de Christopher, lui est d’un grand secours, lui donne de bons conseils et va le pousser à surmonter certaines peurs.
Si les étoiles éclairent le ciel la nuit, cette pièce illumine nos vies durant le temps de la représentation. Profitons de cette production, présentée chez Duceppe jusqu’au 19 mai 2018, pour nous rappeler que ce qui nous distingue des autres ne nous en éloigne pas, bien au contraire, mais fait aussi notre charme, notre force.
Est-ce qu’il vous arrive de retourner voir une pièce de théâtre ? Moi oui, quand mon horaire me le permet. J’avais assisté en mai 2015, dans la salle intime du Prospero, à Béa de Mick Gordon. Quand j’ai appris que la pièce serait au programme de La Petite Licorne en avril 2018, j’ai tout de suite su que j’allais la revoir. Elle m’avait alors beaucoup touchée et encore plus cette fois. Donc, aucun regret, bien au contraire.
Il y a des pièces, comme ça, qui prennent du coffre au fil des ans, soit parce que leur propos est encore plus d’actualité, soit parce que les comédiens ont mûri – et nous aussi, probablement. Cette production du Théâtre La Bête Humaine en codiffusion avec le Théâtre de la Manufacture, en est l’exemple parfait.
Bien sûr, l’aide médicale à mourir n’est pas un sujet des plus gais. Je vous entends même d’ici me dire que le sujet est triste, qu’avec ce printemps qui tarde, vous avez plutôt envie de voir quelque chose de joyeux, de plus lumineux. Et pourtant ! L’une des qualités de cette pièce, c’est qu’elle ne tombe jamais dans le pathos et qu’Olivia Palacci, à la mise en scène, évite le piège de vouloir en rajouter plus que nécessaire.
L’auteur réussit à nous émouvoir, certes, mais aussi à nous faire rire à plusieurs occasions. Par ailleurs, on ne peut s’empêcher de se demander, durant l’heure 45 que dure la pièce, ce qu’on ferait si un membre de notre famille, ou un ami proche, nous demandait d’abréger ses souffrances…
Les jours de Béa (magnifiquement interprétée par Alexandra Cyr) sont comptés. Elle a une maladie dégénérative depuis huit ans qui la cloue au lit, sans espoir de guérison. Pour l’aider à s’occuper d’elle, sa mère, Catherine James (très juste Suzanne Lantagne), avocate de profession, cherche la perle rare, la personne qui plaira à sa fille. Son choix, ou devrais-je dire celui de Béa, s’arrête sur Ray (Yannick Chapdelaine, drôle et touchant à la fois), même s’il a peu d’expérience – il n’est aide-soignant que depuis deux ans. Ce gaffeur volubile permet à Béa de s’évader un peu, de penser à autre chose qu’à ses douleurs. Il occupe son esprit durant quelques heures, tout au moins.
La pièce est présentée à La Petite Licorne jusqu’au 4 mai. Faites-vous un cadeau. Allez voir ce huis clos, car je suis certaine que vous non plus, vous ne le regretterez pas !
Le lundi 30 avril, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Marie Brassard, qui nous parlera de la pièce La Vie utile d’Evelyne de la Chenelière, présentée à l’Espace Go jusqu’au 19 mai 2018, puis du 28 mai au 1er juin dans le cadre du Festival TransAmériques.
Lundi dernier, je recevais Jessie Mill, dramaturge et conseillère artistique au Festival TransAmériques (FTA), venue nous parler, cette fois, du volet danse de la programmation 2018, festival qui se tiendra du 23 mai au 7 juin.
Les Irrésistibles de Marie-Anne ont aussi leur page Facebook. Venez voir !
En vous rendant sur la chaîne YouTube à l’émission Les Irrésistibles de Marie-Anne, vous pourrez entendre, à chaque semaine, mes commentaires et critiques de théâtre ou d’arts visuels.
Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,
L’adaptation de la pièce de Shakespeare, Le Songe d’une nuit d’été, de Steve Gagnon et Frédéric Bélanger (qui signe aussi la mise en scène) est un pur bonheur théâtral. Mais je dois vous avouer que je me rendais à reculons au Théâtre Denise-Pelletier (TDP), ne sachant pas trop à quoi m’attendre. Eh bien, ma crainte s’est dissipée dès les premières minutes, tellement ce spectacle d’une heure quarante cinq est jouissif, inventif et, qu’au final, il ne comble pas seulement le public étudiant qui fréquente en grande majorité le TDP, mais également les adultes.
Je ne sais pas si c’est un hasard ou une nouvelle tendance, mais c’est la troisième pièce que je vois en dix jours où l’on brise le quatrième mur. Dès le début, le ton est donné par les trois ouvreurs (Jean-Philippe Perras, Adrien Bletton et Olivia Palacci) qui s’adressent aux spectateurs.
Cette nouvelle production du Théâtre Advienne que pourra vise à nouveau dans le mille en revisitant ce classique présenté pour la première fois il y a plus de quatre siècles – peut-être qu’il serait plus sage de ne pas relire la pièce avant de vous rendre au TDP, vous risquez d’être un peu déroutés.
L’action qui se déroulait en Grèce – ici, le lieu n’est pas vraiment défini – met en jeu les amours de plusieurs personnages : Démétrius (Steve Gagnon) est amoureux d’Hermia (Gabrielle Côté) qui aime Lysandre (Hubert Lemire), tandis que le cœur d’Helena (Karine Gonthier-Hyndman) ne bat que pour Démétrius. Ce n’est pas tout, car Obéron (Étienne Pilon) tente de reconquérir Titania (Maude Guérin) qui elle… Vous me suivez toujours ? Pas grave, car on comprend très vite les enjeux de ce Songe d’une nuit d’été qui aborde plusieurs thèmes universels.
Le décor de Francis Farley-Lemieux est ingénieux et efficace, la musique de Sébastien Watty Langlois est entraînante et même si la distribution est impeccable, j’ai eu un faible pour le jeu d’Olivia Palacci (irrésistiblement drôle) et celui de Dany Boudreault dans son rôle de Puck « le petit diable » au service d’Obéron (sa gestuelle et certaines de ses répliques sont truculentes).
Si vous désirez rigoler de bon cœur, vous avez jusqu’au 18 avril pour voir cette coproduction du TDP et du Théâtre Advienne que pourra !
Le Théâtre Prospero clôt sa saison 2017-2018 de manière remarquable en nous présentant Le Nom de Jon Fosse. Je ne connaissais pas (mea culpa) ce dramaturge et auteur norvégien né en 1959, considéré comme l’un des plus grands auteurs de notre époque et dont l’oeuvre est traduite dans une quarantaine de langues.
Très belle découverte pour moi qui aime tant le théâtre, mais il m’a fallu accepter, cartésienne que je suis, que Fosse ne donne pas de réponses à mes nombreux questionnements. Nous restons là avec nos interrogations ; nous devons quasiment inventer des dialogues pour saisir qui sont les membres de cette famille jamais nommés.
Nous sommes confrontés à une écriture minimaliste, répétitive, à la limite de l’incantatoire. Même si la région où l’action se déroule n’est pas définie, la côte n’est pas loin, il pleut, il vente, la nature est constamment déchaînée. On se demande si celle-ci influe sur le caractère et les agissements des habitants. Il est à parier que oui.
Ironiquement, le titre de la pièce est à l’inverse de ce qui se passe sur scène. Les membres d’une famille ne sont pas capables de nommer les choses, ne se parlent pratiquement pas, ne finissent pas leur phrase. Mais au final, je me dis que les silences parlent parfois plus que les mots…
Tout n’est que fuite, redites : « Je suis fatigué(e), je vais allé(e) me coucher, ma jambe me fait mal » de dire l’un, puis l’autre. Le Père est un ouvrier introverti dont la vie n’a pas grand sens ni intérêt. La Mère, elle, se déplace avec une béquille, mais on ne sait pas depuis quand ni dans quelles circonstances elle s’est blessée. Il n’y a que le temps présent qui compte, aucune attente, encore moins de projets.
Un stress se crée chez le spectateur au fur et à mesure de l’heure vingt que dure la pièce, car on ne sait pas si, dans les non-dits, il y a des secrets enfouis, s’il y a eu un ou des drame(s)… Vous voyez le genre ? Si vous acceptez la proposition théâtrale où aucune émotion ni empathie ne transpire chez les protagonistes, vous allez être emballés, comme je le fus.
Dès le début, j’ai eu l’impression d’être dans l’univers de Beckett. Tout n’est qu’attente. Que ce soit celle des parents (Annick Bergeron et Stéphane Jacques) qui revoient après des mois d’absence leur Fille (Myriam DeBonville) à la veille d’accoucher, ou celle du Garçon (Simon Beaulé-Bulman), le père de l’enfant à naître qui est venu rejoindre La Fille, mais dont personne ne s’occupe, comme s’il était invisible. Il s’installe donc dans un coin avec un livre, ce qui étonne à peu près tout le monde.
Les six comédiens livrent avec brio cette partition musicale mise en scène par Dominique Leduc, assistée de Myriam Stéphanie Perraton-Lambert. Elles ont réussi le pari de nous intéresser à ce texte où la solitude et le vide abyssale règnent en maître.
J’aime découvrir de nouveaux auteurs, me questionner, réfléchir… Ai-je besoin de préciser qu’avec Jon Fosse, j’ai été bien servie et que cette pièce me restera longtemps en mémoire ! Vous avez jusqu’au 21 avril 2018 pour vous confronter à vous-mêmes, car Le Nom nous offre cela aussi.
Le lundi 16 avril, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Jessie Mill, dramaturge et conseillère artistique du Festival TransAmériques (FTA), qui nous parlera du volet théâtre de la programmation 2018, festival qui se tiendra du 23 mai au 7 juin.
Lundi dernier, je recevais la comédienne Alice Pascual, venue nous parler de la pièce Madame Catherine prépare sa classe de troisième à l’irrémédiable d’Elena Belyea, présentée dans la salle intime du théâtre Prospero jusqu’au 15 avril 2018.
Les Irrésistibles de Marie-Anne ont aussi leur page Facebook. Venez voir !
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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,
Voir cette pièce a été une expérience intellectuelle, sensorielle et émotive très intense.
Le point de départ : un fait historique, la condamnation à mort d’une femme, Marguerite Porete, coupable d’avoir écrit un livre, Le Miroir des âmes simples et anéanties.
Quel titre ! Dans ces âmes simples et anéanties, comment ne pas y voir tant de femmes, d’hier et d’aujourd’hui ?
Marguerite a gardé silence lors de son procès. Le corps de Louise Lecavalier vient parler à sa place. Ce sont des moments de fulgurance. Nous projetons sur les gestes de la danseuse, sur ses mouvements, sur ses déplacements, ce qu’on imagine de ce qui aurait pu être le plaidoyer de Marguerite. Comment ne pas être envoûtée par la puissance de la danseuse, sa force physique, sa présence charnelle, son regard qui nous interpelle, dans son parcours à la fois strié et soutenu par la musique déroutante et forte d’Ana Sokolović ?
La puissance du spectacle mis en place par la danseuse ne s’affaiblit pas avec l’arrivée de la comédienne, Céline Bonnier.
Des bas-reliefs suspendus sont avancés devant nous et nous montrent des bustes de femmes, les témoins.
Un dispositif technologique très actuel permet à la comédienne de prêter sa voix et son visage à ces femmes des siècles passés. Quelle belle façon de fusionner passé et présent, de nous relier à elles et de nous permettre d’entendre leurs paroles, leur histoire, leurs souffrances, leurs combats qui sont encore les nôtres.
La comédienne module sa voix et recrée l’individualité de chacune des femmes. Nous sommes attirées par le visage animé et illuminé qui parle et, en même temps, on cherche à voir la comédienne, son langage gestuel, tout en ne perdant pas le fil de ses propos : intense travail aussi pour la spectatrice.
Cette plongée dans les univers des Marguerite de Constantinople, de Navarre, d’Oingt, d’York est réconfortante : malgré la somme de douleurs exprimées, on choisit de retenir la résilience, la solidarité et la lucidité de ces femmes. On a d’abord l’impression que l’intervention plus contemporaine de Marguerite Duras vient dissiper l’ambiance mystique créée par le témoignage des précédentes, mais elle introduit, avec sa parole directe et forte, sa propre conception du spirituel, liée de très près à l’image double de la mère-mer.
La porte entrouverte sur l’actuel est magistralement défoncée par le monologue de la jeune fille dans le métro. Entre attirance et rejet, entre désespoir et lumière, elle se confronte à sa façon à l’ardu parcours intérieur qui permet à une femme de se donner naissance.
Le mot « marguerite » nous a dit une des femmes signifie « perle ». Ce spectacle est une perle, précieuse, ponctuée de découvertes inspirantes, et s’inscrit magistralement dans le désir actuel de solidarité entre les femmes.
Je nous souhaite que cette pièce connaisse la plus grande diffusion possible.
Coproduction de l’Espace Go et d’UBU compagnie de création.
Membre : LaSalle
Jasmin, Stéphanie. Les Marguerite(s), Théâtre Espace Go, 2018.
Grand fracas à l’Usine C le 10 février dernier lors de la présentation de la pièce de Bernard-Marie Koltès, Dans la solitude des champs de coton.
Avant d’aller voir la pièce, j’avais lu deux fois le texte de Koltès. Un regard un peu intellectuel, j’avais bien vu la joute verbale entre les deux protagonistes, un texte époustouflant, mais j’avais un peu raté son côté animal, rugueux, explosif. Toutes choses magnifiquement bien rendues par les acteurs, Sébastien Ricard et Hugues Frenette.
J’avais bien lu les lignes de fuite. Les jeux d’opposition : le haut / le bas ; l’homme / l’animal ; le possédant / le requérant ; le demandant / le demandé ; le chaud / le froid ; le désir / l’objet du désir ; le creux / la saillie ; l’offre / la demande ; le mâle / la femelle ; l’humilité / l’arrogance ; le clair / l’obscur ; l’humilité / l’arrogance; les lignes droites / les lignes courbes (fatales) ; le licite / l’illicite, l’envers / l’endroit et la botte qui ne peut qu’écraser le papier gras.
Toutes ses oppositions explosent dans le jeu physique, olympique et exténuant de deux acteurs. Ricard n’en peut vraiment plus à la fin. Il mâche ses mots et c’est beau. C’est un peu une fin impossible, le début de la fin du monde.
Même si la pièce n’est plus présentée à Montréal, vous pouvez vous reprendre à Ottawa au Centre national des arts où elle est à l’affiche jusqu’au 24 février 2018.
Membre : J. de Rosemont
Koltès, Bernard-Marie. Dans la solitude des champs de coton, Éditions de Minuit, 1987, 64 pages.
Il vous reste une semaine pour me dire si vous serez membre du jury pour la 10e remise du prix des Irrésistibles, car après la date du 13 décembre, il sera trop tard. Vous connaîtrez donc jeudi prochain les cinq livres retenus pour le prix de cette année ; le débat se tiendra le 23 avril 2018 à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont. Avez-vous hâte autant que moi ? Si vous avez mon adresse courriel, vous m’écrivez un petit mot pour me donner votre nom, sinon, vous le faites via le site web des Irrésistibles, à même l’Infolettre.
Il y a parfois des moments dans la vie où les astres s’alignent pour créer de belles rencontres. C’est précisément ce qui se passe présentement au théâtre Prospero.
Directrice générale et artistique du Groupe de la Veillée, Carmen Jolin, dont le flair et l’audace sont bien connus, a lu certains textes d’Ivan Viripaev. Révélation. Elle a ensuite obtenu les droits des pièces de l’auteur russe, les a fait traduire par Tania Moguilevskaia et Gilles Morel et a approché Florent Siaud pour les mettre en scène. Eurêka !
Les Enivrés est donc la troisième pièce de Viripaev présentée au théâtre Prospero après Oxygène à l’automne 2013 et Illusions à l’hiver 2015.
Sur scène, une distribution cinq étoiles pour interpréter un texte qui engendre de franches rigolades et provoque aussi des réflexions, entre autres, sur la vie de couple, sur notre place dans la société, sur le mariage.
Les dix comédiens, pour quatorze enivrés, sont tous très crédibles dans leurs rôles respectifs et tiennent la cadence durant l’heure trente que dure le spectacle. Un vrai tour de force ! Mention spéciale à Évelyne Rompré (hilarante), Dominique Quesnel (toujours si juste), Maxime Denommée, Benoit Drouin-Germain (tout en retenu et d’un comique naturel), Paul Ahmarani (égal à lui-même) et Maxim Gaudette.
L’action qui se déroule sur une journée met de l’avant diverses intrigues qui tournent autour de quelques couples établis mais précaires et d’un futur marié qui enterre sa vie de garçon, entouré de ses amis, de ses collègues et d’une invitée surprise… Scène inoubliable !
Plus la soirée avance, plus les verres se vident, plus certaines vérités refont surface, engendrant son lot de désillusions, de remises en question, de constats pas toujours reluisants. Rien de déprimant, bien au contraire, car le fou rire des personnages est communicatif à souhait.
Vous avez donc jusqu’au 16 décembre pour vivre une expérience théâtrale de haute voltige.
Le lundi 11 décembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien Marc St-Martin, qui nous parlera du spectacle 2017 Revue et corrigée, présenté au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 7 janvier 2018.
Lundi dernier, je recevais Cheryl Sim, commissaire de deux expositions : L’Offre qui accueille neuf artistes et Bill Viola. Naissance à rebours, présentées à DHC/Art Fondation pour l’art contemporain jusqu’au 11 mars 2018.
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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,
Une rentrée littéraire sans un roman d’Amélie Nothomb, c’est de l’ordre de l’impossible. J’ai donc lu avec beaucoup de plaisir ce conte que propose l’auteure belge, Frappe-toi le cœur (Albin Michel, 2017), qui expose, au cœur de son récit, des sentiments peu nobles tels la jalousie, le mépris et la haine.
En 1971, Marie, alors âgée de 19 ans, étudiait le secrétariat. Rien de palpitant. Un soir, alors qu’elle participait à une fête de son village, son choix s’est arrêté sur le plus beau garçon du patelin, Olivier, le fils du pharmacien. Ils décidèrent de se marier et eurent trois enfants : Diane, suivie, deux ans et demi plus tard, de Nicolas. Célia, la petite dernière, vint au monde en 1977.
Il était donc une fois… une famille qui avait tout pour être heureuse, mais Marie, jalouse de sa fille aînée, ne l’aimait pas et ne voulait pas s’en occuper.
Olivier, lui, ne disait rien, car même s’il chérissait de tout cœur ses enfants, il était à un tel point amoureux et obnubilé par sa femme qu’il ne voyait pas vraiment ses travers et encore moins comment elle traitait Diane.
Pourtant leur aînée était une bonne personne, intelligente et d’une grande beauté. Elle avait même, dès l’âge de 11 ans, décrété qu’elle deviendrait médecin.
Mais le mur construit par Diane pour se protéger de sa mère, ne cessa de s’effondrer à divers moments de sa vie et plus le temps passait, moins elle comprenait l’indifférence de sa mère à son égard. Elle décida d’aller vivre chez ses grands-parents maternels qui eux l’aimaient.
Les années passèrent. Diane se concentra sur ses études en médecine et choisit la cardiologie comme spécialité. Elle fit alors la connaissance d’Olivia Aubusson, maître de conférences dans la quarantaine, mariée et mère d’une jeune fille de onze ans. Olivia était une femme articulée, d’une grande intelligence, qu’elle admira aussitôt…
À partir de cette rencontre, j’ai trouvé que, sur certains aspects (usurpation, vol d’idées, mensonges qui s’accumulent, etc.), il y avait des airs de parenté avec le roman de Delphine de Vigan, D’après une histoire vraie (2015). Vous me direz ce que vous en pensez ?
À mon avis, l’une des forces de Frappe-toi le cœur, c’est qu’Amélie Nothomb a réussi à démontrer que l’on peut surmonter déceptions, trahisons et chagrins, tout prenant sa place dans la société.
Petite confession : j’appréhendais de revoir, dix ans après sa création, Bashir Lazhar d’Evelyne de la Chenelière. Je gardais tellement un bon souvenir de cette pièce, que j’avais peur de comparer le jeu de Rabah Aït Ouyahia à celui du regretté Denis Gravereaux.
Sincèrement, dès les premières minutes, Rabah Aït Ouyahia est d’une telle justesse dans son rôle d’Algérien exilé au Québec avec l’espoir « d’obtenir le statut de réfugié politique » que j’ai mis en dormance la prestation de Denis Gravereaux, ce qui n’est pas peu dire.
Martine Lachance, enseignante d’une classe de 6e B, vient de se suicider à même les murs de l’école. Bashir Lazhar voit là une occasion de travailler, dans l’attente que sa famille vienne le rejoindre. Il réussit donc à convaincre la directrice de l’engager – même si dans la réalité, c’est sa femme qui exerce ce métier.
Père de trois enfants, homme discipliné, qui a à cœur le français et sa syntaxe, Bashir Lazhar fait tout son possible pour inculquer aux jeunes, à l’aide de lectures de textes classiques et de dictées, les rudiments de la langue, remplie de subtilités et de pièges de toutes sortes. Bashir a une manière bien à lui d’intéresser les élèves à son cours de français et ne manque pas d’idées pour les stimuler. Il sollicite l’opinion de l’un et de l’autre, donne conseil quand il en sent le besoin. C’est un homme bon et empathique.
Ce texte n’a pas pris une ride, bien au contraire. Il ne peut pas être plus d’actualité avec tous ces reportages et papiers sur les réfugiés et les enseignants.
Sylvain Bélanger a réussi à porter de manière fort habile le texte drôle et touchant d’Evelyne de la Chenelière. Il en fait ressortir la poésie derrière laquelle se cachent plusieurs drames.
Je souhaite que cette production du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui, présentée jusqu’au 14 octobre, soit vue par le plus grand nombre d’étudiants et de professeurs pour qu’ils puissent, à leur tour, faire comme Bashir Lazhar : prendre le temps de discuter et d’échanger afin de mieux connaître l’autre.
Le lundi 2 octobre, à Radio VM (91,3 FM), de 17h45 à 18h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Carmen Jolin, directrice artistique et générale du Groupe de la Veillée et du théâtre Prospero, qui nous parlera de la pièce Je disparais d’Arne Lygre, mise en scène par Catherine Vidal, et présentée au Prospero jusqu’au 21 octobre 2017, puis au Théâtre français du Centre national des Arts à Ottawa du 1er au 4 novembre.
Lundi dernier, je recevais la comédienne Marie-Andrée Lemieux, venue nous parler de la comédie musicale Demain matin, Montréal m’attend de Michel Tremblay, présentée au Théâtre du Nouveau Monde jusqu’au 22 octobre 2017 et en tournée à travers le Québec à partir du mois de mars 2018.
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Il y a de fortes chances que vous soyez parmi les 20 millions de personnes qui ont eu entre les mains La Fille du train publié en 2015 et traduit en plus de 40 langues et/ou que vous ayez vu le film qu’en a tiré Tate Taylor en 2016.
Cette fois, Paula Hawkins nous donne à lire Au fond de l’eau (éditions Sonatine, 2017). Impossible de résumer ce roman de plus de 400 pages qui donne la parole à plusieurs narrateurs, dont l’enquêteur en chef Sean Townsend et le sergent Erin Morgan, car investigation il y aura.
Je ne vous donne que le point de départ qui, par le biais de retours en arrière, nous permet de faire le pont entre les différentes intrigues.
Été 2015. Julia Abbott, qui se fait appeler Jules – je n’ai d’ailleurs pas compris pourquoi –, doit retourner dans la petite localité de Beckford où elle a grandi, car on vient de lui apprendre que Nel, sa sœur aînée, a été retrouvée morte dans la rivière. S’est-elle noyée ? S’est-elle suicidée ? Si oui, pourquoi ? Ou l’a-t-on poussée de la falaise ? Qui pouvait lui en vouloir à ce point ?
Il est vrai que Nel était à écrire Le Bassin aux noyées, manuscrit dans lequel elle affirmait que « Beckford n’est pas un lieu à suicide. Beckford est un endroit où on se débarrasse des femmes à problèmes. » Elle voulait simplement comprendre et connaître la vérité, ou devrais-je dire les vérités, sur ces multiples décès.
Nel Abbott n’est pas la première à mourir ainsi cette année (meurtre ou geste volontaire ?), car trois mois plus tôt Katie Whittaker, une jeune adolescente talentueuse et facile à vivre, a subi le même sort et avant elles, plusieurs autres femmes de la communauté. Existe-t-il un lien entre toutes ces morts ?
Et si les villageois écoutaient un peu plus Nickie Sage qui parle aux morts ? Pourquoi le professeur Mark Henderson veut-il quitter Beckford pour aller vivre le plus loin possible ? Est-ce que Lena, la fille de Nel et la meilleure amie de Katie, aurait commis l’irréparable par jalousie ? Une chose est sûre, c’est que les souvenirs des gens ne correspondent pas toujours à la réalité qu’une autre personne en a gardé, ce qui peut créer des malentendus qui parfois empoisonnent la vie de certains individus…
Comme Paula Hawkins a parsemé son texte de plusieurs fausses pistes et de certains éléments qui ne sont pas nécessairement reliés les uns aux autres, il ne faut pas trop traîner pour poursuivre la lecture d’Au fond de l’eau.
Ah oui ! Un film suivra. Les droits d’adaptation du roman sont déjà réservés. À suivre !
Lorsque la pièce Coco de Nathalie Doummar avait été présentée à La Licorne en janvier 2016, je n’avais pu voir cette production du Théâtre Osmose – en collaboration avec Lez Spread the Word et en codiffusion avec le Théâtre de la Manufacture. Par contre, quand j’ai appris qu’elle serait remise à l’affiche jusqu’au 19 septembre, j’ai vu là l’occasion de me reprendre.
Si, comme moi, vous avez vu à l’Espace Libre Table rase de Catherine Chabot (avec la collaboration de Brigitte Poupart et des interprètes), vous ne pourrez faire autrement que de trouver des similitudes entre les deux pièces, à commencer par le lieu où se déroule l’action et l’amitié qui unit des amies de toujours alors que l’une d’elles est sur le point de mourir. Mais rapidement on cesse de comparer, car même si le point de départ est similaire, le ton n’est pas du tout le même, beaucoup moins cru ici.
L’histoire est celle de cinq amies d’enfance au profil singulier – ce qui fait leur charme. Elles se réunissent après que l’une d’elles soit décédée. Elles ont en leur possession le journal intime de la défunte. Alors qu’elles en lisent des passages, la pièce est ponctuée de retours en arrière qui permettent, entre autres, d’aborder plusieurs sujets (sexualité, amitié, maternité, amour, fidélité et infidélité) ce qui, par le fait même, nous donne l’occasion de mieux connaître Coco, Viviane, Maggie, Katya et Simone. Malgré leurs différences, ces filles sont solidaires et unies, autant dans la joie que dans la tristesse.
Belle idée que de confier la mise en scène à Mathieu Quesnel qui a réussi à bien aiguiller ces cinq talentueuses comédiennes que sont Sylvie De Morais Nogueira (touchante et empathique en Coralie, dite Coco, rôle qu’elle tient en alternance avec Nathalie Doummar), Anne-Marie Binette (ma révélation du spectacle), Marie Soleil Dion (que l’on peut voir, entre autres, dans la série télé Les Simone), Kim Despatis (inoubliable dans la pièce Et au pire, on se mariera) et Sarah Laurendeau (qui est aussi de la distribution de Table rase).
Des supplémentaires ne cessent d’être rajoutées à cette pièce, drôle et touchante à la fois… ce qui veut bien dire quelque chose, non ?
Que deviendront ces jeunes femmes à l’aube de leur trentaine après le départ prématuré de l’une d’elles ? Est-ce que leur amitié survivra ? Peut-être y aura-t-il une suite qui nous le dira. C’est ce que je nous souhaite…
Le lundi 18 septembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17h45 à 18h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Luce Pelletier, directrice générale et artistique du Théâtre de l’Opsis et metteure en scène de la pièce Les Enfants d’Adam d’Audur Ava Ólafsdóttir, présentée au Studio Hydro-Québec du Monument-National jusqu’au 8 octobre 2017.
Lundi dernier, je recevais le metteur en scène et traducteur Frédéric Blanchette, venu nous parler de la pièce Quand la pluie s’arrêtera d’Andrew Bovell, présentée chez Duceppe jusqu’au 14 octobre 2017.
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Marie-Anne, l’avez-vous lu ? Vous qui avez tout vu au théâtre. L’avez-vous vue, cette pièce de Mauvignier, Une légère blessure ?
Un soliloque. Une femme raconte « la liste de ses incompétences » à une ménagère arabe, qui ne comprend pas un mot de ce qu’elle dit, qui ne dit mot en retour, qui l’aide à dresser la table, à mettre les petits plats dans les grands, à préparer le dîner pour recevoir la famille, dans la perfection, sans un pli.
Un texte. Le dit de ses incompétences, dans la vie, avec ses amies, avec les hommes (quelle engeance !).
Le récit d’une marque, une légère et pénible blessure. Le temps passe. Il fait froid.
Membre : Rosemont
Mauvignier, Laurent. Une légère blessure, Éditions de Minuit, 2016, 44 pages.
Royal de Luxe. Cette troupe de théâtre de rue est venue nous rendre visite à Montréal, avec ses marionnettes géantes, durant le week-end de la Fête des Patriotes dans le cadre du 375e anniversaire de Montréal. Les mots me manquent pour vous dire à quel point j’ai été ébloui par ce spectacle. Et je suis loin d’avoir l’âge de fréquenter la maternelle.
Si vous passez par Le Havre en France les 7-8-9 juillet prochain, vous pourrez aller les admirer à votre tour.
« Royal de Luxe est une compagnie de théâtre de rue française, fondée en 1979, basée à Nantes depuis 1989. Son propos est de faire irruption dans l’espace public, notamment par le détournement d’objets et le recours au gigantisme. En cela, la compagnie est représentative de la mouvance de la reconquête de la rue et du quotidien par le merveilleux et les arts du spectacle. Parmi les créations les plus connues par le grand public, on peut citer la Saga des Géants. » (Wikipedia)
« C’était en 1993, et Royal de Luxe mettait en scène dans les rues du Havre la grande parade Le Géant tombé du ciel. Treize ans plus tard, c’était au tour de la Petite Géante et de son éléphant, avec ses 6 mètres de haut, d’en mettre plein les mirettes aux Havrais. Revoilà donc deux des merveilleux personnages imaginés par Jean-Luc Courcoult, metteur en scène et chef de troupe, présents dans la ville pour raconter cette histoire unique au monde de créatures surhumaines tout en bois et acier qui roulent des yeux et font pipi comme tout un chacun. Avec, en dépit des manipulations techniques exigées par leur gabarit – en soi, un véritable ballet palpitant à observer –, cette présence directe, paradoxalement chaleureuse, qui génère la passion et l’attachement de tous les spectateurs. Les contempler, marcher à côté d’eux, faire une pause font partie des plaisirs de ce cortège extraordinaire. Osmose collective [garantie]. » (Le Monde, 24 mai 2017).
Le Jeu de l’amour et du hasard, pièce présentée au Théâtre du Nouveau Monde (TNM) jusqu’au 20 mai, est à 180 degrés du Caligula que nous donnait à voir ce même théâtre dernièrement. Le TNM termine donc sa saison, avec ce Marivaux, dans les sphères de l’amour et non plus dans celles de la destruction.
De quoi s’agit-il ? Le noble monsieur Orgon (très juste Henri Chassé) a deux enfants : Mario (Philippe Thibault-Denis) et Silvia (Bénédicte Décary). Il désire que celle-ci épouse Dorante (David Savard), le fils d’un vieil ami. Drôle de hasard, Silvia et Dorante ont eu la même idée : prendre la place de leur domestique pour mieux faire connaissance. Ainsi, Lisette (irrésistible Catherine Trudeau) se fait passer pour sa maîtresse, tandis qu’Arlequin (Marc Beaupré) prend les habits de Dorante. Mais les choses ne se passent pas exactement comme prévu. Les imbroglios sont savoureux et nous font rire de bon cœur.
Le Jeu de l’amour et du hasard est fort agréable à regarder, malgré quelques petites longueurs, surtout à partir du moment où le stratagème est découvert par certains des protagonistes. Mais ne boudons pas notre plaisir, car il est rare d’avoir deux intrigues pour le prix d’une.
Jean Bard nous offre un décor épuré où l’on entend gazouiller les oiseaux ; les costumes de Judy Jonker ont un pied sur deux siècles, celui du XVIIIe avec une petite touche d’aujourd’hui ; la musique de Christian Thomas accompagne le propos sans l’alourdir.
Le TNM a trouvé en Alain Zouvi un metteur en scène allumé que nous avons hâte de retrouver à la barre d’une autre production !
Nous poursuivons, cette semaine, le visionnement (3 min. 14 s.) de la 9e remise du prix du Club des Irrésistibles qui s’est tenue à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 24 avril dernier, avec Trois jours et une vie de Pierre Lemaitre (Albin Michel, 2016) qui a terminé en 3e position, ex aequo avec L’Amie prodigieuse. 1, Enfance, adolescence d’Elena Ferrante (Gallimard, 2011, 2014). Bonne écoute !
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Encore une fois, La Licorne frappe dans le mille en programmant jusqu’au 13 mai la pièce de Catherine Léger Baby-sitter, production du Théâtre Catfight en codiffusion avec le Théâtre de la Manufacture.
Le metteur en scène Philippe Lambert a su s’approprier de manière fort inventive le texte truculent et incisif de Catherine Léger. Cette dramaturge a un réel talent pour les réparties « punchées », elle a le sens du dialogue et sait garder le tempo durant 1 h 20. L’auteure a pris le pari de rire d’une situation qui est douteuse pour ne pas dire inacceptable. Précisons que cette pièce n’est pas une thèse sociologique, mais derrière le rire, nous avons de quoi réfléchir.
La pièce met en scène Cédric Roberge (David Boutin) et Nadine (Isabelle Brouillette), parents depuis cinq mois d’une petite fille. Le couple bat de l’aile depuis l’accouchement. Nadine, en congé de maternité, voudrait passer ses journées à dormir, Cédric, lui, est en manque de sexe.
Leur quotidien va changer du tout au tout dès l’instant où Cédric perd son emploi chez Hydro-Québec. L’entreprise a mal digéré son coup d’éclat devant la caméra, lors d’un match des Alouettes. Jean-Michel (Steve Laplante), l’intellectuel de la famille, journaliste, incite fortement son frère, Cédric, à s’excuser publiquement auprès de madame Machabée pour ses paroles humiliantes, sexistes et misogynes mais, à prime abord, il refuse. Tout ce qui intéresse Cédric, c’est qu’en à peine 24 h, plus de 200 000 personnes ont visionné la vidéo. Peu de temps après, il décide d’écrire Sexist Story, mais pour ce faire, il a besoin de temps. C’est ainsi que sans en parler à Nadine, il engage une « baby-sitter », Émy Smith (Victoria Diamond), pour s’occuper du bébé. Émy a le don de « saisir » les gens rapidement et…
Cette pièce est d’une belle teneur, les quatre comédiens sont irrésistibles, la mise en scène est efficace et Catherine Léger ne cesse de nous surprendre avec ses textes tout à fait de son temps. Je suis d’autant plus contente que Baby-sitter partira en tournée au Québec dans quelques mois. Bonne route à toute l’équipe !
Le texte est publié chez Leméac. Je suis à le lire pour replonger dans cet univers singulier.
Il se passe un phénomène étrange (est-ce le fruit du hasard ?) et pour le moins inusité à La Licorne en ce moment. Je m’explique !
Dans le coin droit, on présente Baby-sitter pièce de Catherine Léger et dans le coin gauche, le texte de Félix Beaulieu-Duchesneau, Le Nombril du Monstre.
Le texte de Catherine Léger met en scène un couple, Nadine et Cédric, parents depuis cinq mois ; du côté de La Petite Licorne, Félix Beaulieu-Duchesneau nous raconte, à travers ses dessins (un peu son journal de bord), les étapes que va vivre son personnage, prénommé Félix en l’honneur de Félix Leclerc, qui sera papa pour la première fois dans neuf mois. Dans les deux cas, que ce soit après ou avant l’accouchement, il y a des turbulences dans le couple, car même si avoir un enfant est une joie, cela perturbe le quotidien.
Ce qui unit ces deux productions : l’imagination débordante et inventive des auteurs et des metteurs en scène. Comment réussir à rendre les propositions intéressantes avec si peu de moyens ? C’est là que l’on mesure le talent des équipes québécoises.
On rit de bon cœur autant dans Baby-sitter que dans Le Nombril du Monstre. Félix Beaulieu-Duchesneau, comme le précise le programme (en osmose avec son sujet, vous verrez), a pris 14 ans pour « accoucher » de son texte. On sent qu’il porte à bout de bras son bébé – son premier solo – qu’il joue et met en scène avec ses tripes.
La Licorne devrait offrir une réduction au public qui désire voir les deux pièces… C’est une suggestion comme ça !
À partir d’aujourd’hui, et ce, durant tout le mois de mai, vous pourrez visionner des extraits du débat qui s’est tenu, dans le cadre de la 9e remise du prix du Club des Irrésistibles, à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 24 avril dernier.
Nous commençons par la 4e position : Le Mystère Henri Pick de David Foenkinos (Gallimard, 2016). Bonne écoute !
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Culture à la carte, à radio VM, fait relâche durant la période estivale… de retour en septembre. Merci de votre fidélité tout au long de l’année.
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Dernier rappel aux membres du jury : il vous ne vous reste plus que quelques jours pour terminer la lecture des cinq livres en lice pour la 9e remise du prix des Irrésistibles.
Le vote et les débats auront lieu à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont, le lundi 24 avril prochain, de 10h à 12h.
Si vous ne pouvez vous déplacer, il faudra m’envoyer votre choix par courriel (simplement le titre, sans commentaires) avant le 23 avril.
Par ailleurs, les Irrésistibles qui ne sont pas membres du jury sont invités à se joindre à nous. Si vous désirez assister à la remise du prix, vous êtes les bienvenus ; prière de m’indiquer par courriel votre nom et le nombre de personnes qui vous accompagneront.
J’ai beaucoup aimé Toccate et Fugue malgré quelques petites longueurs – la pièce ne dure pourtant qu’une heure cinq minutes. Par contre, le jeu des comédiens est efficace, particulièrement celui de Sophie Cadieux (hilarante) et de Maxime Denommée (survolté en DJ Hong Kong). Larissa Corriveau n’a pas un rôle facile, mais elle s’en tire très bien et quel revirement de situation dans les dernières minutes du spectacle.
La mise en scène ingénieuse de Florent Siaud est remplie de belles trouvailles et le texte d’Étienne Lepage (que j’étais très contente de retrouver après Robin et Marion, L’Enclos de l’éléphant et Rouge gueule), nous confronte à la vraie nature – pas toujours glorieuse et édifiante – de chacun des six protagonistes.
Le soi-disant party organisé à l’occasion de l’anniversaire de Caro (Karine Gonthier-Hyndman) sera un fiasco sur toute la ligne et laissera voir, par petites touches, le mal de vivre de quelques-uns des personnages.
Cette proposition théâtrale plaira à un large public. Vous avez jusqu’au 6 mai pour vous rendre au Centre du Théâtre d’Aujourd’hui et vous faire votre propre idée…
Oublions quelques minutes le film Harold et Maude réalisé en 1971 par Hal Ashby. Arrêtons-nous plutôt à la pièce de Colin Higgins que présente jusqu’au 13 mai la compagnie Jean-Duceppe. Et surtout parlons de la performance incroyable de Béatrice Picard. Je regardais attentivement la comédienne s’activer sur scène et je me disais : « Comment fait-elle, à 87 ans, à rendre tout ce texte ?» La pièce fait quand même 2 h 15 !
L’histoire est simple : Harold (Sébastien René) et Maude (Béatrice Picard) se rencontrent à l’église lors d’un enterrement. Pourtant, ni l’un ni l’autre ne connaissaient le défunt. L’une incarne encore la joie de vivre à la veille de ses 90 ans, l’autre ne pense qu’à mettre en scène ses suicides au grand désespoir de sa mère, Mme Chasen (Danielle Lépine). Ils se sont trouvés et ne se lâcheront plus. L’excentrique et indépendante Maude aura malgré tout besoin d’Harold, comme ce jeune de 19 ans se trouvera enfin une raison de vivre grâce à la nonagénaire.
Le décor de Geneviève Lizotte avec plaque tournante permet, sans ralentir l’action, de passer du salon de Mme Chasen à l’église du père Finnegan (Martin Héroux), vers la maison de Maude et le bureau du docteur Mattews (Luc Bourgeois) que fréquente Harold.
Pour ce qui est de la mise en scène d’Hugo Bélanger, elle est imaginative et enlevante, même si elle est parfois un peu trop appuyée.
Harold et Maude est une pièce qui, malgré son sujet, nous fait du bien et nous rend heureux. Après l’avoir vue, je comprends mieux pourquoi Béatrice Picard souhaitait interpréter ce rôle qui lui va comme un gant.
Le lundi 24 avril, à Radio VM (91,3 FM), de 17h45 à 18h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Martin Faucher, codirecteur général et directeur artistique du Festival TransAmériques (FTA), qui nous parlera du volet danse de la programmation 2017, festival qui se tiendra du 25 mai au 8 juin.
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J’ai toujours fréquenté et aimé l’œuvre d’Albert Camus. Ses écrits sont d’une vérité qui, parfois, fait mal à lire et à entendre. À travers son cycle de l’absurde, Camus nous confronte à nous-mêmes.
Le Caligula que présente le Théâtre du Nouveau Monde (TNM) jusqu’au 14 avril va marquer cette institution. Grand moment théâtral, une réussite du début à la fin, à commencer par cette distribution impressionnante de 14 comédiens (Benoît Drouin-Germain, Éric Bruneau, Macha Limonchik, Étienne Pilon, Sébastien Dodge, pour ne nommer que ceux-là) dirigés de façon très sentie par René Richard Cyr.
Cette pièce aurait pu être écrite hier, tellement elle est d’actualité. Remplaçons le nom de Caligula par un autre, plus de notre temps, et replaçons l’action dans le contexte d’aujourd’hui et nous n’y verrions que du feu. Car, que fait l’empereur romain Caïus César Caligula (magistral Benoît McGinnis) ? Il souffre de la perte de sa sœur Drusilla (Rebecca Vachon) qu’il aimait d’un amour interdit. Après trois jours d’errance, il revient, mais plus personne ne le reconnaît. Il agit dans la démesure, demande l’impossible, use de violence, jusqu’à ne plus savoir où s’arrêter… Il a le pouvoir et il en fait ce qu’il veut, envers et contre tous.
Brutaliser pour oublier sa propre souffrance ? Dominer l’autre parce que l’on a perdu le contrôle de ses actions ? Caligula sait très bien ce qu’il fait, mais pourquoi persiste-t-il dans l’ignoble ? Après le décès de sa sœur, le bonheur est-il encore possible ? Et l’amour ? L’amitié ? Pendant un court laps de temps, la poésie le fera osciller, mais il ne veut pas y trouver refuge. Il rejette tout en bloc, a perdu confiance en l’être humain, se sent faillible, voudrait être éternel.
La musique de Michel Smith vient encadrer l’action et rajoute un effet encore plus dévastateur à ce qui se joue sous nos yeux. À vos risques et périls : on ne sort pas indemne du TNM !
Le lundi 3 avril, à Radio VM (91,3 FM), de 17h45 à 18h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Nicolas Langelier, fondateur du magazine Nouveau Projet et d’Atelier 10.
Lundi dernier, je recevais le metteur en scène Claude Poissant, venu nous parler de la pièce L’Avare de Molière, présentée au Théâtre Denise-Pelletier jusqu’au 8 avril 2017.
Les Irrésistibles de Marie-Anne ont maintenant leur page Facebook. Venez voir !
En vous rendant sur la chaîne YouTube à l’émission Les Irrésistibles de Marie-Anne, vous pourrez entendre, à chaque semaine, mes commentaires et critiques de théâtre ou d’arts visuels.
Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,
Si vous me lisez depuis quelques années, vous savez combien le théâtre est au cœur de ma vie. Cette semaine, il aurait fallu me cloner pour que je puisse assister à toutes les premières théâtrales. Complètement fou !
J’ai décidé de vous parler de Gamètes de Rébecca Déraspe, que l’on peut voir à La Petite Licorne jusqu’au 24 mars. Cette production des Biches Pensives, en codiffusion avec le Théâtre de la Manufacture, est une belle surprise.
Rébecca Déraspe met en scène deux amies de toujours : Lou (Annie Darisse), journaliste et féministe, célibataire trentenaire qui tient également un blog. Aude (Dominique Leclerc), ingénieure civile en couple avec David, est enceinte et heureuse de l’être. Toutefois, lors d’un rendez-vous médical, on lui apprend que l’enfant est trisomique. Écoutera-t-elle Lou qui lui suggère fortement, arguments à l’appui, de se faire avorter ? Le gardera-t-elle pour donner un sens à sa vie ?
Ce qui rend la proposition théâtrale intéressante et stimulante, c’est d’abord la construction de la pièce. Ainsi, durant une heure quinze, nous faisons connaissance avec ces deux filles qui se questionnent continuellement et se remettent sans cesse en question.
Soulignons également la mise en scène originale et inventive de la talentueuse et polyvalente Sophie Cadieux. Elle donne un souffle et un rythme au texte de Rébecca Déraspe qui nous entretient de choses graves, mais pas seulement, car on se surprend à rire à quelques occasions.
Annie Darisse et Dominique Leclerc se complètent fort bien, elles réussissent à nous transmettre leur complicité et on comprend que, quoi qu’il advienne, elles pourront toujours compter l’une sur l’autre.
Aucune lourdeur dans cette production ni de temps morts, mais il faut une concentration de tous les instants, car la pièce comporte plusieurs ellipses alors que l’on suit Lou et Aude de leur enfance, en passant par leur adolescence, jusqu’à aujourd’hui. Belle découverte !
Le lundi 13 mars, à Radio VM (91,3 FM), de 17h45 à 18h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le metteur en scène Philippe Ducros, qui nous parlera de la pièce Dehors de Gilles Poulin-Denis, présentée au Centre du Théâtre d’Aujourd’hui jusqu’au 25 mars 2017, puis au Théâtre français du Centre national des Arts à Ottawa du 29 mars au 1er avril.
Lundi dernier, je recevais Anne Grace, conservatrice aux expositions et à l’éducation au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) et co-commissaire de l’exposition Chagall : couleur et musique, présentée au MBAM jusqu’au 11 juin 2017.
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