Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Nous avons toutes et tous déjà lu une bande dessinée ou un livre, vu un film ou un documentaire, où il était question de momies, de découvertes archéologiques, de vie après la mort… On retrouve tout ça et encore plus dans Momies égyptiennes : passé retrouvé, mystères dévoilés, exposition organisée par le British Museum en collaboration avec le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) où elle est installée, en première nord-américaine, jusqu’au 2 février 2020.

Un arrêt de cinq mois au Québec, ce n’est pas de trop, car une seule visite ne suffit pas à absorber autant de beauté et de connaissances. Pourquoi ? Parce qu’il y a plus de 200 artefacts à voir, six humains momifiés entre 900 av. J.-C. et l’an 180 de notre ère et des dizaines et des dizaines de cartels à lire – malheureusement placés trop bas pour certains, suréclairés pour d’autres.

Les équipes du British Museum ont pu reconstituer à l’aide de la tomographie – technique d’imagerie où l’on scanne des corps, en l’occurrence ici ceux des momies – la vie de Nestaoudjat, maîtresse de maison native de Thèbes, d’une chanteuse d’Amon (Tamout), d’un prêtre qui vivait dans la ville d’Akhmim (Irthorrou), d’un enfant d’Hawara décédé en bas âge, etc.

Ces technologies de pointe ont permis de mettre à jour leur âge, leur grandeur, quelques signes distinctifs de leur physique : caries et abcès dentaires, embonpoint, artères bloquées, infections… Les spécialistes ont maintenant accès à de nouvelles informations qui étaient encore inconnues il y a à peine cinquante ans. Les méthodes ont changé, surtout évolué, elles sont moins agressives, donc moins dommageables – par exemple, il n’est plus nécessaire d’enlever les bandelettes pour analyser le corps.

Quatre-vingts, c’est le nombre de momies égyptiennes que détient le British Museum, en majorité « acquises au XIXe siècle de collectionneurs européens ». Six ont fait le voyage à Montréal. Vous me direz : « Que six ? » C’est assez, en tout cas, pour apprivoiser le langage des hiéroglyphes et les informations qu’ils révèlent, contempler les symboles religieux sur les cartonnages, visionner les images des squelettes recréés en trois dimensions, ce qui nous permet d’entrer dans leur intimité.

Du côté des artefacts – fait d’or, en bois, en bronze, en calcaire ou en lin –, il y a de très belles pièces à voir : stèles funéraires, amulettes, statuettes, coffre canope, bijoux, cercueils qui parfois s’emboîtent les uns dans les autres comme des poupées russes, modèle de barque funéraire miniature…

Comment les anciens Égyptiens vivaient-ils ? Quelles étaient leurs croyances ? Leurs coutumes ? Avant que le défunt ne soit inhumé, quels rituels devaient être accomplis ? Quels sont les ingrédients utilisés par l’embaumeur ? Qui est le dieu de l’embaumement ? Quelle(s) classe(s) de la société avait le droit à la momification ? Pourquoi toutes les parties du corps étaient-elles vidées sauf le cœur, auquel on ne touchait pas ? À quoi servaient les vases canopes ? Quelle était la fonction première des « pleureuses » ? Pour quelle(s) raison(s) les amulettes étaient-elles placées à l’intérieur des momies ? À quelle fin les Égyptiens utilisaient-ils du natron, un composé salin ? Bien sûr, vous trouverez réponses à toutes ces questions lors de votre visite au MBAM.

Les connaisseurs seront comblés, les néophytes voudront assurément poursuivre leur découvertes par eux-mêmes, en apprendre plus sur les « avancées technologiques et scientifiques qui contribuent à révolutionner la pratique de l’archéologie ».

Le commissariat de l’exposition a été confié à Marie Vandenbeusch, égyptologue et conservatrice au British Museum, à Daniel Antoine, conservateur de bioarchéologie du département de l’Égypte et du Soudan du British Museum et à Laura Vigo, conservatrice de l’art asiatique et de l’archéologie au MBAM, pour la présentation montréalaise.

Au final, cette exposition aurait pu s’intituler « Il était une fois le long du Nil… ». Ce voyage hors du temps est sobre tout en étant imposant, que vous le fassiez en solitaire, entre amis ou en compagnie de guides bénévoles…

Le lundi 21 octobre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Laura Vigo, conservatrice de l’art asiatique et de l’archéologie au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) et commissaire, pour sa présentation montréalaise, de l’exposition Momies égyptiennes : passé retrouvé, mystères dévoilés, présentée jusqu’au 2 février 2020.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

On ne sait pas exactement pour quelle(s) raison(s) l’agrandissement et le réaménagement des salles du Musée d’art contemporain (MAC) ont été retardés d’une année. Certains le regretteront, d’autres verront le côté positif du report, puisque cela nous donne l’occasion de voir Braver le monumental jusqu’au 6 octobre 2019.

L’exposition, organisée par le Musée des beaux-arts de l’Ontario/The Art Gallery of Ontario (AGO), a été montée en un temps record d’après les commissaires Lesley Johnstone, conservatrice et chef des expositions et de l’éducation au MAC, et Wanda Nanibush, conservatrice de l’art autochtone à l’AGO.

Le MAC consacre donc son exposition estivale aux oeuvres de l’artiste canadienne et anishinaabe, Rebecca Belmore, née en 1960 à Upsala – village du nord de l’Ontario. Quelques œuvres exposées à l’AGO n’ont pas fait le voyage jusqu’à Montréal (pour toutes sortes de raisons), mais qu’à cela ne tienne, les seize présentées au MAC valent amplement le détour.

Peut-on parler d’une rétrospective ? Du moins d’un survol de son travail de 1991 à 2018. Qu’il s’agisse d’installations, de sculptures, de photographies ou de vidéos de performances, rien de ce que l’on regarde nous laisse indifférent. On passe d’une émotion à une forme d’introspection. Une chose est incontestable : on ne sort pas indemne de notre visite. Mais, malgré la tristesse qui se dégage de quelques créations pointe une poésie qui nous permet de rêver à une embellie future.

Les œuvres sont ancrées dans la réalité, parfois bien triste, des peuples autochtones confrontés à une violence quasi quotidienne dont celle faite aux femmes de leur communauté. En témoigne Fringe, une impression au jet d’encre saisissante datant de 2013, où une femme est allongée sur le côté, alors que son dos est parcouru d’une cicatrice cousue en diagonale. At Pelican Falls (2017) évoque les conséquences désastreuses que les pensionnats autochtones ont engendré sur la majorité des enfants enlevés de force à leur famille.

Il est aussi question d’injustice sociale avec Tower, une structure de grande dimension en acier et en argile de 2018 sur laquelle sont empilés des dizaines de paniers d’épicerie en métal. Elle évoque la dichotomie entre la construction de tours de condos démesurée qui a lieu à Vancouver et la situation des sans-abri qui n’ont, parfois, que ces chariots comme seul moyen pour transporter leurs maigres effets personnels, ou de l’impact des changements climatiques sur une richesse naturelle telle que l’eau. Dans la vidéo percutante de 2005, Fontaine, projetée en boucle durant un peu plus de deux minutes à travers une cascade d’eau, Rebecca Belmore, équipée d’un seau, les deux pieds dans l’océan, nous interpelle sur cette ressource indispensable à l’être humain.

Dans The Named and the Unnamed, une installation vidéo de 38 minutes où, en 2002, l’artiste a voulu, à sa manière, souligner la disparition d’une soixantaine de femmes dans le quartier de Vancouver, Downtown Eastside. J’ai dû détourner le regard à quelques reprises.

En 2014, Rebecca Belmore a, durant sept heures, plantée 1181 clous dans une bûche à la mémoire des 1181 femmes autochtones assassinées ou portées disparues au Canada – selon les statistiques officielles. En regardant l’œuvre, j’avais l’impression d’entendre les coups de marteaux transperçant le bois. Terrible.

Braver le monumental a été réalisée dans l’urgence. Mais, n’aurait-il pas été judicieux et éclairant d’avoir des cartels un peu plus étoffés pour que nous saisissions pleinement la portée du travail et de l’engagement de Rebecca Belmore ? Sûrement, mais ne boudons pas pour autant notre plaisir de découvrir cette grande artiste.

Du côté des arts visuels, l’été 2019 restera pour moi celle de trois femmes inspirantes des Premières Nations :

- Hanna Claus, de descendance mohawk et britannique, « Artiste en résidence » au Musée McCord qui proposait jusqu’au 11 août, c’est pas pour rien qu’on s’est rencontré.

- Alanis Obomsawin, abénakise, membre de la Nation des Waban-Akis, s’est vu offrir pour la première fois une exposition solo dans une institution muséale : Alanis Obomsawin, œuvres gravées. Une artiste et sa nation : les vanniers waban-akis d’Odanak, qui a été présentée jusqu’au 25 août au Centre des arts graphiques du Musée des beaux-arts de Montréal.

- Et Rebecca Belmore, anishinaabe et canadienne, dont le Musée contemporain de Montréal présente jusqu’au 6 octobre, Braver le monumental.

Le lundi 9 septembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien Lyndz Dantiste, qui nous parlera de la pièce Héritage (A Raisin in the Sun) de Lorraine Hansberry, présentée chez Duceppe jusqu’au 5 octobre 2019.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Cet été, Pointe-à-Callière, cité d’archéologie et d’histoire de Montréal, nous convie à la délicieuse exposition À table ! Le repas français se raconte. Je vous assure, il y en a vraiment pour tous les palais…

Aimez-vous apprendre tout en vous divertissant ? Répondre à des jeux questionnaires tout en admirant accessoires et mobiliers de cuisine de grande valeur – dont certains ne sont pas sortis de France depuis des lustres ? Entendre certains personnages historiques via des projections vidéo ? Vous aurez tout ça et encore plus en allant dans le Vieux-Montréal où « l’histoire de la gastronomie française » de l’Antiquité à aujourd’hui, est à l’honneur jusqu’au 14 octobre prochain.

On compte approximativement mille pièces de prêteurs d’ici et d’ailleurs – provenant de la collection de divers musées français et, entre autres, des maisons Christofle et Hermès – qu’il s’agisse de verreries, chandeliers, lustres de cristal, tapisseries, ustensiles, théières, sucriers… tous plus élégants les uns que les autres.

Après réflexion, j’ai pensé que le meilleur moyen de vous parler d’À table ! Le repas français se raconte serait par le biais de questions en rafale. Par contre, ne comptez pas sur moi pour vous donner les réponses que vous trouverez, bien sûr, lors de votre visite au musée Pointe-à-Callière.

À quel moment dans l’histoire, la fourchette fait-elle son apparition ?

À qui doit-on l’expression « être placé en rangs d’Ognon » ?

À quelle époque la sorbetière a-t-elle été inventée ?

Au XVIe siècle, que désignait le mot « restaurant » ?

À partir de quel siècle ce vocable a-t-il été attribué aux établissements tels qu’on les connaît aujourd’hui ?

Quel est le nom du plus ancien café de Paris, ouvert en 1689 ?

En 1792, un homme produit la première absinthe commerciale. De qui s’agit-il ?

Nommez deux artistes célèbres qui sont morts d’avoir abusé de cet alcool ?

Quel roi de France introduit les légumes à la cour ?

Pour « faciliter ses digestions » Louis XIV se fait prescrire une boisson chaude. Laquelle ?

Quel est le nom de l’inventeur de la toque ?

Pour quelle raison la tomate est-elle ignorée jusqu’au XIXe siècle ?

Nommez l’une des deux femmes qui, en 1933, a reçu les trois étoiles du Guide Michelin ?

De nos jours, combien y a-t-il de restaurants, bistros et autres commerces du genre à Paris et dans les environs ?

À quelle fréquence ouvre-t-on, un peu partout dans le monde, une bouteille de champagne ?

Combien de temps s’accordent quotidiennement les Français(es) pour manger ?

D’après vous, parmi les vingt plats les plus appréciés des Français(es), que retrouve-t-on ?

Cette exposition, organisée par le musée Pointe-à-Callière, sous la direction de Francine Lelièvre avec la participation du Musée national de céramique et du Musée national Adrien Dubouché – Cité de la céramique à Sèvres, est de belle prestance. Les objets et les anecdotes côtoient la grande Histoire. Il y a de quoi se sustenter, vous avez ma parole !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Êtes-vous du genre à prendre souvent des photos ? À regarder vos albums souvenirs seul(e) ou en famille ? Gardez-vous vos vieux appareils photographiques par nostalgie ou les utilisez-vous encore ? Si oui, Le Projet Polaroid – Art et technologie, présenté au Musée McCord jusqu’au 15 septembre prochain, vous procurera beaucoup de plaisir.

Organisée par The Foundation for the Exhibition of Photography en collaboration avec le Massachusetts Institute of Technology (MIT) et le WestLicht Museum for Photography de Vienne, cette exposition est une mine d’informations et de découvertes, de quoi rallier le plus grand nombre.

Si je vous dis le mot « Polaroid », quelle est la première image qui vous vient spontanément à l’esprit ? Des photos prises au cours de vos vacances ? Lors de célébrations d’anniversaires ou à certains moments cocasses de la vie quotidienne ? Peu importe, la démarche est créative et démocratique, car accessible à toutes et à tous, sans aucune distinction.

On oublie souvent que le Polaroid, que ce soit avec son fameux SX-70 ou Polavision, pour ne nommer que ceux-là, a eu une place à part dans la façon de prendre des photos. Cet appareil, inventé en 1937, mais commercialisé en 1948 par l’Américain Edwin Herbert Land (1909-1991), avait comme particularité un développement immédiat, ce qui était novateur à l’époque. Bien sûr, le procédé n’a cessé d’évoluer jusqu’à l’inclusion de la couleur en 1963. Bon, je ne vais pas vous faire un cours d’histoire 101 sur le Polaroid, ce n’est pas mon champ de compétence, mais que vous soyez un spécialiste ou non de ce procédé photographique, plusieurs sections de l’exposition vous plairont.

Une centaine d’artistes internationaux (Robert Mapplethorpe, Charles Eames, David Hockney, Guy Bourdin, Barbara Crane, Chuck Close, Ellen Carey, Andy Warhol, Philippe Halsman, Dennis Hopper…), mais aussi trois Montréalais (Louise Abbott, Benoît Aquin et Charles Gagnon) proposent environ 140 clichés originaux qu’il s’agisse de tirages à la gélatine argentique ou numériques, au jet d’encre ou des techniques mixtes, de format standard à beaucoup plus imposant.

Également, en vitrine, quelques appareils photographiques et accessoires nous font réaliser combien cet objet fait partie de notre quotidien. Évidemment, la façon de prendre des photos de nos jours n’est en rien comparable au temps du Polaroid… mais quand l’art et la technologie s’allient, on ne peut être qu’en admiration devant le résultat de portraits de célébrités (Jean Cocteau, Alfred Hitchcock, Hillary Clinton) ou d’anonymes, de paysages ou de lieux.

Dans la dernière des huit sections regroupées autour de thématiques diverses, une partie de l’espace est participative. Le Musée McCord a eu la très belle idée d’inviter les Montréalais et des organismes communautaires, à envoyer une ou des photos polaroids. Donc, si vous êtes allé(es) voir l’exposition à son ouverture au mois de juin, il y a de fortes chances que la mosaïque de photos se soit développée depuis.

En 2009, l’entreprise Polaroid a fermé boutique mais, in extremis, le MIT a repris sa collection de photos, pour notre plus grand bonheur. William A. Ewing, Barbara P. Hitchcock, Rebekka Reuter, Gary Van Zante, Deborah G. Douglas et Hélène Samson (conservatrice, Photographie au Musée McCord), sont les commissaires de cette inspirante exposition.

Pour ma part, le Polaroid est ce que le vinyle est à la musique : un objet indémodable, qui me fait encore vibrer en 2019.

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Marie-Anne

Pointe-à-Callière

Un des grands plaisirs que m’a procurés la visite de l’expo de Pointe-à-Callière (PAC), outre le fait de pouvoir admirer de beaux objets superbement mis en valeur par la scénographie, c’est de découvrir l’origine de certains mots.

Par exemple « copain », qui désignait au Moyen Âge, lors d’un repas, où d’épaisses tranches de pain sec servaient d’assiette, la personne assise à vos côtés, qui partageait avec vous le pain frais, d’où co-pain … Ou de constater que le nom d’une personne peut avoir des résonances avec son métier, par exemple, Pierre Poivre, au 18e siècle, passionné pour la culture des épices. Et qu’un grand cuisinier, ironie du sort, s’appelait Carême.

Beaucoup d’éléments de cuisine, nous explique-t-on, portent le nom de leur créateur : la sauce blanche viendrait d’un cuisinier de Louis XIV, Louis de Béchamel. Les grands cuisiniers aimaient aussi rendre hommage à des célébrités : le potage Dubarry, velouté de chou-fleur, était inspiré par le teint de lait de la comtesse du même nom ; le grand Escoffier crée des fraises Sarah Bernhard pour honorer l’actrice et des pêches Melba pour la diva du même nom.

Le mot « restaurant » désignait à l’origine un bouillon de viande bien concentré qui était de nature à « restaurer » la santé… Bon nombre de restaurants parisiens – au sens actuel du terme – seraient nés après la Révolution, créés par des cuisiniers mis au chômage par l’aristocratie déchue…

À table ! nous en apprend beaucoup sur les croyances associées à l’alimentation : ainsi pensait-on, au Moyen Âge, qu’il valait mieux manger des oiseaux parce que ceux-ci vivaient dans le ciel, donc plus près du Très-Haut que les animaux terrestres. Et les légumes racines n’étaient pas dignes d’être consommés par les nobles… Peut-être vaut-il mieux arrêter ici cette énumération pour vous laisser découvrir encore beaucoup de choses dans cette superbe, divertissante et instructive exposition.

Membre : L. de LaSalle

Pointe-à-Callière. À table ! Le repas français se raconte, exposition présentée à Pointe-à-Callière jusqu’au 14 octobre 2019.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Il y a quelques semaines, je vous ai parlé de ma découverte de l’artiste sénégalais Omar Ba qui expose 21 de ses oeuvres dans le Carré d’art contemporain au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) jusqu’au 10 novembre prochain… Eh bien, rebelote, j’ai été cette fois conquise par une femme d’exception, une force de la nature.

Profitez d’être au MBAM pour faire un saut au Centre des arts graphiques où l’on peut contempler le travail multidisciplinaire de la talentueuse artiste abénakise, Alanis Obomsawin, membre de la Nation des Waban-Akis. Vous ne le regretterez pas !

Hillard T. Goldfarb, conservateur sénior – Collections et conservateur des maîtres anciens du MBAM –, assure le commissariat de l’exposition Alanis Obomsawin, œuvres gravées. Une artiste et sa nation : les vanniers waban-akis d’Odanak, sous la direction de Nathalie Bondil, directrice générale et conservatrice en chef du MBAM.

On connaît peut-être un peu plus Alanis Obomsawin comme réalisatrice puisqu’elle a, jusqu’à ce jour, produit une cinquantaine de documentaires à caractère sociologique et politique. Mais les 44 gravures à pointe sèche présentées jusqu’au 25 août vous convaincront de la polyvalence de son talent. Je vous mets au défi de ne pas être touché(e) par ce que vous verrez.

Si je peux me permettre, soyez attentifs aux chants que vous entendrez en entrant dans les salles : c’est la voix d’Alanis Obomsawin. Ils nous plongent instantanément dans un rythme de vie hors du temps.

Aujourd’hui âgée de 86 ans, Alanis Obomsawin n’en revient pas du chemin parcouru. Cette jeune fille que l’on appelait la « sauvagesse » se voit consacrer pour la première fois une exposition solo dans une institution muséale. Enfin, ai-je envie de dire !

L’exposition est organisée par thèmes. Des exemples : la série Mère de tant d’enfants (2004) est de très belle facture, tendre et triste à la fois ; les gravures sont d’une grande puissance, notamment Ozonkhiline emprunte les rails jusqu’au Dartmouth College (pour pouvoir étudier, en 1823, Ozonkhiline est parti à pied d’Odanak jusqu’au New Hampshire) et Pensionnat indien 1934 (qui laisse voir des enfants autochtones séparés de leur famille).

L’une des deux salles est consacrée aux chevaux qu’affectionne tout particulièrement Alanis Obomsawin. Elle rêve souvent à des animaux qui, parfois, deviennent ses amis. On peut voir, entre autres, un monotype intitulé Cheval vert (1990) qui raconte une belle histoire que je vous laisse découvrir. D’ailleurs, des anecdotes en majorité autobiographiques, il y en a tout plein derrière chaque œuvre.

Êtes-vous du genre à vous souvenir de vos rêves ? Alanis Obomsawin, oui. De mémoire, elle les transforme en œuvre d’art sur divers supports. De plus, son imagination la protège et lui donne, par la même occasion, la possibilité de s’exprimer, de parler de ses expériences personnelles et de celles de son peuple. Il est peut-être cliché de dire que l’art est un exutoire, mais dans le cas de cette artiste autochtone, je pense que le terme est approprié.

En plus des gravures, plus touchantes les unes que les autres, on retrouve dans l’exposition un sac et un col perlés traditionnels du début du XXe siècle ; une photo en noir et blanc prise à la même époque en Nouvelle-Angleterre, plus précisément à Ottawa Beach. Sur la galerie d’une maison, on aperçoit à gauche du cliché, Marie-Anne Nagajoie, la grand-mère de l’artiste, et à droite, sa tante tenant dans ses bras un bébé – la mère d’Alanis.

Au centre de la pièce, une chaise berceuse en bois sculptée par Adrien Panadis dans les années 70 pour Kisos, la fille adoptive d’Alanis. On imagine la petite se berçant tout en se faisant raconter des histoires par les siens.

En provenance du Musée des Abénakis – situé à Odanak, près de Sorel – une dizaine de petits paniers en frêne et foin d’odeur (panier à ouvrage, de mariage ou de naissance) ont joliment été tressés par divers artistes. « L’industrie du panier naît à Odanak vers 1880 et devient le principal moyen de subsistance pour bon nombre de familles de Waban-Akis. »

Ah oui, en terminant… Portez une attention particulière à la couleur des murs d’un rouge vif. Ai-je besoin d’en préciser la raison ? Un rappel peu glorieux de toutes ces femmes autochtones canadiennes disparues, abusées, tuées au fil des décennies.

À l’automne 2018, l’organisme MU offrait dans le cadre de sa série « Bâtisseurs culturels montréalais » le portrait d’Alanis Obomsawin. Ainsi, si vous passez avenue Lincoln, près du métro Atwater, prenez deux minutes de votre temps pour l’admirer.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Omar Ba est né en 1977 au Sénégal. Il vit et travaille à Genève et à Dakar. Vous vous demandez sûrement pourquoi je vous parle aujourd’hui de cet artiste talentueux ? Parce que le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) présente dans le Carré d’art contemporain jusqu’au 10 novembre prochain, Omar Ba : vision partagée.

Tout du long de ma visite, j’ai eu l’impression de me faire raconter des histoires sur l’être humain, ses dérives et ses aspirations. Omar Ba a ses propres codes visuels, desquels ressortent à l’occasion des formes hybrides – mi-humaines, mi-animales.

En mai 2018, lors de l’exposition D’Afrique aux Amériques. Picasso en face-à-face, d’hier à aujourd’hui (MBAM), j’ai vu pour la première fois une œuvre d’Omar Ba : Afrique, pillage, arbres, richesse (2014). Peut-être en est-il de même pour vous.

La galerie torontoise d’art contemporain, The Power Plant, a initié et mis de l’avant cette exposition en début d’année. Aujourd’hui, c’est au tour de Montréal d’accueillir 21 œuvres d’Omar Ba, une première représentation solo pour lui dans un musée.

Le commissariat de l’exposition, pour sa version montréalaise, est sous la gouverne de Mary-Dailey Desmarais, conservatrice de l’art moderne et contemporain international au MBAM, tandis qu’à Toronto, c’est Nabila Abdel Nabi, conservatrice associée (The Power Plant), qui en était chargée.

Omar Ba travaille surtout sur du carton ondulé mais aussi sur toile et papier. Que ce soient des huiles, gouaches, crayons, encres de Chine ou stylos-billes, le résultat est assez fascinant. La surface est, en un premier temps, entièrement recouverte de noir, puis c’est une explosion de couleurs qui jaillit, abordant des sujets qui sont souvent lourds de sens et de conséquences. L’arrière-plan est, quant à lui, captivant.

À quelques différences près, nous voyons à Montréal le même corpus qu’à Toronto mais, pour chacune des institutions, une œuvre unique a été créée in situ. Pour y arriver, Omar Ba a dû travailler de manière intensive durant six jours, ce qui donne La monnaie comme outil de développement qui sépare le Carré d’art contemporain en deux. Comme Nathalie Bondil est une femme très persuasive, souhaitons que cette acrylique de grand format reste en sol montréalais.

La période abordée ici se situe entre 2009 et 2019. Se dégage de ses créations une tension palpable entre la violence et la délicatesse, l’espoir et la désillusion, l’inégalité de la richesse et la corruption, les migrants et les naufrages, les « fake news », la jeunesse… De plus en plus de figures émergent de ses oeuvres comme Les Autres (2016), qui représente sa mère et sa femme. Une belle avenue à explorer.

J’ai été totalement sous le charme d’Omar Ba avec qui j’ai eu la chance de discuter brièvement. Entièrement conquise par son travail, j’espère qu’il en sera de même pour vous !

Pour sa 11e édition, le Club des Irrésistibles des Bibliothèques de Montréal a choisi L’Ordre du jour d’Éric Vuillard, publié en 2017 chez Actes Sud, comme coup de cœur irrésistible de l’année.

Un grand merci à notre réalisateur Stéphane Richard.

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Qui n’aime pas les oeuvres de Paul Gauguin ? Qui connaît bien ses portraits et ses autoportraits ? On associe rarement ce peintre à ce type de sujets et pourtant, c’est cet aspect original de Gauguin que nous dévoile le Musée des beaux-arts du Canada (MBAC) en nous proposant, jusqu’au 8 septembre prochain, Gauguin. Portraits.

Nouvelle perspective donc sur le travail de cet artiste né en 1848 à Paris et décédé le 8 mai 1903 aux îles Marquises. On découvre cette facette de sa production dans une soixantaine d’œuvres dont près de la moitié sont des huiles sur toile, à côté desquelles on retrouve de magnifiques sculptures en bronze et en bois, appartenant à une quarantaine de prêteurs.

Organisées par thèmes et non chronologiquement, les salles sont aérées et la mise en place est invitante – portez une attention particulière à la couleur des murs. Cette présentation est une invitation au voyage à travers des portraits de certains amis de Gauguin, dont le peintre néerlandais Meijer de Haan, de ses enfants et de quelques autres connaissances.

On doit la conception de cette exposition – comme celle sur Van Gogh en 2012 – à la très sympathique et compétente Cornelia Homburg, spécialiste de l’art de la fin du XIXe siècle qui a travaillé en collaboration avec Christopher Riopelle et Neil Westreich.

Plusieurs conférences sont organisées autour de l’exposition et une application gratuite est disponible. N’hésitez pas à la télécharger afin de planifier votre visite et d’avoir un avant-goût des œuvres présentées.

Si vous me permettez un petit conseil, réservez votre billet et l’heure qui y est associée avant de vous rendre au MBAC. Ainsi pas d’attentes ou de mauvaises surprises – le musée prévoit recevoir beaucoup de monde dans les prochaines semaines.

Seule escale en Amérique du Nord, Gauguin. Portraits poursuivra sa route à la National Gallery de Londres à partir du 7 octobre 2019.

Voici le 3e extrait du débat qui s’est tenu dans le cadre de la 11e remise du prix du Club des Irrésistibles, à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 15 avril dernier.

En 3e position, ex aequo : Les Loyautés de Delphine de Vigan (Jean-Claude Lattès, 2018) et Couleurs de l’incendie de Pierre Lemaitre (Albin Michel, 2018).

Un grand merci à notre réalisateur Stéphane Richard.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Vous aimez la photographie ? Si oui, vous serez comblé(e)s en allant au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) qui propose, jusqu’au 5 mai prochain, une exposition à ne rater sous aucun prétexte : États d’âmes, esprit des lieux : photographies de la collection Lazare.

Le commissariat de l’exposition a été confié à Diane Charbonneau, conservatrice des arts décoratifs modernes et contemporains et de la photographie du MBAM, tandis que la scénographie inspirée, signée Sandra Gagné, met en lumière les 82 photographies argentiques et numériques d’une cinquantaine d’artistes, autant canadiens qu’internationaux.

À ce corpus, il ne faudrait pas manquer d’ajouter 14 épreuves à l’albumine de Julia Margaret Cameron, artiste britannique (1815-1879) qui a été, pour Jack Lazare, homme d’affaires montréalais, la source de son intérêt pour l’art photographique.

L’élément déclencheur de cette passion pour la photographie s’est produit lors d’une visite au MoMA à New York, il y a vingt ans. Son enthousiasme s’est amplifié au fil des ans puisqu’aujourd’hui la collection Lazare comporte plus de 120 photographies.

Parmi celles-ci, en majorité contemporaines, trente-trois ont été offertes au MBAM en 2017 par Jack Lazare et sa femme Harriet… les soixante-trois autres sont prêtées au musée.

Cette exposition propose de grands noms tels Pascal Grandmaison, Nan Goldin, Paul Ventura, les frères Carlos et Jason Sanchez, Adam Jeppesen, Albert Watson, Shirin Neshat, Todd Hido, Dorothea Lange, José Manuel Ballester, Albert Watson, Katy Grannan, Hannah Starley, Nicolas Baier et combien d’autres.

Sont palpables la sensibilité et les préoccupations des artistes présentés, autant que ce qui les anime et les fait vibrer. Touché(e)s nous le sommes, comment pourrait-il en être autrement !

En déambulant dans le Carré d’art contemporain, j’ai eu l’impression, en 96 clichés, de me faire raconter des histoires, de visiter des lieux, des intérieurs et de rencontrer des gens.

États d’âmes, esprit des lieux : photographies de la collection Lazare réussit à nous faire partager l’enthousiasme du collectionneur… La passion pour l’art est une maladie contagieuse. J’ai été emballée par ma visite. J’espère qu’il en sera de même pour vous !

Le lundi 11 mars, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Marie-Ève Milot, metteure en scène et co-autrice (avec Marie-Claude St-Laurent) de la pièce Guérilla de l’ordinaire, présentée à la salle Jean-Claude Germain du Centre du Théâtre d’Aujourd’hui jusqu’au 30 mars 2019.

Lundi dernier, je recevais le comédien François Bernier, venu nous parler de la pièce Première neige / First Snow de Davey Anderson, Philippe Ducros et Linda McLean, présentée au Quat’Sous jusqu’au 23 mars 2019.

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En vous rendant sur la chaîne YouTube à l’émission Les Irrésistibles de Marie-Anne, vous pourrez entendre, à chaque semaine, mes commentaires et critiques de théâtre ou d’arts visuels.

Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Est-ce que vous connaissez l’artiste canadien d’ascendance crie Kent Monkman ? Si vous désirez découvrir son travail, faites un saut du côté de la rue Sherbrooke au Musée McCord qui expose jusqu’au 5 mai 2019 Honte et préjugés : une histoire de résilience.

Monkman revient au McCord après y avoir présenté en 2014 son acrylique sur toile de 24 pieds intitulée Bienvenue à l’atelier, moment inoubliable !

Je précise tout de suite que sur la page d’accueil du musée figure la mise en garde « pour public averti ». Certains seront décoiffés par l’audace et les non-compromis de Monkman. Peut-on le lui reprocher ? Il était plus que temps de donner le point de vue des Premières Nations. Certains autres seront secoués, mais une chose est certaine : impossible de rester indifférents devant cette démarche personnelle et provocatrice.

Né en 1965, Kent Monkman ne cesse de mettre en scène le passé des peuples autochtones canadiens à travers son œuvre – souvent à partir de la vision des peintres européens du XIXe – tout en faisant apparaître son alter ego Miss Chief Eagle Testickle dans plusieurs de ses toiles.

Bien sûr, Kent Monkman est au centre de Honte et préjugés : une histoire de résilience, mais plusieurs artistes enrichissent la conversation tels Robert Harris, John Wycliffe Lowes Forester, Pierre-Quentin Chedel, George Catlin, Albert Bierstadt, Thomas Fuller… et quelques anonymes.

Le parcours, divisé en neuf thèmes, propose des installations, des tableaux, des objets dont des porte-bébés, mocassins et menottes. Il présente aussi le témoignage de prisonniers autochtones par des lettres et des dessins. Touchant !

Nous sommes interpellés par la réalité autochtone telle que Monkman la met en lumière : les enfants arrachés à leur famille pour être placés dans des pensionnats, les nombreuses incarcérations souvent sous de faux prétextes, les excès d’alcool, l’itinérance, les suicides… Et malgré cette douleur ressentie et ces injustices, Monkman réussit un tour de force : nous faire sourire à quelques occasions.

Tragédie il y a eu, humiliation également. Pourtant, les Premières Nations sont encore debout aujourd’hui à défendre leurs droits ancestraux.

Produite en 2017 par l’Art Museum de l’Université de Toronto, cette exposition est à mettre à votre agenda pour découvrir un peuple résilient.

Le lundi 25 février, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Emmanuelle Jimenez, auteure de la pièce Cendres, présentée au Théâtre Prospero jusqu’au 9 mars 2019.

Lundi dernier, je recevais le metteur en scène Jean-Simon Traversy, venu nous parler de la pièce Le Terrier de David Lindsay-Abaire, présentée chez Duceppe jusqu’au 23 mars 2019.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Dans quelques semaines, je vais recevoir à mon émission Culture à la carte à RVM Anne Grace, conservatrice aux expositions du Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) et co-commissaire avec Elizabeth Hutton Turner de l’exposition Alexander Calder : un inventeur radical présentée au MBAM jusqu’au 24 février 2019… Mais je vous en glisse un mot dès maintenant.

Né le 22 juillet 1898 en Pennsylvanie, Alexander Calder a été formé comme ingénieur avant de devenir cet artiste inventif qui a eu une carrière incroyable. On compte plus de 22 000 de ses œuvres dispersées un peu partout dans le monde.

Cette première rétrospective en sol canadien a demandé cinq ans de travail aux commissaires. Les œuvres, dont plusieurs ont été restaurées pour l’occasion, arrivent démontées, doivent être ensuite assemblées très délicatement. Tout un art !

Parmi la centaine de créations, présentées en un parcours chronologique, quelques-unes sont activées à 14 h en semaine, et à 11 h et 14 h, la fin de semaine : un restaurateur œuvrant au MBAM fait bouger les mobiles à notre plus grand plaisir. Cela me rappelait ceux que nous avions au-dessus de notre lit quand notre mère les agitait pour nous endormir.

Détail intéressant, c’est à Montréal que l’on peut voir le deuxième plus grand stabile de Calder, Three Discs (aussi appelé L’Homme) conçu expressément pour l’exposition universelle d’Expo 67 et qui se trouve encore, après toutes ces années, sur l’île Sainte-Hélène.

Est-ce que Calder a révolutionné l’art public ? Sans aucun doute. Autant les adultes que les plus jeunes aimeront se promener à travers les salles et admirer ces structures de différentes formes et grandeurs. Il y a en a vraiment pour tous les goûts, que ce soit les fameuses sculptures stabiles et mobiles ou la dizaine de bijoux, les extraits de films d’archives, les huiles sur différents supports, etc.

Sandra Gagné, chef de la Production des expositions au MBAM signe, à nouveau, une très belle scénographie, alors que le graphisme a été réalisé par l’agence Compagnie et cie.

Faites-vous plaisir. Vous avez jusqu’au 24 février 2019 pour aller faire un tour sur la rue Sherbrooke ouest, avant que l’exposition Alexander Calder : un inventeur radical ne prenne le chemin de la National Gallery of Victoria à Melbourne du 5 avril au 4 août 2019.

Le lundi 22 octobre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec l’auteure et comédienne Clara Prévost, qui viendra nous parler de sa pièce La Place Rouge, présentée à la Salle Fred-Barry du Théâtre Denise-Pelletier jusqu’au 27 octobre 2018.

Lundi dernier, je recevais le comédien Jean-Guy Bouchard, venu nous parler de la pièce Bonne retraite, Jocelyne de Fabien Cloutier, présentée à La Licorne jusqu’au 17 novembre 2018 et en reprise du 4 au 15 juin 2019.

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Roy, Lyse-Anne

Lyse-Anne Roy est une artiste-peintre-illustratrice exceptionnelle. Sa toute dernière exposition OM présente des personnages peints sur des tableaux de bois dans une ambiance tout en camaïeu de tons naturels.

Chacun représente des visages recueillis qui se fondent dans un grain de bois travaillé par une technique unique élaborée par l’artiste. Le résultat est superbe.

Comme thème : la réflexion, le recueillement, le temps de respirer de bien-être et de sourire.

À la bibliothèque de Bromont, 37, chemin Gaspé, Bromont (450-534-2451).

Du lundi au jeudi de 13 h à 19 h ; vendredi 13 h à 17 h ; samedi et dimanche 10 h à 14 h.

Membre : Bromont

Lyse-Anne Roy. OM, Exposition à la bibliothèque de Bromont, jusqu’au 19 août 2018.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Sincèrement, je me sens privilégiée d’habiter une ville comme Montréal. La vie des arts y est foisonnante et stimulante, au point que je suis parfois frustrée de ne pas réussir à suivre le rythme. Il y a tellement de propositions artistiques intéressantes !

Après l’exposition Leonard Cohen – Une brèche en toute chose / A Crack in Everything, qui a fracassé tous les records, le Musée d’art contemporain (MAC) nous présente un autre grand artiste, Rafael Lozano-Hemmer… également communicateur hors pair. J’ai eu la chance d’assister à une visite guidée en sa compagnie et je peux vous assurer que Lozano-Hemmer est passionné par son « travail » et prend grand plaisir à nous montrer ses réalisations.

Ce Montréalais, né en 1967 à Mexico, n’en est pas à sa première présence au MAC mais, à la différence cette fois, que toutes les salles du musée sont consacrées à la vingtaine d’œuvres créées entre 2000 et 2018. C’est tout simplement fabuleux et original.

Normalement, lorsque nous allons au musée, peu importe l’institution, il est interdit de toucher aux œuvres. Ici, c’est tout le contraire. Présence instable est une exposition participative. Par exemple, avec Volce Array / Faisceau de voix (2011) il faut parler dans un interphone ; notre voix émet des sons qui s’emboîtent à des faisceaux lumineux qui prennent de l’ampleur et se multiplient à l’infini.

Une autre pièce est remplie de petits haut-parleurs regroupés par pays et par le nombre de migrants qu’ils ont acceptés sur leur territoire en 2016. Des capteurs dissimulés sous nos pieds s’activent dès que nous foulons le sol près de l’installation Pan Anthem / Pan-hymne (2014) qui déclenche les hymnes nationaux qui jouent à l’unisson – créant une belle cacophonie. D’après vous, quels sont les trois pays qui ont accueilli le plus grand nombre de réfugiés ?

Airborne Newscast / Nouvelles évaporées (2013) nous permet de lire des nouvelles projetées tous azimuts sur l’un des murs du musée. Dès que nous marchons devant l’un des trois capteurs, les mots s’effacent, partent en fumée, pour être remplacés par d’autres nouvelles encore plus fraîches.

Si vous décidez d’entrer dans une cabine en verre, ce sera à vos risques et périls. Il est recommandé de lire les trois mises en garde avant de tenter l’expérience. Vicious Circular Breathing / Respiration circulaire vicieuse (2013) ressemble à un drôle d’instrument de musique à vent ou possiblement à un incubateur. On nous invite donc à respirer l’air des gens qui sont passés avant nous. Dans quelques semaines, je me demande quelle odeur s’en dégagera…

Avez-vous déjà vu un bassin d’eau avec fontaine et atomiseurs ultrasoniques faire jaillir des mots ? C’est ce que fait Call on Water / Nommer l’eau (2006). Les mots que l’on voit apparaître sous une fumée blanche sont ceux du grand écrivain mexicain Octavio Paz – l’oncle de Rafael Lozano-Hemmer. Il faut être rapide pour les lire, car ils s’évaporent très vite.

Pulse Spiral / Pulsations en spirale (2008) est la première œuvre que l’on voit dans le hall du musée. Impressionnante par ses 300 ampoules incandescentes suspendues au plafond. Quelques secondes après avoir inséré nos mains dans un appareil, l’intensité de la lumière se met à varier selon notre rythme cardiaque – on peut ainsi savoir si nous sommes en santé ou si nous devrions consulter un médecin. Je pense que certains hôpitaux devraient acquérir cette œuvre !

Coproduite par le MAC de Montréal et le San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), Présence instable nous prouve que la technologie a son propre langage et peut nous amener vers des horizons insoupçonnés. Vous avez jusqu’au 9 septembre prochain pour découvrir l’exposition et y participer !

Durant tout le mois de juin 2018, vous pourrez visionner des extraits du débat qui s’est tenu, dans le cadre de la 10e remise du prix du Club des Irrésistibles, à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 23 avril dernier.

Aujourd’hui, en 4e position : Le Plongeur de Stéphane Larue (Le Quartanier, 2016). Bonne écoute !

Un grand merci à notre réalisateur Stéphane Richard.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

D’Afrique aux Amériques. Picasso en face-à-face, d’hier à aujourd’hui, exposition présentée au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) jusqu’au 16 septembre 2018, est un pur plaisir pour les yeux et vaut amplement les quelques heures que vous passerez dans cet environnement stimulant.

Cette exposition, conçue par le musée du quai Branly – Jacques Chirac, en partenariat avec le Musée national Picasso, et adaptée par le MBAM, est sous le commissariat de nulle autre que la directrice et conservatrice en chef du MBAM, Nathalie Bondil.

Celles et ceux qui fréquentent le musée de la rue Sherbrooke peuvent se dire : « Encore une exposition sur Picasso. » Il est vrai que ce n’est pas la première fois que le musée lui consacre une place de choix. Ce qui rend l’expérience pertinente est ce « face-à-face » du titre qui propose des œuvres, certes, de Picasso, mais juxtaposées à des peintures, sculptures et dessins en provenance d’Afrique, d’Océanie et des Amériques. Quelle idée intéressante et originale !

Nous connaissons, bien sûr, Picasso l’artiste, peut-être un peu moins le collectionneur de sculptures africaines qui furent, sans conteste, une source d’inspiration. Nous avons donc la chance de découvrir une nouvelle facette de cet homme en admirant quelque 300 œuvres et documents (photographies, livres…) en provenance d’une trentaine de pays. Dépaysement garanti !

La mise en place est d’une très grande réussite. Réalisée par Sandra Gagné, chef de la production des expositions avec Nathalie Bondil et en collaboration avec Chevalier Morales Architectes, elle permet de contempler au plus près ces tableaux, sculptures, céramiques, masques et objets recyclés. Que de beauté en un seul lieu !

À déambuler dans les salles, on sent la passion qui anime Nathalie Bondil pour son sujet. À n’en pas douter, on y retrouve sa vision de l’art muséal que plusieurs doivent nous envier.

Le musée propose aussi une autre exposition intitulée Nous sommes ici, d’ici : l’art contemporain des Noirs canadiens (initiée par le Musée royal de l’Ontario et adaptée par le MBAM pour la présentation à Montréal) ; notre directrice et conservatrice a voulu intégrer les oeuvres de 11 artistes de chez nous qui, à leur façon et avec des matériaux divers, travaillent sur ce qui les préoccupe et les stimule.

À partir d’aujourd’hui, et ce, durant tout le mois de juin 2018, vous pourrez visionner des extraits du débat qui s’est tenu, dans le cadre de la 10e remise du prix du Club des Irrésistibles, à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 23 avril dernier.

Nous commençons par la 5e position : La Nature exposée d’Erri De Luca (Gallimard, 2016, 2017). Bonne écoute !

Un grand merci à notre réalisateur Stéphane Richard.

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Strik, Elly

Elly Strik, artiste hollandaise née en 1961, ou le combat entre le soi-corps animal et le soi-esprit. Dans cette exposition, le combat est mis en scène à travers de grandes figures comme Freud et Darwin.

La Chambre des rêves, où l’accrochage des toiles autour du fameux divan de Freud est plus serré, offre une expérience d’immersion dans le subconscient de l’artiste avec ses associations et ses images parfois saugrenues.

Quand la couleur envahit l’espace, elle crée un effet d’autant plus remarquable qu’elle est peu utilisée en général. Les œuvres de grand format atteignent une telle plénitude dans ce lieu qui les laisse respirer, les met bien en valeur.

Il faut prendre le temps de se promener d’une salle à l’autre, de contempler les mariées (Bride) pour saisir toute la richesse de l’exposition d’Elly Strik.

Membre : Ville-Émard

Strik, Elly. To All the Long Gone Darlings. And to You, présentée au 1700 La Poste jusqu’au 24 juin 2018.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Je suis loin d’être une spécialiste en art contemporain, mais plus je vois d’expositions, plus j’y prends plaisir. J’ai été enchantée par l’œuvre de Bharti Kher, née en 1969 à Londres et qui, depuis bientôt 30 ans, demeure à New Delhi, son point d’ancrage, son lieu de travail.

La nouvelle exposition, Points de départ, points qui lient, que présente dans le Vieux-Montréal la fondation pour l’art contemporain DHC/Art jusqu’au 9 septembre 2018, est un dépaysement total, sensuel et hypnotique. J’ai eu le privilège de participer à une visite guidée en compagnie de l’artiste et de la commissaire de l’exposition, Cheryl Sim, ce qui m’a beaucoup aidée à la compréhension de la démarche de Bharti Kher.

Cette exposition donne à voir une quarantaine d’œuvres réalisées entre 2007 et 2018, qui parlent surtout du corps en utilisant des matériaux de manière fort originale tels des bindis – vous savez ce fameux point porté au centre du front par des femmes indiennes. Il y a également des moulages de plâtre, des tableaux, des cartes géographiques, des sculptures drapées de saris parfois trempés dans de la résine.

J’ai tout aimé de cette exposition, mais j’ai été plus particulièrement saisie par deux œuvres : Six Women (2013-2015) où l’on voit, comme l’indique le titre, six femmes nues d’âges différents, moulées dans du plâtre. Ces femmes, des « travailleuses du sexe » à Kolkata, assises côte à côte, sont fascinantes à regarder. Chacune a une particularité qui la distingue de sa voisine, mais elles ont toutes les yeux fermés ; on ne sait pas si elles se reposent, se recueillent ou réfléchissent. Émouvant !

Une absence de cause assignable / An Absence of Assignable Cause (2007) montre le cœur d’une baleine bleue « créé à l’échelle et enveloppé d’une pellicule de bindis ». Qu’a voulu nous dire Bharti Kher en créant ce cœur en fibre de verre ? Chacun peut y aller de son interprétation, peu importe la réponse, l’effet est percutant !

Très belle découverte que l’oeuvre de cette artiste qui foulait le sol montréalais pour la première fois. Le travail de Bharti Kher est enraciné dans son temps tout en se référant à certaines traditions indiennes. Il y a quelque chose d’envoûtant dans sa technique et une énergie se dégage de ses réalisations parfois très colorées. Vraiment, Points de départ, points qui lient est une exposition inspirante !

Cette semaine, pour souligner le 20e anniversaire de la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont, Christiane St-Onge, chef de section et responsable de la bibliothèque, nous parle de son implication dans le milieu des bibliothèques de 1971 à aujourd’hui.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

J’aime plonger dans la grande Histoire, même si mes connaissances sont remplies de trous comme le fromage suisse. C’est l’une des raisons pour lesquelles je ne rate jamais l’occasion d’aller dans les musées, car j’y apprends toujours beaucoup tout en profitant de la beauté des œuvres et du bonheur qu’elles me procurent.

Ainsi, en me rendant la semaine dernière au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM), je me suis régalée en voyant Napoléon. Art et vie de cour au palais impérial, exposition présentée jusqu’à 6 mai 2018 et qui prendra ensuite la route de Richmond puis de Kansas City avant de terminer son parcours à Fontainebleau en avril 2019.

Cette exposition est intelligente, stimulante et reste accessible au plus grand nombre. La scénographie conçue avec la collaboration d’Architem et Graphics eMotion, sous la direction de Sandra Gagné, chef de la Production des expositions au MBAM, est inventive et redessine les salles du pavillon Michal et Renata Hornstein de manière fort agréable.

Qui n’a pas déjà entendu parler de Napoléon (1769-1821), mort à Sainte-Hélène il y a bientôt 200 ans ? Je me suis souvent demandé comment il se faisait que l’on parle encore autant de lui aujourd’hui alors qu’il n’a été empereur qu’une dizaine d’années et que l’armée napoléonienne a connu la défaite le 18 juin 1815 à la bataille de Waterloo ?

Pour réussir à nous présenter dans l’état actuel quelque 400 œuvres et objets d’art provenant d’une cinquantaine de prêteurs importants – le château de Fontainebleau, le Mobilier national, le Musée du Louvre, plusieurs musées américains et d’autres institutions encore –, l’équipe du MBAM a mis cinq ans de travail sans compter les heures de restauration…

C’est grâce à l’apport inestimable du collectionneur et mécène Ben Weider (1923-2008), qui a cédé au Musée sa collection d’objets, que le Musée s’est engagé dans cette fabuleuse aventure…

Une mention spéciale à Sylvain Cordier, conservateur des arts décoratifs anciens au MBAM et commissaire de l’exposition, qui a insufflé sa passion à ce projet et qui l’a, d’une certaine manière, porté à bout de bras avec le soutien, bien sûr, de Nathalie Bondil, directrice et conservatrice en chef du MBAM.

Cinq résidences ont appartenu à Napoléon 1er, où oeuvraient quelque 3500 employés et serviteurs. On nous explique que l’exposition « s’articule autour du rôle des principales personnalités au service de la famille impériale, qui contribuent à façonner l’image du pouvoir ».

Nous sommes ici conviés à pénétrer dans la maison dite « de l’Empereur » à Fontainebleau, lieu même du pouvoir impérial. Chaque salle comporte son lot de surprises, de découvertes, du plafond au plancher, du mobilier aux habits, tableaux, sculptures, tapisseries, coutellerie… Certaines pièces sont admirables et montrées pour la première fois.

Déjà à son époque, Napoléon avait sa marque « de commerce » avec son fameux « N » qui l’identifie instantanément, sans oublier l’aigle et les abeilles.

Comme toujours, le Musée propose des activités complémentaires : conférences, films, concerts… ainsi que des visites offertes par des guides bénévoles, un audioguide et un catalogue fabuleux, une somme de 352 pages.

Napoléon. Art et vie de cour au palais impérial nous donne assurément le goût d’en connaître un peu plus sur cette période du Premier Empire et pourquoi pas, de revoir l’exposition à Fontainebleau en 2019.

Je suis repartie enchantée de ma visite, je suis certaine qu’il en sera de même pour vous !

Le lundi 12 février, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec l’auteure Fanny Britt, qui nous parlera de sa pièce Hurlevents – inspirée de l’œuvre d’Emily Brontë –, présentée au théâtre Denise-Pelletier jusqu’au 17 février 2018.

Lundi dernier, je recevais la comédienne Sylvie Drapeau, venue nous parler de la pièce L’Homme éléphant de Bernard Pomerance, présentée au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 3 mars 2018, mais également de son récit L’Enfer, qui vient de paraître chez Leméac.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

En mon nom et en celui de toute l’équipe des Irrésistibles, nous vous souhaitons un très joyeux temps des Fêtes rempli de moments passés en famille et entre amis, de soirées à lire au coin du feu et, bien sûr, si la température le permet, de profiter des joies de l’hiver et du plein air.

Qui utilise encore de nos jours du 35 mm ? Qui prend des clichés en noir et blanc ? Aimez-vous les épreuves à la gélatine argentique ? Vous arrive-t-il d’avoir les blues d’une époque que vous n’avez pas connue ? Si vous répondez oui à ces questions, j’ai une exposition fort agréable à vous proposer… suivez le guide, c’est au Musée McCord que ça se passe.

Ce musée présente jusqu’au 29 avril 2018 l’exposition Gabor Szilasi – Le Monde de l’art à Montréal, 1960-1980 dont le commissariat a été confiée à Zoë Tousignant, adjointe à la conservation, Photographie, et qui signe aussi le documentaire Vernissages auquel je vous suggère de vous attarder, vous ne le regretterez pas. Instructif !

En plus des 43 photographies en noir et blanc (dont seulement trois ont déjà été montrées) prises par Gabor Szilasi sur une période de 20 ans lors de vernissages, il y a quelques objets dont un Leica M4 utilisé par le photographe canadien d’origine hongroise.

La visite de l’exposition nous apprend qu’« entre 1960 et 1980, Szilasi a exposé 1267 rouleaux de pellicule 35 mm, dont 102 pour des vernissages ayant eu lieu à Montréal. » C’est complètement dément, non ? Témoin privilégié d’instantanés artistiques, Szilasi nous permet, par son travail archivistique de première importance, de sauvegarder une partie de notre patrimoine.

Est-ce que ces galeries, dont plusieurs étaient situées sur la rue Sherbrooke Ouest ou au centre-ville, vous disent quelque chose ou vous rappellent des souvenirs ? Agnès Lefort, Yajima, Godard Lefort, Martal, Dresdnere… La majorité des galeries d’art où avaient lieu les vernissages dont il est question ici n’existent plus. Elles ont fermé leur porte quelques années après leur ouverture. Dommage ! À mon grand regret, je n’aurai pas connu ces lieux.

Gabor Szilasi était présent lors d’inaugurations d’expositions et rapportait des clichés d’artistes que l’on peut regarder à notre rythme. Juste pour vous mettre l’eau à la bouche, je vous en nomme quelques-uns : Edmund Alleyn, Marcelle Ferron, Jean-Paul Mousseau, Rita Letendre, Guido Molinari, Marion Wagschal, Serge Tousignant, Arthur Lismer, Irene F. Whittome, Jean McEwen, Jacques Hurtubise, Armand Vaillancourt, Yves Gaucher, Leonard Cohen, mais également la collectionneuse Michiko Yajima-Gagnon, l’écrivain et journaliste Jacques Folch-Ribas ou le critique d’art Yves Lasnier.

Tous ces noms vous font-ils rêver ? Moi, oui. Encore plus, quand on sait ce que sont devenus ces créateurs et l’importance qu’ils ont eu sur les scènes nationale et internationale. Quelle chance ils ont eu d’avoir Gabor Szilasi comme observateur attentif et bienveillant qui a su capter ces moments de festivités et de célébration de l’art !

Je suis sortie un peu nostalgique de cette exposition, mais avec l’envie subite de reprendre mon appareil photo et de croquer dans notre siècle.

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Marie-Anne

1700 La Poste

Le 1700 La Poste présente une rétrospective de François Morelli dont les œuvres les plus anciennes datent de 1989 et la plus récente, créée pour ce lieu, a été réalisée juste avant l’ouverture et condense tout l’art de Morelli dans une fresque qui captive les sens.

La mise en espace est particulièrement bien réussie : au premier coup d’œil, volumes et couleurs offrent une expérience inédite. François Morelli dessine, grave, sculpte et son style évolue au fil du temps sans perdre de son originalité. Il m’a semblé que des éléments figuratifs, corps, végétaux, se glissaient de plus en plus dans les compositions.

Un documentaire (48 minutes), réalisé par Suzanne Guay pour cette exposition, est aussi présenté et bien entendu, comme pour chaque artiste invité au 1700 La Poste, Isabelle de Mévius a conçu un magnifique catalogue.

À voir ou à revoir d’ici le 7 janvier au 1700, rue Notre-Dame Ouest !

Membre : Ville-Émard

1700 La Poste. François Morelli, rétrospective, exposition présentée jusqu’au 7 janvier 2018.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Vous n’avez pas envie de faire le ménage, de vous occuper des enfants, de faire à manger ? Ça tombe bien, car j’ai une proposition de sortie muséale à vous faire que vous ne regretterez pas. Gâtez-vous durant quelques heures et partez d’un pas léger vers le Musée d’art contemporain de Montréal (MAC) voir la magnifique et touchante exposition Leonard Cohen – Une brèche en toute chose/A Crack in Everything.

Sous le commissariat de John Zeppetelli, directeur et conservateur en chef du MAC, et de Victor Shiffman, commissaire invité, cette exposition donne une place de choix aux 40 artistes – en provenance de dix pays – qui ont participé à ce projet d’envergure. On les sent habités, inspirés, stimulés par l’univers de l’un de nos plus grands poètes.

Le MAC est complètement transformé pour cet happening musical. J’ai eu l’impression de me promener dans un labyrinthe où l’on suit facilement un parcours qui ouvre sur une porte, qui nous conduit dans un corridor menant vers une pièce fermée, une autre qui aboutit dans une salle de cinéma, etc.

Les artistes se sont réappropriés l’œuvre de Leonard Cohen (1934-2016) de manière intelligente, respectueuse, originale… Parmi les 20 projets, voici quelques propositions incontournables :
I’m Your Man (A Portrait of Leonard Cohen) de la Sud-Africaine Candice Breitz qui a demandé à 18 Montréalais, âgés de plus de 60 ans et amoureux de l’œuvre de Cohen, de chanter des extraits de l’album I’m Your Man. L’effet sur écran est saisissant et émouvant.

L’installation sensorielle I Heard There Was a Secret Chord/J’ai entendu qu’il y avait un accord secret (2017) de Mouna Andraos et Melissa Mongiat du studio de design d’interaction Daily tous les jours, nous fait entendre le fameux Hallelujah, mais d’une manière universelle – vous verrez comment…

De son côté, George Fok m’a fait monter les larmes aux yeux à quelques reprises avec son installation vidéographique Passing Through/De passage (2017) qui nous laisse voir ou revoir Leonard Cohen en concert aux quatre coins de la planète. Son montage de 56 minutes est passionnant du début à la fin.

La mise en place de Depression Chamber/Chambre de dépression (2017) du cinéaste israélien Ari Folman lui a été inspirée par ce qu’a vécu sa sœur à l’adolescence. Il nous permet de vivre une expérience en solo de cinq minutes à l’horizontale dans une petite pièce fermée pendant que joue la chanson Famous Blue Raincoat de Cohen. Idée ingénieuse qui vaut amplement le détour !

Finalement, une installation holographique intitulée I Think I Will Follow You Very Soon/Je pense que je te suivrai très bientôt (2017) des frères Carlos et Jason Sanchez nous proposent de jeter un coup d’œil dans le bureau de la résidence californienne de Cohen d’où on le voit assis dans la véranda. J’ai eu l’impression que l’artiste se retournait pour me saluer. On a bien le droit de rêver, non ?

Il faut prendre son temps, déambuler dans les six salles consacrées à cet artiste montréalais unique et inimitable. Voir Leonard Cohen sur scène, l’entendre parler de son processus d’écriture, rire avec lui, car il pouvait être très drôle, fredonner ses chansons… J’en redemande !

Le MAC frappe un grand coup en nous offrant Leonard Cohen – Une brèche en toute chose/A Crack in Everything. Je souhaite de tout cœur que cette exposition voyagera ensuite à travers le monde. Vous avez jusqu’au 9 avril 2018 pour baigner dans cet environnement musical. Pour ma part, j’y retourne dès que possible.

Le lundi 27 novembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Lorraine Pintal, qui nous parlera de la pièce Vu du pont d’Arthur Miller, présentée au Théâtre du Nouveau Monde jusqu’au 9 décembre 2017, puis en tournée dans plusieurs villes du Québec du 16 janvier au 10 février 2018.

Lundi dernier, je recevais l’auteure Catherine Léger, venue nous parler de sa pièce Filles en liberté, présentée à La Licorne jusqu’au 2 décembre 2017.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne