Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Traduite par Juan Arango et adaptée par Kariane Héroux-Danis, la pièce du quadragénaire catalan Josep Maria Miró, Le Principe d’Archimède, est présentée dans la grande salle du Théâtre Prospero jusqu’au 16 novembre prochain. Elle vaut amplement qu’on s’y arrête.

Dans le programme, le metteur en scène Christian Fortin précise : « Ce soir, neuf compagnies théâtrales jouent Le Principe d’Archimède quelque part dans le monde. Depuis 2011, cette pièce est jouée presque sans interruption. Ce sera sa première au Québec. » Je comprends maintenant pourquoi elle est si « populaire ». Voyez !

Geneviève Alarie interprète Anne, la directrice d’une piscine municipale. Elle compte, parmi ses employés, deux maîtres-nageurs : Vincent (Daniel D’Amours) et Pierre (Lucien A. Bergeron), célibataire et sans enfant. Chacun a la responsabilité de groupes de gamins d’âges différents. Ils aiment leur travail, s’acquittent bien de leurs tâches, mais tout bascule le jour où, selon les dires d’une jeune fille, pour le rassurer, Pierre a serré dans ses bras et embrassé sur la bouche un jeune garçon ayant peur de l’eau.

Pierre commence par tout nier en bloc, puis se rétracte sur un détail, en rajoute un autre et se défend lorsqu’Anne, puis Vincent lui demandent d’expliquer son geste. David (Sébastien Rajotte), le père du garçon, se pointe à la piscine et exige des explications. Il demande à Anne qui est le professeur de son fils. Est-il homosexuel ? Plus la conversation avance, plus elle se rend compte qu’elle ne sait rien de la vie privée de Pierre, même s’il est à son service depuis cinq ans. Que faire ? Prendre sa défense ou celle de David ? Congédier Pierre ou lui donner le bénéfice du doute ?

La jeune fille prétend, je dis bien prétend, qu’elle a vu Pierre commettre son geste. Qui dit vrai, qui ment ? Quelles seront les conséquences à court et à moyen terme ? Est-ce que Pierre a réellement embrassé le jeune sur la bouche ? Si oui, pour quelle raison ? Rumeur ou vérité ?

Ce qui rend la proposition théâtrale intéressante, c’est qu’elle est construite de manière habile. Plusieurs avenues sont possibles alors que certaines scènes se répètent tout en faisant avancer l’action. C’est comme si la conversation de l’un poursuivait celle de l’autre. Rassurez-vous, on ne s’y perd pas du tout.

Cette production du Théâtre À l’eau froide en collaboration avec Christian Fortin et en codiffusion avec Le Groupe de la Veillée est, bien sûr, dérangeante à plusieurs niveaux et soulève une foule de questions. Ne vous attendez pas à des réponses claires, nettes et précises, car l’auteur n’en donne pas. Pour cela, il faudrait une suite à ce Principe d’Archimède. Pour ma part, il m’a été impossible au bout d’une heure quinze de prendre position. Coupable ou non coupable ?

En terminant, quel est ce fameux « principe d’Archimède » ? La définition du Larousse se lit comme suit : « Tout corps plongé dans un fluide éprouve une poussée verticale, dirigée de bas en haut, égale au poids du fluide qu’il déplace et appliquée au centre de gravité du fluide déplacé, ou centre de poussée. »

Le lundi 18 novembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Luce Pelletier, qui nous parlera de la pièce Les Serpents de Marie NDiaye, présentée à l’Espace Go jusqu’au 7 décembre 2019.

Lundi dernier, je recevais la metteure en scène Catherine Vidal, venue nous parler de la pièce Les Amoureux de Carlo Goldoni, présentée au Théâtre Denise-Pelletier jusqu’au 4 décembre 2019.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

D’après le livret de Dale Wasserman

Un spectacle musical formidable. Cela faisait longtemps que le Théâtre du Rideau Vert n’en avait pas programmé un.

Jean Maheu, avec ses cheveux blancs longs représente vraiment Cervantès/Don Quichotte qui est au cachot. Il ne fait pas dans la richesse. Son jeu est suave, nous prend au coeur. Avec l’équipe qui l’appuie et la mise en scène de René Richard Cyr, cet après-midi au théâtre a été un cadeau. Quelques musiciens sont discrètement sur scène, ce qui fait exploser le rendement théâtral.

Une comédie musicale à voir ou à revoir – je l’avais vue avec trois des acteurs en 2003. Courez vous acheter un billet !

À la base il y a le roman de Miguel de Cervantès, L’Ingénieux Hidalgo Don Quichotte de la Manche (1605).

Le livret est de Dale Wasserman, la musique de Mitch Leigh, les paroles de Joe Darion et l’adaptation française est de Jacques Brel.

Membre : Lise de l’Île-des-Sœurs

D’après le livret de Wasserman, Dale. L’Homme de la Mancha, Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 9 novembre 2019.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Mon premier coup de coeur théâtral, en ce début de saison 2019, va du côté de La Petite Licorne pour J’t'aime encore, solo écrit par Roxanne Bouchard pour la comédienne Marie-Joanne Boucher.

Cette production du Théâtre Écoumène en codiffusion avec le Théâtre de La Manufacture a été créée en 2016 dans Lanaudière. Elle a ensuite sillonné le Québec avant d’être à l’affiche rue Papineau où elle est installée jusqu’au 11 octobre. On sent que J’t'aime encore a été bien rodée, la pièce tourne au quart de tour.

Je connais peu Marie-Joanne Boucher – je ne l’ai vue qu’une fois au théâtre en 2016 dans Les Foirées montréalaises –, mais cette comédienne livre ici toute une performance. À quand un prochain rôle pour cette femme talentueuse ?

Marie-Joanne, maman d’une petite fille de deux ans et d’un fils adolescent, habite aujourd’hui à Notre-Dame-des-Prairies, près de Joliette. Sa maison comporte un permajardin mis sur pied par Frédéric, son amoureux des quinze dernières années. À moins d’être parmi le cercle rapproché de Marie-Joanne, il est difficile de départager la part autobiographique de J’t'aime encore de celle qui relève de la pure fiction. À bien y penser, cela a peu d’importance. Pourquoi ? Parce que l’équipe joue avec cette ambiguïté, on « embarque » et on en redemande.

J’t'aime encore oscille entre l’humour fin, la réflexion sur le couple, la carrière mise de côté pour élever les enfants, les questionnements : A-t-on fait les bons choix ? Suis-je bien dans cette vie familiale ? Doit-on rester fidèle ou accepter une aventure ? Se remettre à faire des auditions dans l’espoir de décrocher un rôle ? Mais qu’avons-nous fait de nos rêves ?

La mise en scène de François Bernier est sobre mais efficace ; le texte de Roxanne Bouchard aborde des questions pertinentes en le faisant souvent sur le mode humoristique et sous forme participative.

Vous désirez passer une agréable soirée ? Vous savez maintenant quelle direction prendre !

Le lundi 7 octobre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien et auteur François Grisé, qui viendra nous parler de sa pièce documentaire Tout inclus, mise en scène par Alexandre Fecteau et présentée à La Licorne jusqu’au 25 octobre 2019.

Lundi dernier, je recevais le comédien-chanteur Jean Maheux, venu nous parler de L’Homme de la Mancha (livret de Dale Wasserman, musique de Mitch Leigh et paroles de Joe Darion), dans une mise en scène de René Richard Cyr, comédie musicale présentée au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 9 novembre 2019.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Le théâtre Prospero a eu la bonne idée de reprendre, durant une dizaine de jours, Les Enivrés d’Ivan Viripaev qui avait connu un très joli succès à l’automne 2017.

Il y a parfois des moments dans la vie où les astres s’alignent pour créer de belles rencontres. C’est précisément ce qui se passe présentement sur la rue Ontario.

Directrice générale et artistique du Groupe de la Veillée, Carmen Jolin, dont le flair et l’audace sont bien connus, a lu certains textes d’Ivan Viripaev. Révélation. Elle a ensuite obtenu les droits des pièces de l’auteur russe, les a fait traduire par Tania Moguilevskaia et Gilles Morel et a approché Florent Siaud pour les mettre en scène. Eurêka !

Les Enivrés est donc la troisième pièce de Viripaev que le théâtre Prospero met à l’affiche après Oxygène à l’automne 2013 et Illusions à l’hiver 2015.

Sur scène, une distribution cinq étoiles pour interpréter un texte qui engendre de franches rigolades et provoque aussi des réflexions, entre autres, sur la vie de couple, sur notre place dans la société, sur le mariage.

Les dix comédiens, pour quatorze enivrés, sont tous très crédibles dans leurs rôles respectifs et tiennent la cadence durant l’heure trente que dure le spectacle. Un vrai tour de force ! Mention spéciale à Évelyne Rompré (hilarante), Dominique Quesnel (toujours aussi juste), Paul Ahmarani (égal à lui-même), Maxime Denommée, Renaud Lacelle-Bourdon et Dany Boudreault.

L’action qui se déroule sur une journée met de l’avant diverses intrigues qui tournent autour de quelques couples établis mais précaires et d’un futur marié qui enterre sa vie de garçon, entouré de ses amis, de ses collègues et d’une invitée surprise… Scène inoubliable !

Plus la soirée avance, plus les verres se vident, plus certaines vérités refont surface, engendrant son lot de désillusions, de remises en question, de constats pas toujours reluisants. Rien de déprimant, bien au contraire, car le fou rire des personnages est communicatif à souhait.

Vous avez donc jusqu’au 28 septembre pour vivre une expérience théâtrale de haute voltige.

Le lundi 23 septembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien Pierre Lebeau, qui nous parlera de la pièce Knock ou le Triomphe de la médecine de Jules Romains, présentée au TNM jusqu’au 12 octobre 2019.

Lundi dernier, je recevais la chargée de projets Christine Dufresne, venue nous parler de l’exposition À table ! Le repas français se raconte, présentée à Pointe-à-Callière jusqu’au 13 octobre 2019.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Êtes-vous parmi ceux et celles qui ont lu Le Bizarre Incident du chien pendant la nuit ? Il fallait le grand talent d’Hugo Bélanger à la mise en scène, la très juste traduction de Maryse Warda, la performance époustouflante et nuancée de Sébastien René pour faire passer le roman de Mark Haddon à la scène. Cette pièce est une réussite sur toute la ligne. Dès la première réplique, j’ai été conquise !

J’ai l’impression que tout ce que touche Hugo Bélanger se transforme en succès. Bien sûr, il n’est pas le premier à s’attaquer à cette pièce du dramaturge britannique Simon Stephens qui a, par ailleurs, remporté plusieurs prix. Sa mise en scène est allumée, inventive, remplie de trouvailles ingénieuses ; à la scénographie, Jean Bard fait encore de petits miracles ; la vidéo de Lionel Arnould est en accord parfait avec son sujet et l’interprétation des dix comédiens, dont la majorité joue différents rôles, est formidable.

C’est l’histoire de Christopher Boone (Sébastien René), un jeune garçon de 15 ans, 3 mois et 2 jours, atteint d’une maladie jamais nommée, mais qui se rapproche du syndrome d’Asperger. Il est très doué avec les chiffres – il connaît les nombres premiers jusqu’à 7507 –, dit toujours la vérité, ne peut supporter qu’on le touche et aime passer du temps seul.

Ed, son père (Jean-Moïse Martin qui remplace Normand D’Amour qui interprétait Ed chez Duceppe au printemps 2018), est beaucoup plus patient avec son fils que ne l’est Judy, sa mère (Catherine Proulx-Lemay), mais tous les deux sont très attachés à Christopher. Tout va relativement bien dans leur vie, jusqu’au jour où le garçon trouve Wellington, le chien de Mme Shears, mort d’une fourche plantée dans le corps. Qui a pu faire une chose aussi terrible ?

Bouleversé, traumatisé, il décide de faire enquête. Il veut trouver le ou la coupable, à la façon de Sherlock Holmes qu’il aime beaucoup. Son père lui dit de se mêler de ses affaires, mais il n’en fait qu’à sa tête et va voir un à un ses voisins pour leur poser des questions. Sa logique et ses déductions lui font vivre des expériences auxquelles il n’était pas préparé, mais qui le feront progresser vers une plus grande autonomie.

Siobhan (touchante Catherine Dajczman – que l’on ne voit malheureusement pas assez souvent sur nos scènes théâtrales), la professeure compatissante de Christopher, lui est d’un grand secours, lui donne de bons conseils et va le pousser à surmonter certaines peurs.

Si les étoiles éclairent le ciel la nuit, cette pièce illumine nos vies durant le temps de la représentation. Profitons de cette production, présentée jusqu’au 10 août au Théâtre Gilles-Vigneault (à Saint-Jérôme) en codiffusion avec le Théâtre Jean-Duceppe, pour nous rappeler que ce qui nous distingue des autres ne nous en éloigne pas, bien au contraire, mais fait aussi notre charme, notre force.

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Marie-Anne

Claudel, Philippe

À quelques jours de la victoire présidentielle de François Mitterrand en 1981, Denis, comédien raté, vend son vieil appartement. Il attend l’acheteur pour la signature du compromis de vente en présence de son ami Martin qu’il trouve rassurant.

Martin est un dramaturge que personne ne joue. Entre eux, plus de trente ans d’amitié ! Le temps de la signature de ce banal compromis de vente, le dramaturge et le comédien ratés vont jouer la comédie de leur vie. L’acheteur, totalement déboussolé, va rentrer dans leur jeu… bien malgré lui.

Voici une pièce de théâtre brillante et jubilatoire ! Le rapport de force entre les protagonistes ne cesse de changer, l’avantage passe de Martin à Denis à la faveur d’un mot de trop ou d’un mot de travers. L’humour est souvent grinçant.

Nous entendons au fil des dialogues les voix de Pierre Arditi et de Michel Leeb qui ont joué la pièce en France au mois de janvier 2019.

Membre : France

Cette suggestion est proposée par un lecteur du Pays de Romans – France, membre du club de lecture Troquez vos Irrésistibles et partenaire du Club Les Irrésistibles des Bibliothèques de Montréal.

Claudel, Philippe. Compromis, Éditions Stock, 2019, 155 pages.

D’après un scénario de Marcel Pagnol

Dans son Billet du 23 mai, Marie-Anne Poggi écrivait une critique élogieuse de la pièce de théâtre Le Schpountz. Suivant son avis, j’ai acheté mes places au Théâtre du Rideau Vert pour y inviter ma nièce et son compagnon en pensant que Pagnol avait créé des scénarios immortels et pour tous âges.

Nous n’avons pas été déçus ! Bien au contraire, car l’adaptation d’Emmanuel Reichenbach pour le Québec est sympathique, le jeu de presque tous les acteurs est prenant et la mise en scène de Denise Filiatrault fort dynamique.

Un très agréable moment à passer pour les grands, les moins grands et… pour les petits d’une dizaine d’années, comme en témoignaient mes jeunes voisins de siège.

Membre : Outremont

D’après un scénario de Marcel Pagnol. Le Schpountz, Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 8 juin 2019.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Avez-vous déjà entendu parler du « schpountz » ? Moi, non… mais c’était avant de me rendre au 4664, rue Saint-Denis.

En fin de saison théâtrale, alors qu’il ne fait pas encore assez chaud pour passer une soirée à siroter un verre sur une terrasse, j’en ai profité pour aller voir Le Schpountz, pièce présentée au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 8 juin.

La mise en scène rythmée et sans temps morts de Denise Filiatrault, d’après un scénario de Marcel Pagnol et l’adaptation d’Emmanuel Reichenbach, nous fait passer un agréable moment rempli de franches rigolades.

L’action a été transposée de Marseille sur la Côte-Nord alors qu’Antoine Désilet (Raymond Bouchard, toujours aussi juste, dont plusieurs répliques font mouche), qui a élevé ses neveux à la mort de leurs parents, est propriétaire d’une petite épicerie « fine ». Autant Justin (Philippe Robert) est heureux de travailler avec son oncle, autant son frère Théo (Rémi-Pierre Paquin, drôle et touchant à la fois) rêve d’une autre vie. Il est convaincu d’être un bon acteur dramatique et attend « son » heure de gloire.

L’occasion lui est finalement donnée quand débarque, dans son petit coin de pays, une équipe de tournage : la réalisatrice Romy (Marilyse Bourke) qui, avec l’aide de Sam (Stéphan Allard), son directeur photo, va lui faire miroiter le rôle d’un « schpountz » dans le film éponyme. La seule qui est en désaccord avec leur façon de procéder, c’est Clara, l’assistante-réalisatrice. Elle trouve que leur blague va trop loin, Théo croyant dur comme fer au « faux » contrat qu’il vient de signer.

Peu après, toute l’équipe repart à Montréal et retrouve leur directrice Arlette (Linda Sorgini). Et là, nous assistons à un tas de rebondissements, plus fous les uns que les autres, car Théo a décidé de les suivre pour qu’ils honorent leur engagement.

Au départ, Théo ne nous apparaît pas comme quelqu’un de très sympathique : imbu de lui-même, paresseux et dénigrant le métier de son oncle… mais plus la pièce avance, plus on a « pitié » de lui, voyant bien que tout le monde abuse de sa naïveté, lui faisant croire qu’il a des talents de comédien-chanteur.

Est-ce que Théo pourra réaliser son rêve ? Réussira-t-il à s’en tirer sans trop de séquelles ? Comment va-t-il se sortir de ce bourbier mis en place par des gens qui, au final, ne voulaient que s’amuser un peu ? Reviendra t-il sur la Côte-Nord bredouille ou le torse bombé ?

En 1937, Marcel Pagnol avait confié le rôle du « schpountz » à nul autre que Fernandel. Il me tarde de voir ce film.

Avec un tel titre, Cr#%# d’oiseau cave, ai-je besoin de préciser que je suis contente d’écrire sur la pièce de l’Américain Aaron Posner plutôt que d’en parler à la radio.

Michel-Maxime Legault est un metteur en scène talentueux qui ne cesse de nous surprendre. Il nous le prouve encore une fois avec cette pièce traduite par Benjamin Pradet.

Suivez-moi bien : Conrad (François-Xavier Dufour) est follement amoureux de Nina (Catherine Lavoie) qui est convoitée par Trigorine (Robert Lalonde) tandis que Macha (Roxane Bourdages, belle découverte) en pince pour Conrad, mais épousera David (Sasha Samar, irrésistible), l’ami de Conrad.

Côté adultes, Emma (Danielle Proulx, cinglante et drôle) est en couple depuis des années avec l’écrivain Trigorine qui la quittera pour Nina. Et pour compléter cette belle distribution, Sorine (Richard Thériault), médecin de profession et frère d’Emma, est incompris de tous, pire encore, personne ne l’écoute.

À travers ces amours impossibles, nous avons droit à une pièce dans une pièce car, comme l’annonce le personnage de Conrad, nous assistons également à une performance in situ intitulée « Nous y sommes ». Pour le dire autrement, les comédiens sont aussi des personnages d’une pièce qui se joue sur une scène totalement dépouillée de tout artifice.

Dramaturge trentenaire, Conrad souhaite que son texte plaise à sa mère comédienne qui, malheureusement pour lui, le démolit dès la lecture des premières lignes. Ils se disputent pour une énième fois, ce qui fragilise encore plus leur relation.

Trigorine a du succès autant dans sa carrière qu’avec les femmes. Il accepte les avances de Nina, une comédienne peu talentueuse, mais se fait prendre sur le fait par sa compagne Emma.

L’action se déroule sur une période de quatre ans. Ainsi, durant une heure quarante, nous voyons évoluer les personnages dans leur quotidien à travers leurs déceptions, leurs réussites, leurs questionnements, leurs doutes…

On dit qu’Aaron Posner s’est inspiré de La Mouette de Tchekhov pour écrire sa pièce. Peu importe que l’on connaisse l’œuvre de l’auteur russe ou non, les rapports amoureux, les infidélités, les jalousies, les relations mère-fils sont reconnaissables partout.

Cr#%# d’oiseau cave soulève, entre autres, plusieurs questions sur l’importance que l’on accorde à la reconnaissance de nos pairs ou des membres de notre famille et sur la place de l’art dans nos vies.

Malgré quelques longueurs par-ci par-là, Cr#%# d’oiseau cave nous montre sept comédiens qui s’amusent franchement sur scène – et par le fait même, nous aussi.

Cette production du Théâtre de la Marée Haute en codiffusion avec le Théâtre de La Manufacture est présentée à La Licorne jusqu’au 25 mai.

À partir d’aujourd’hui, et ce, durant les quatre prochaines semaines, vous pourrez visionner des extraits du débat qui s’est tenu dans le cadre de la 11e remise du prix du Club des Irrésistibles, à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 15 avril dernier.

Nous commençons par la 4e position : L’Archipel du Chien de Philippe Claudel (Stock, 2018). Bonne écoute !

Un grand merci à notre réalisateur Stéphane Richard.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Si vous me lisez régulièrement, vous savez combien le théâtre – comme la littérature – sont au cœur de ma vie. Depuis le début de l’année, j’ai vu de très belles productions, mais je crois que celle qui va me rester en tête longtemps est présentée en ce moment dans la salle Jean-Claude Germain du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui (CTD’A).

En septembre 2017, au CTD’A, La Nuit du 4 au 5 connaissait un beau succès. Revoici, un an et demi plus tard, la dramaturge Rachel Graton avec 21, texte réaliste, percutant et sans fioriture.

Je ne sais pas s’il en est de même pour vous, mais je serais incapable d’être travailleuse sociale… je n’ai pas la vocation. Il faut certaines habiletés et une grande force mentale pour affronter, jour après jour, des gens dans le besoin, des plus démunis que soi.

L’action de 21 – une façon de jouer au basketball – se déroule à l’automne dans un gymnase d’un centre jeunesse montréalais. Le décor de Max-Otto Fauteux est d’une belle simplicité, la musique de Larsen Lupin accompagne l’intrigue sans trop l’appuyer et Alexia Bürger signe une mise en scène intelligente en parfaite symbiose avec le langage direct choisi par Rachel Graton.

Sara (Isabelle Roy, d’une grande justesse) et Zoé (Marine Johnson, une révélation) doivent durant trois mois se voir une fois par semaine. La première, intervenante sociale de 40 ans, célibataire et sans enfant, cache des blessures, des failles que personne dans son entourage ne voit. Elle est chargée de « dénouer » Zoé, une adolescente de 15 ans, indocile, farouche, fugueuse, méfiante et qui « pète une coche » dès que quelqu’un dit quelque chose qui ne lui convient pas.

Placée à la demande de son père, Zoé va devoir, derrière ses airs rebelles, apprendre à communiquer, à s’ouvrir pour mieux affronter la vie. Sara tente de lui apporter les outils nécessaires alors qu’elle-même est parfois sur le point de basculer. D’un autre côté, la franchise et l’acuité qui caractérisent Zoé aideront Sara dans sa propre démarche.

Cette pièce qui ne contient aucun temps mort et qui est d’une efficacité redoutable aurait pu être désespérante par son sujet, mais elle a eu, du moins sur moi, l’effet contraire. On passe du rire aux larmes, on compatit puis on se cambre avant de reprendre son souffle… Une chose est sûre, on ne peut rester indifférent devant ces deux êtres fragiles et blessés.

Sachez que des supplémentaire sont annoncées jusqu’au 11 mai. À quand une prochaine collaboration Graton / Bürger ?

La bibliothèque Robert-Bourassa, dans le cadre de son 20e anniversaire, a reçu l’écrivain et comédien québécois Robert Lalonde.

Partie 1. Robert Lalonde : de la lecture à l’écriture.

Réalisation et crédit photo : Stéphane Richard.

Entrevue menée par Marie-Anne Poggi.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

En 1973, Ingmar Bergman proposait Scènes de la vie conjugale. Ce fut, en un premier temps, une série télévisée en six épisodes, puis l’année suivante, un film. Qui ne se souvient pas de Liv Ullman et d’Erland Josephson, dans les rôles de Marianne et de Johan ?

D’adapter ce Bergman en pièce de théâtre était une proposition audacieuse et risquée, mais elle est, au final, livrée de très belle manière par Evelyne de la Chenelière (Marianne) et James Hyndman (Johan).

Ainsi, durant une heure quarante minutes, nous assistons à la résignation, à la destruction, à la reconstruction de ce couple, parent de deux filles. Marianne et Johan sont en couple depuis des années, pris dans leur train-train quotidien, incapables de refuser le repas dominical tantôt chez les parents de l’un, puis de l’autre ou d’accepter des invitations de sorties avec des amis. Il ne faudrait surtout pas décevoir ou se faire reprocher quoi que ce soit.

Ils vivent la majorité du temps en fonction des autres et finissent par s’oublier eux-mêmes, avec comme résultat de la frustration, de l’insatisfaction et l’impression de rater leur vie. Mais où est donc passé la fougue de leur jeunesse ? Leurs projets ? Leurs ambitions ? Pff, envolés. Tout restera figé, jusqu’au jour où Johan n’en peut plus et…

La mise en scène que signe aussi James Hyndman est dépourvue de fla-fla, le décor de Stéphane Longpré est ingénieux, la conception vidéo de Thomas Payette et d’Antonin Gougeon est originale et la musique de Laurier Rajotte s’intègre judicieusement à la pièce. Je mets au défi quiconque de ne pas faire sienne une phrase ou deux de Scènes de la vie conjugale, car tous les sentiments amoureux s’y trouvent.

Vous avez jusqu’au 8 mai pour assister au Théâtre de Quat’Sous à ces échanges entre Marianne et Johan livrés par deux interprètes fabuleux !

À quand remonte votre dernière soirée de poésie ? Êtes-vous des fervents défenseurs de ce genre littéraire ou, comme plusieurs, ouvrez-vous rarement un recueil de poèmes ? Dommage ! Mais ces jours-ci, une chance s’offre à vous. Voyez pourquoi !

En 2008, Loui Mauffette nous proposait Poésie, sandwichs et autres soirs qui penchent, moment inoubliable, tellement que lorsque j’ai réalisé qu’il y avait un peu plus de dix ans que j’avais vu ce spectacle, je me suis posée de sérieuses questions sur mon rapport au temps.

Pour célébrer de manière festive le 50e anniversaire du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui (CTD’A), Loui Mauffette et Benoit Landry mettent en scène jusqu’au 4 mai Chansons pour filles et garçons perdus, de nouvelles « stoneries poétiques » qui, du 9 au 19 mai, se déplaceront du côté de la Cinquième Salle de la Place des Arts.

Quelques points communs, mais aussi certaines différences entre Poésie, sandwichs et autres soirs qui penchent et Chansons pour filles et garçons perdus. Pour honorer le mandat du CTD’A, il n’y a à entendre que des poètes et chanteurs québécois – ce qui n’était pas le cas en 2008. Des valeurs sûres mais aussi, pour ma part, de belles découvertes.

On retrouve quelques interprètes de la première mouture tels les Kathleen Fortin, Émilie Gilbert, Roger La Rue, Nathalie Breuer et Loui Mauffette. Le reste de la distribution comprend Benoit Landry, Catherine Paquin-Béchard, Jean-Philippe Perras, Macha Limonchik, Pierre Lebeau, Mylène Mackay, Jean-Simon Leduc, Adèle Reinhardt, Gabriel Lemire et Marie-Jo Thério. Sans oublier un garçon et deux fillettes qui complètent cette bande de joyeux lurons.

La salle principale du CTD’A a subi une transformation pour accueillir ce spectacle. Nous occupons trois côtés, le quatrième étant réservé, entre autres, à Guido Del Fabbro, directeur musical et qui, durant toute la soirée, joue aussi de divers instruments.

Le décor de Clélia Brissaud représente-t-il une arène ? Une piste de cirque ? Un carré de sable ? Une bande de patinoire comme celle de la Ligue nationale d’improvisation ? Peu importe, tout le monde prend plaisir à y livrer sa partition.

Je vous mentirais si je vous disais que ce spectacle est parfait. Disons simplement qu’il est peut-être trop généreux (3 h 10, incluant l’entracte), que parfois certains poèmes sont livrés avec un filet de voix nous empêchant de bien saisir les paroles, mais il y a aussi des instants de grâce où les larmes nous montent aux yeux ou d’autres, où on ne peut s’empêcher de rire ou de sourire comme des enfants.

Je ne nommerai aucun des cinquante poètes, paroliers, chansonniers que l’on découvre ou redécouvre durant la soirée. Par contre, le seul nom que je mentionnerai est celui de la grande poète innue Joséphine Bacon, car je pense que de terminer la soirée avec l’extrait Uiesh / Quelque part aurait été magique.

Lundi dernier, pour la dernière émission de la saison, je recevais la metteure en scène Luce Pelletier, venue nous parler de Strindberg, pièce écrite par neuf autrices québécoises, présentée à l’Espace Go jusqu’au 12 mai 2019.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Je ne savais pas trop à quoi m’attendre en me rendant à la Petite Licorne, rue Papineau, qui présente jusqu’au 27 avril Madra de Frances Poet. Je ne connaissais pas la dramaturge ; par contre, ayant déjà vu quelques productions du Théâtre Bistouri, compagnie dont j’aime beaucoup le travail, j’étais en terrain connu.

Présentée en codiffusion avec le Théâtre de La Manufacture, cette pièce nous garde sur le bout de notre siège du début à la fin, avec une montée dramatique qui fait réagir le public à plusieurs occasions.

L’histoire commence par une anecdote que racontent par Madra (Sylvie De Morais-Nogueira) et Alex (Marc-André Thibault) à la mère de ce dernier, Claire (Louise Bombardier). Tout le monde rit de bon cœur, jusqu’au moment où Claire, qui vient de garder pour une nuit son petit-fils Gabriel, relate sa sortie au restaurant avec le jeune garçon de trois ans.

Madra, dite Maddy, et Alex ne sont pas du tout contents. L’attitude de Claire a été irresponsable, impardonnable. Mais qu’a-t-elle donc fait de si répréhensible ? Pourquoi lui en veulent-ils autant ? Cette virée qui s’annonçait sans conséquences va teinter le reste de la pièce, dont je ne vais rien dire, bien évidemment.

Il y a donc un avant et un après cette fin de semaine-là. Point de bascule qui va complètement changer la dynamique de ce couple qui s’aime, mais qui risque de le diviser à tout jamais…

La tension est palpable et à son comble jusqu’à la toute dernière scène. Et là, on ne peut faire autrement que de se demander : et si Maddy, au final, avait eu raison de surprotéger son fils ? De n’être plus capable de faire confiance à personne ? Si cette paranoïa qui a pris des proportions insoupçonnées était justifiée ? En tant que parent, on veut bien sûr le meilleur pour son enfant, mais où se situe la ligne du raisonnable ?

Marie-Hélène Gendreau, assistée de Marilou Huberdeau, signe une mise en scène efficace et redoutable, tandis que la traduction de Marc-André Thibault m’a paru très juste.

Mention spéciale à Frédéric Blanchette qui interprète divers rôles, en père de famille parfois attendrissant et drôle, moins rassurant à d’autres occasions, en collègue de travail d’Alex ou en voisin du couple ; peu importe, il joue toujours de manière convaincante.

Plusieurs supplémentaires sont déjà annoncées. Faites vite !

Ombre Eurydice Parle d’Elfriede Jelinek est une pièce de théâtre déconcertante et énigmatique, ce qui n’est pas un défaut !

Le nom d’Elfriede Jelinek, femme complexe et controversée, vous dit sûrement quelque chose même si vous ne fréquentez pas le théâtre, puisqu’elle a remporté le prix Nobel de littérature en 2004. Cette écrivaine, dramaturge et scénariste autrichienne septuagénaire, a aussi une formation musicale comme on peut le lire dans le programme, ce qui teinte sans nul doute ses écrits.

Ombre Eurydice Parle, partition pour deux comédiennes (Macha Grenon et Stéphanie Cardi, convaincantes) et une danseuse contemporaine (magnifique Louise Bédard), incarnent toutes trois Eurydice à des moments différents de son existence. On le comprend par de petits détails. Par exemple, le personnage interprété par Stéphanie Cardi prend des Polaroïds qui se retrouvent ensuite entre les mains de Macha Grenon.

Mais que veut nous dire Jelinek avec sa pièce écrite en 2013 qui utilise un langage multidisciplinaire à travers la parole, la danse et la musique ? Marié à Eurydice, Orphée (Pierre Kwenders qui a une très jolie voix) lui demande d’être à ses côtés lors de ses concerts, tandis qu’elle peine à écrire son roman. Il a du succès, elle cherche l’inspiration.

Il faut s’abandonner à cette proposition théâtrale d’une heure dix minutes et faire confiance à l’équipe de créateurs : du metteur en scène Louis-Karl Tremblay à la traductrice Sophie Andrée Herr, sans oublier les quatre interprètes.

Vous avez donc jusqu’au 27 avril pour voir cette production du Théâtre Point d’Orgue, présentée en codiffusion avec le Théâtre Prospero.

Dernier émission de la saison de Culture à la carte avant son retour en ondes le 9 septembre prochain. Ainsi, le lundi 29 avril, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, je m’entretiendrai avec Luce Pelletier, metteure en scène de Strindberg, pièce écrite par neuf auteures québécoises, présentée à l’Espace Go jusqu’au 12 mai 2019.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Tout d’abord, je tiens à vous remercier du fond du cœur d’être venus en si grand nombre à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 15 avril, pour participer à la 11e remise du prix du Club des Irrésistibles. Qu’il était intéressant et stimulant de vous entendre discuter des cinq titres finalistes.

L’Ordre du jour d’Éric Vuillard (Actes Sud, 2017) a obtenu la faveur des membres du jury et remporte le prix du Club des Irrésistibles 2019.

En 2e position, Vers la beauté de David Foenkinos (Gallimard, 2018).

Ex aequo :

Couleurs de l’incendie de Pierre Lemaitre (Albin Michel, 2018) et Les Loyautés de Delphine de Vigan (Jean-Claude Lattès, 2018).

En 4e position, L’Archipel du Chien de Philippe Claudel (Stock, 2018).

Grâce à notre vidéaste Stéphane Richard, si vous n’avez pu être des nôtres lundi, vous pourrez voir et entendre d’ici la fin du mois d’avril sur le site des Irrésistibles, cinq extraits des commentaires des membres du jury.

Si, comme moi, vous avez lu Le Souffle de l’Harmattan et Du mercure sous la langue de Sylvain Trudel, vous devez sûrement en garder un très beau souvenir, car la langue et la poésie qui se dégageaient de ces romans étaient magiques.

Avant d’aller à la salle Fred-Barry voir la pièce de Steve Gagnon, Pour qu’il y ait un début à votre langue, production du Théâtre Jésus, Shakespeare et Caroline, je m’étais promis de ne pas relire les textes de Trudel. Je voulais voir quel souffle Steve Gagnon, également metteur en scène, allait donner à cette histoire touchante et drôle en même temps. La tentation de comparer aurait alors été trop grande. J’ai bien fait de suivre mon instinct, car au final, il reste peu de choses des œuvres originales.

La salle est disposée de manière bi-frontale. La pièce nous confronte à la dure réalité de trois adolescents (en 2008) et d’un jeune garçon de 26 ans (en 2018), qui vit ses derniers jours.

L’histoire se déroule dans une banlieue québécoise sur ces deux années charnières, 2008 et 2018. Le décor kafkaïen, signé par Marie-Renée Bourget-Harvey et Estelle Charron, vient appuyer ce qui se passe dans la vie de chacun des protagonistes.

En 2008, Frédéric (Frédéric Lemay), 16 ans, a un œil sur Odile (Pascale Renaud-Hébert, la révélation du spectacle). Tous deux ont comme ami Wilson (Jonathan Saint-Armand), un Africain, à la veille de fêter ses 18 ans, originaire du Kenya et adopté par des Québécois. Les deux garçons aspirent à un ailleurs plus exaltant. Insatisfaits de leur quotidien, ils souhaitent quelque chose de plus grand qu’eux.

La pièce commence dix ans plus tard. Frédéric est allongé sur un lit d’hôpital. Aujourd’hui âgé de 26 ans, il est aux soins palliatifs : cancer des os. Où sont Wilson et Odile ? Qu’est-il advenu d’eux ? Ont-ils réalisé leur rêve de jeunesse ?

Frédéric ne s’adresse plus à ses parents (Nathalie Mallette et Daniel Parent, toujours aussi justes). La seule qui a le « privilège » d’échanger avec lui est son infirmière (Claudiane Ruelland). Il lui donne l’heure juste, se confie, la questionne. Même quand ses grands-parents, Béatrice et Hector (Linda Laplante, impayable, et Richard Thériault) viennent lui rendre visite, il ne dit mot. Disons que sa grand-mère parle pour deux, tandis que son mari préfère se taire : sa façon à lui d’accompagner son petit-fils dans sa douleur.

Frédéric qui en veut à ses parents – je vous laisse découvrir pourquoi – a décidé de garder le silence, solution trouvée pour combattre la langue de ses géniteurs. Le propos pourrait paraître déprimant et pourtant Steve Gagnon et ses complices ont réussi à bien doser la part tragique en y distillant un zeste d’humour.

Pour qu’il y ait un début à votre langue, présentée à la salle Fred-Barry du Théâtre Denise-Pelletier jusqu’au 20 avril, vaut qu’on s’y arrête. Steve Gagnon a installé son propre rythme, son texte est rempli d’inventivité et de douce folie, le tout mis au service des comédiens. Et que dire de cette finale saisissante – trop courte à mon goût –, à la hauteur de l’imagination de son auteur.

Sachez que le texte est publié aux éditions L’instant même… Vous pourrez ainsi lire la pièce et en savourer toute la beauté.

Culture à la carte fait relâche le 22 avril, lundi de Pâques oblige. Rendez-vous le 29 avril en compagnie de la metteure en scène Luce Pelletier pour la dernière de la saison.

Lundi dernier, je recevais l’écrivaine Sylvie Drapeau, venue nous parler de son récit autobiographique La Terre (Leméac, 2019), dernier tome de sa tétralogie amorcée en 2015.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Petit rappel aux membres du jury… Il vous reste trois semaines pour terminer la lecture des cinq livres en lice pour la 11e remise du prix des Irrésistibles.

Le vote et les débats auront lieu à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont, le lundi 15 avril prochain de 10 h à 12 h.

Si vous ne pouvez vous déplacer pour voter, il faudra m’envoyer votre choix par courriel (simplement le titre, sans commentaires) avant le dimanche 14 avril.
J’ai bien hâte de vous revoir et de débattre en votre compagnie.

Par ailleurs, les Irrésistibles qui ne sont pas membres du jury sont invités à se joindre à nous. Si vous désirez assister à la remise du prix, vous êtes les bienvenus ; prière de m’indiquer par courriel votre nom et le nombre de personnes qui vous accompagneront.

Pourquoi aller à l’Espace Go voir Parce que la nuit de Dany Boudreault et Brigitte Haentjens, avec la collaboration de Céline Bonnier ?

Parce qu’il est question de Patti Smith, cette fabuleuse artiste multidisciplinaire (chanteuse, musicienne, écrivaine, photographe, peintre), née en 1946 à Chicago.

Parce que la compagnie Sibyllines ne fait rien comme les autres.

Parce qu’il y a sur scène une équipe qui joue, chante et danse avec une belle énergie.

Parce que Céline Bonnier, Dany Boudreault, Alex Bergeron, Leni Parker et Martin Dubreuil sont accompagnés par trois fabuleux musiciens : Bernard Falaise, Rémi Leclerc et Alexandre St-Onge.

Parce que durant les deux heures dix que dure le spectacle sont évoqués les idoles, amis et amoureux de l’artiste américaine : Rimbaud, Robert Mapplethorpe, Sam Shepard, Bob Dylan, Jack Kerouac, Allen Ginsberg, Jean Genet, Fred « Sonic » Smith…

Parce que la nuit nous donne la furieuse envie de replonger dans l’œuvre de Patti Smith : Just Kids (2010), M Train (2015) et ses poèmes, d’écouter ses albums Horses (1975) ou Gone Again (1996), pour ne nommer que ceux-là.

Parce que, malgré quelques longueurs ici et là, j’ai eu l’impression d’être invitée dans le studio d’Andy Wharhol, The Factory, et de vivre une expérience immersive.

Peut-être simplement parce que Patti Smith nous donne le goût de vivre. C’est déjà pas mal, non ?

Le lundi 25 mars, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien Benoît Gouin, qui nous parlera de la pièce L’Éducation de Rita de Willy Russell, dans une mise en scène de Marie-Thérèse Fortin, présentée au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 20 avril 2019.

Lundi dernier, je recevais la comédienne et autrice Catherine Chabot, venue nous parler de sa pièce Lignes de fuite, dans une mise en scène de Sylvain Bélanger, présentée au Centre du Théâtre d’Aujourd’hui jusqu’au 6 avril 2019.

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Marie-Anne

Anderson, Davey, Philippe Ducros et Linda McLean

L’entreprise d’évoquer les tentatives d’émancipation du Québec et de l’Écosse m’intéressait beaucoup. C’est un thème qui me touche et je suis heureuse que des voix de diverses générations se réunissent pour en présenter, dans un spectacle théâtral, les contradictions, les beautés et les douleurs. Mais insérer ces questions dans une fiction familiale était un défi assez grand : les auteur(e)s ont imaginé un personnage central, Isabelle, peintre, dans la cinquantaine, vivant à la campagne dans la maison familiale ; elle convoque les siens. Pourquoi ? On le saura assez tard dans la pièce.

Cette famille est assez spéciale : François, fils adoptif, originaire de Mégantic, vit avec Isabelle. Mina, sa fille aînée, vit à New York et Charlotte, sa demi-sœur, à Londres. Cette dernière viendra avec son conjoint, Thierry, un Congolais qui a grandi en Écosse. Harry, le frère d’Isabelle, est anglophone et vit à Toronto. Il a en horreur toute idée « gauchiste » ou « nationaliste » et attaque de façon virulente les propos de ses neveux et nièces dont la conscience politique a été façonnée par le Printemps érable.

Pour compléter l’assemblée, s’ajoute Fletcher, la meilleure amie d’Isabelle qui est écossaise, nationaliste, mais capable de concilier ses convictions avec les contradictions des autres. Il sera question de succession et de conciliation d’intérêts particuliers.

Donc, faire interagir tout ce beau monde et faire comprendre la nature propre de chacun et les particularités de la dynamique qui s’établissait entre l’un et l’autre et avec les membres de la famille constituaient un défi dramaturgique immense. Qui n’a été réussi que dans une certaine mesure : les histoires individuelles captaient mon attention qui se voyait souvent déroutée vers un autre sujet. Difficile de rendre justice à la complexité des réalités individuelles et des positions politiques qui en résultaient dans une structure théâtrale limitée dans le temps.

J’ai été touchée par cette pièce, et ce, malgré ses faiblesses. C’est une entreprise audacieuse qui contribue comme Colonisé(E)s d’Annick Lefebvre à remettre sur la place publique des questions irrésolues.

Membre : LaSalle

Anderson, Davey, Philippe Ducros et Linda McLean. Première Neige / First Snow, Théâtre de Quat’Sous jusqu’au 23 mars 2019.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Peut-on survivre à la mort de son enfant ? Est-ce que, dans de telles circonstances, le couple resserre ses liens ou se désagrège-t-il petit à petit ? C’est ce qu’explore la pièce Le Terrier / Rabbit Hole de David Lindsay-Abaire, présentée au Théâtre Jean-Duceppe jusqu’au 23 mars prochain.

En une heure trente, la pièce engendre mille et une questions : comment réagissent la famille, l’entourage, les amis, les collègues de travail face à l’impensable qu’est la perte d’un enfant ? Les parents, eux, doivent-ils tourner la page rapidement, faire comme si tout allait bien ou se renfermer sur leur douleur ?

Bien sûr, Louis (Frédéric Blanchette, émouvant) et Becca (Sandrine Bisson, touchante), car ce sont eux les parents dont il est question dans cette pièce, vont passer de l’incrédulité à la tentative de rapprochement, de la colère à un groupe de soutien, envisager un retour au travail et se dire : « Aujourd’hui, j’ai fait des progrès. » Même la mère de Becca (Pierrette Robitaille, égale à elle-même) et sa sœur (Rose-Anne Déry) vont, à leur manière, parfois maladroite, mais sincère, intervenir dans ce drame familial pour tenter de soulager la peine du couple.

Vendre ou ne pas vendre la maison ? Ranger dans des boîtes, jeter ou donner ce qui rappelle Danny, mort il y a huit mois alors qu’il n’avait que quatre ans ? Rencontrer celui (André-Luc Tessier, dans le rôle de Jason) qui leur a enlevé accidentellement leur fils unique ? Tenter de renouer avec les amis qui, eux, ont encore leur progéniture ?

La mise en scène de Jean-Simon Traversy est sobre – il ne fallait surtout pas en rajouter vu le drame qui se joue sous nos yeux. La traduction d’Yves Morin sonne juste et la scénographie de Cédric Lord est dépouillée et ingénieuse alors que deux plates-formes nous rappellent qu’il y a eu un avant et un après Danny. Mais qui sait, l’espoir d’un recommencement est peut-être possible…

La pièce qui valse entre drame et humour a reçu à juste titre le prix Pulitzer en 2007. Elle nous rappelle que « la vie est si fragile » comme le chante si bien la Luc De Larochellière.

Le lundi 4 mars, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien François Bernier, qui nous parlera de la pièce Première neige / First Snow de Davey Anderson, Philippe Ducros et Linda McLean, présentée au Quat’Sous jusqu’au 23 mars 2019.

Lundi dernier, je recevais l’auteure Emmanuelle Jimenez, venue nous parler de sa pièce Cendres, présentée au Théâtre Prospero jusqu’au 9 mars 2019.

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Marie-Anne

Théâtre Espace Go

Pour la saison 2018-2019, ESPACE GO propose aux membres du Club des Irrésistibles un rabais à l’achat de billets à tarif général.

Les billets sont offerts au tarif de 30$ au lieu du prix général de 37$ (sauf pour des représentations supplémentaires, s’il y a lieu).

Réservation auprès de la billetterie d’ESPACE GO (514 845-4890) en mentionnant que vous êtes membre des Irrésistibles ou en ligne (espacego.com) en utilisant le code promotionnel IRR7 lors de l’achat d’un billet à la carte au tarif général.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

L’Art de la chute, que l’on qualifie de « fiction documentaire », est une pièce fabuleuse – mon coup de cœur de cette rentrée théâtrale montréalaise –, écrite par un collectif de huit auteurs talentueux.

Cette production de Nuages en pantalon, en codiffusion avec La Manufacture, est d’une très belle réussite et nous questionne sur l’art. N’est-ce pas un commerce comme un autre ? Est-ce possible, en tant qu’artiste, de ne pas se laisser influencer par les tendances du marché ? Qu’est-ce qui intéresse réellement les gens ? Le travail de l’artiste ? Ce que son œuvre vaudra dans dix ans ? Beaucoup de questions sont soulevées, plus pertinentes les unes que les autres.

L’action de la pièce se situe en 2008, à quelques jours de la faillite de la banque d’investissement Lehman Brothers, institution créée au XIXe siècle. Qui ne se souvient pas de ce 15 septembre alors que quelque 25 000 personnes ont perdu leur emploi, tandis que certains « traders » avaient saisi ce qui s’en venait et avaient profité de cette débandade pour s’enrichir ?

D’un côté du ring, Alice Leblanc (Marianne Marceau), artiste émergente de 34 ans vient d’obtenir une résidence à Londres grâce au programme du Conseil des arts et des lettres du Québec (CALQ). Elle y retrouve sa grande amie Laurence (Danielle Le Saux-Farmer) qui travaille à Londres, précisément chez Lehman Brothers. Tandis qu’Alice fait un maigre 23 000 dollars par année, le salaire de Laurence, lui, tourne autour de 300 000 livres.

De l’autre côté de l’arène, l’artiste contemporain britannique, Damien Hirst. Il organise chez Sotheby’s son propre encan, sans intermédiaire, ce qui va lui rapporter la modique somme de 125 millions.

Au centre, le courtier Greg Monroe (Simon Lepage), qui est également collectionneur d’œuvres d’art contemporain, fait partie de ceux qui ont fait un gros coup d’argent, son portefeuille se serait renfloué de plusieurs millions durant la crise des subprimes. Il n’a aucun remords, aucun scrupule, il a profité de l’occasion qui lui a été offerte et comme il dit : « Moi, j’ai agi avant que le marché intègre l’information, au moment où il y a un déséquilibre entre la valeur du marché et la valeur que devrait avoir un titre. »

Je ne vais rien dévoiler des autres enjeux, des tenants et des aboutissants, mais disons que certains vont en prendre pour leur rhume.

La mise en scène de Jean-Philippe Joubert est inventive, dynamique et efficace. La joute est enlevante, intelligente, drôle et superbement livrée par les cinq comédiens qui, pour plusieurs, interprètent différents personnages à un rythme essoufflant (pas pour nous, mais pour eux !).

Le texte coule de manière aussi fluide en français qu’en anglais. Je pensais me perdre dans ce langage de l’économie, mais pas du tout. Un vrai tour de force !

Présentée à La Licorne jusqu’au 29 septembre, après sa création le 4 avril 2017 au Théâtre Périscope à Québec, L’Art de la chute part en tournée un peu partout au Québec du 11 octobre 2018 au 17 mars 2019. Ne ratez surtout pas l’occasion de voir la pièce et si, par malchance, elle ne s’arrêtait pas dans votre région, sachez que le texte est publié aux éditions de L’instant même.

Qui, au Québec, ne connaît pas la comédienne Émilie Bibeau ? Je n’ai pas vu beaucoup de mains se lever, assurément ! Nous la voyons régulièrement à la télévision et au théâtre. Mais tout le monde n’a peut-être pas écouté ses chroniques radiophoniques à l’émission animée par Marie-Louise Arsenault, Plus on est de fous, plus on lit ! Vous avez la chance de vous rattraper, car La Petite Licorne présente jusqu’au 22 septembre, Chroniques d’un coeur vintage (Les mots des autres).

Dans une mise en scène dépouillée de Sophie Cadieux – une table rouge, une chaise, des livres et quelques autres accessoires – tout est fait pour mettre en valeur le texte que nous livre Émilie Bibeau.

Les cinq chroniques sont lues débout au micro, tandis que le reste du temps, la comédienne, à sa table de travail, intercale des moments plus intimes de sa vie (famille, peine de cœur, habitudes de vie), nous fait découvrir ses auteurs incontournables (Colette, Dany Laferrière, Flaubert) et nous dévoile ses petits cahiers remplis de notes ou de citations.

Solo d’une heure dix, livré avec franchise et en toute simplicité, où il manque encore un peu de liant, Chroniques d’un coeur vintage comprend plusieurs moments qui nous font sourire alors qu’Émilie Bibeau s’adresse à nous au « tu », nous prenant à témoin lorsqu’elle partage certaines réflexions philosophiques de Cioran ou de Schopenhauer par exemple.

Cette production d’Émilie Bibeau, en codiffusion avec La Manufacture, est un moment savoureux, qui ne révolutionne rien, mais qui fait du bien.

Alors ? Vintage ou pas vintage « notre » Émilie ? Pour le savoir, il vous faudra vous rendre au théâtre, rue Papineau.

Le lundi 24 septembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Angela Konrad, qui viendra nous parler de son adaptation de la pièce Golgotha Picnic de Rodrigo García, présentée à l’Usine C jusqu’au 29 septembre 2018.

Lundi dernier, je recevais Sylvain Bélanger, directeur artistique et codirecteur général du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui, venu nous parler des 50 ans de cette institution montréalaise.

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Marie-Anne

Racine, Jean

Andromaque. Tout un drame. Il y a d’abord Oreste, un peu fêlé et déboussolé – « Tu vis mon désespoir ; et tu m’as vu depuis / Traîner de mers en mers ma chaîne et mes ennuis » – qui aime Hermione, mais cette dernière en pince pour le bon roi Pyrrhus, lequel ne jure que par Andromaque (crétin, il l’a enlevée), laquelle aime fiévreusement son fidèle époux Hector (il est mort – pas pratique au lit) et son fiston Astyanax (elle l’aime beaucoup, c’est en sous-texte, mais ça frôle l’inceste).

Ça va mal tourner. Et ça vire mal en effet. Je résume. Oreste trucide Pyrrhus par maintes mains grecques interposées ; Hermione, dépitée, se suicide sur la dépouille encore chaude du bon roi ; Oreste devient dingue et Andromaque peut enfin régner sans son Hector mort. La vertu régnera. Andromaque quitte son bled, sur son zodiac, avec ses copains (dont Oreste devenu débile), question d’aller venger Pyrrhus qui lui a, bien malgré lui, légué le trône. L’art de se compliquer la vie.

Membre : J. de Rosemont

Racine, Jean. Andromaque, Éditions Gallimard, collection Folio, 1667, 2015, 175 pages.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Quelle bonne idée de la part du metteur en scène Frédéric Dubois de ne pas avoir laissé Les Chaises d’Eugène Ionesco dans ses « fonds de tiroirs ». La pièce, qui est présentée au Théâtre du Nouveau Monde jusqu’au 2 juin 2018, est de haut calibre, surtout ne vous en privez pas !

Paradoxe : Monique Miller et Gilles Renaud qui interprètent les rôles de la Vieille et du Vieux n’ont jamais paru aussi jeunes. Il faut voir les airs taquins de Monique Miller et les réparties jouissives de Gilles Renaud. Du théâtre dans la plus pure tradition du jeu. Malgré tout le travail qu’il y a eu en amont, ce qui transpire avant tout, c’est le plaisir communicatif qui se dégage du duo Miller-Renaud.

De cette partition, écrite il y a plus de 65 ans, on ne doit pas dériver d’un iota, sinon le mécanisme déraille. D’autant plus que la Vieille et le Vieux, maréchal des logis, disent tout et son contraire. Un exemple parmi tant d’autres : elle parle de leur enfant, le Vieux dit qu’il aurait aimé en avoir. Qui dit vrai ? Qui croire ?

Avant que n’arrivent les invités, attendus pour un dernier discours qui sera livré par l’Orateur, les nonagénaires se remémorent certains moments de leur vie.

Finalement, on sonne à la porte. La Vieille et le Vieux vont accueillir leurs hôtes, leur offrent une chaise, font un brin de jasette avec l’un et l’autre. Même l’empereur, à leur grand étonnement, s’est déplacé. Les chaises s’accumulent, il va bientôt manquer de places. Tout le monde est impatient de connaître les paroles qui seront prononcées… et nous aussi.

La scénographie d’Anick La Bissonnière est inventive ; la mise en scène de Frédéric Dubois, sobre et efficace ; les éclairages de Caroline Ross et la musique de Pascal Robitaille apportent une touche lumineuse à cette coproduction du TNM et du Théâtre des Fonds de Tiroirs. Une très belle réussite. Allez, c’est à votre tour de vous tirer une chaise !

Cette pièce de théâtre a déjà été suggérée par le Club des Irrésistibles, lire ici.

Entrevue avec Christiane St-Onge, chef de section et responsable de la bibliothèque Robert-Bourassa, qui partage avec nous cette semaine ses cinq coups de cœur littéraires, filmée par Stéphane Richard.

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Marie-Anne

Ionesco, Eugène

Je me suis vraiment régalé lors de la représentation de la pièce d’Ionesco, Les Chaises, au TNM. Renversé. Tellement que j’ai repris la lecture de la pièce, le lendemain dès mon réveil afin que le souvenir dure.

Monique Miller et Gilles Renaud sont époustouflants. Le scénographe et le metteur en scène ont magnifiquement traduit les indications scéniques d’Ionesco.

Ionesco proposait de confier le rôle de la Vieille à une jeune tant il y aurait de chaises à transbahuter, et toujours plus vite vers la fin. Bah ! le scénographe et le metteur en scène ont pallié ce gros effort. Il n’allait pas nous priver de la présence de Monique Miller, quand même.

Tout a été dit sur Ionesco : la fin de la communication (les vieux disent une chose et son contraire, (« Quel mauvais temps ! Comme il fait beau ! »), le théâtre de la déraison (« Je ne suis pas moi-même. Je suis un autre. Je suis l’un dans l’autre. » – clin d’oeil à Rimbaud –, scénarisation de la fin de représentation (absence de la cantatrice dans La Cantatrice chauve, « foule d’absences présentes » dans Les Chaises).

Monde en décrépitude que seul pouvait habiter et résumer le silence de l’Orateur à la fin de la pièce.

Mon passage préféré quand le Vieux dit : « Pour empêcher l’exploitation de l’homme par l’homme, il nous faut de l’argent, de l’argent, encore de l’argent. » Sidérant paradoxe, toujours d’actualités, car pour avoir de l’argent, toujours plus d’argent, il est trop souvent requis d’exploiter l’homme, et sa fiancée (disait Foglia).

En salle jusqu’au 2 juin.

Membre : J. de Rosemont

Ionesco, Eugène. Les Chaises, TNM, 2018.