Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Comme nous avons, pour la majorité d’entre nous, un peu plus de temps à nous adonner à lecture durant la période estivale, je me permets, comme l’an dernier, de vous faire deux suggestions par semaine jusqu’à la fin du mois d’août.

Œuvre d’une grande tendresse, Françoise de Luca signe, avec La Jeune fille à la tresse (Marchand de feuilles, 2022), un roman qui, je l’espère, rencontrera un large public. Pour ma part, il fait partie des cinq meilleurs titres lus cette année.

Avant d’être un ixième livre sur la Deuxième Guerre mondiale et ses conséquences, c’est d’abord et avant tout un roman sur une amitié indestructible où deux adolescentes se reconnaissent instantanément.

« Je l’ai aimé tout de suite. Sur le quai de ce jour tout simple, on est devenues amies, on l’était déjà », de dire Liliane (Lili), la narratrice, dès la première ligne. Aujourd’hui, âgée de 98 ans, Liliane se remémore le moment où, à l’âge de 13 ans, elle a rencontré Solange (Sol), celle qui fut sa grande, chaleureuse et belle amie.

Octobre 1937. Solange, 12 ans, son jeune frère Marc (Marco) et ses parents polonais, Rachel et Alfred Ast, viennent de déménager de Reims à Saint-Memmie, « une petite commune collée à Châlons-sur-Marne ». Les deux amies sont inscrites au collège pour filles Victor-Duruy, mais dans des classes différentes : Solange est en sixième, Liliane étudie pour obtenir son diplôme de comptabilité commerciale.

Liliane habite un petit appartement rue Hippolyte-Faure, en compagnie de ses deux sœurs ; Solange vit dans une maison cossue située au 19 de la rue du Grand-Mau.

Les parents de l’une et de l’autre sont très différents : Suzanne, la mère de Liliane, est modiste, Rachel est chapelière – elle vend ses créations sur les marchés des environs ; chez les Ast, des gens cultivés et aimants, il y a un esprit familial convivial, on organise des pique-niques, les vacances sont au programme, ce qui est tout le contraire dans la famille de Liliane.

Les amies sont heureuses. De leur jour de congé le jeudi qu’elles passent ensemble, elles vont se voir de plus en plus souvent, jusqu’au jour où la guerre éclate ; les rafles deviennent monnaie courante et la peur s’installe. Autant Solange est lucide et comprend ce qui l’attend, autant Liliane est dans le déni. Est-elle naïve ou ne veut-elle tout simplement pas voir la réalité en face ?

Les Ast doivent prendre une décision : partir ou rester ? Vont-ils pouvoir garder leur entreprise ? Seront-ils déportés ? Qui parmi eux s’en sortira ? Solange et Lilianne vont faire de la Résistance, chacune à leur façon, comme bien d’autres femmes. Mais que leur arrivera-t-il ?

Françoise de Luca a servi, d’une certaine manière, de courroie de transmission à cette relation symbiotique vécue à l’aube de la Deuxième Guerre mondiale. « Une histoire d’amitié si bouleversante que la véritable Liliane, 98 ans, mère d’une amie de Françoise de Luca, a voulu la raconter à la romancière » révélait Manon Dumais dans Le Devoir. Je suis certaine que vous serez touchée, comme moi, par ces années charnières dans la vie de Solange et de Liliane.

Le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) propose, jusqu’au 2 juillet 2023, Vues de l’intérieur : portraits de l’espace habité, une exposition qui nous incite à réfléchir sur notre mode de vie intérieure.

Le commissariat a été confié à eunice bélidor (oui, les minuscules sont intentionnelles), conservatrice de l’art québécois et canadien contemporain (1945 à aujourd’hui) au MBAM, titulaire de la Chaire Gail et Stephen A. Jarislowsky, sous la supervision de Mary-Dailey Desmarais, conservatrice en chef au MBAM. Elle a puisé à même la collection du musée pour nous offrir un éventail de 45 œuvres à découvrir ou à redécouvrir – certaines n’ont pas été montrées depuis plus d’une décennie –, qu’il s’agisse de photographies (épreuves à développement chromogène, à la gélatine argentique ou impressions à jet d’encre), de peintures (acrylique ou huile sur toile), de sérigraphies ou d’installations.

Chacun des cinq thèmes abordés ici – l’atelier, les entre-lieux, l’intérieur utopique, l’intérieur intime : un espace de soin et l’intérieur domestique – nous renvoie à un aspect plus personnel. Depuis plus de deux ans, nous avons été obligés de redéfinir nos intérieurs. La pandémie a changé nos habitudes de vie. Que représente « un intérieur », par exemple, pour l’artiste ? Son lieu de travail et, pour une majorité d’entre nous, un endroit où il fait bon vivre, un refuge.

Les 23 artistes québécois et canadiens – 10 femmes (Oreka James, Natalie Reis, Sorel Cohen, Joanne Tod, Martha Townsend, Andrea Szilasi) et 13 hommes (Nicolas Baier, Paul André, Michel Campeau, Stan Douglas, Kim Adams, Pierre Dorion, Alain Paiement) – ont une vision qui leur est propre et qui nous amène à considérer plusieurs enjeux de notre société.

Il y aura, durant les treize mois où est présentée Vues de l’intérieur : portraits de l’espace habité, au niveau S2 du pavillon Jean-Noël Desmarais, une rotation de certaines œuvres, ce qui nous donne l’occasion de retourner au musée. J’ai pris plaisir à voir cette nouvelle exposition, une autre belle initiative du MBAM de mettre de l’avant des créateurs de chez nous. Bonne visite !

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Pourquoi ai-je décidé de lire Guerre (Gallimard, 2022) de Louis-Ferdinand Céline (1894-1961), alors que ce n’est pas un auteur que je fréquente ? Pour être honnête avec vous, je n’en sais rien. Et encore moins après avoir refermé le livre que j’ai lu presque dans son entièreté à voix haute.

Ai-je été emportée par l’effervescence qui entourait la découverte, entre autres, de ce manuscrit volé il y a 80 ans à son domicile de la rue Girardon au moment de la libération de Paris en 1944 ? Possiblement ! Céline avait fui la capitale avec sa deuxième femme, Lucette Destouches, née Lucie Almansor (1912-2019), et leur chat Bébert, en laissant tout en l’état, de peur d’être rattrapé pour son antisémitisme.

Est-ce que je regrette mes quelques heures de lecture ? Non, mais j’avoue avoir été beaucoup plus intéressée par l’avant-propos de François Gibault, les notes sur l’édition établies par Pascal Fouché, les six feuillets choisis du manuscrit (voir la graphie en patte de mouche de Céline, c’est quelque chose) et par la section intitulée : « Guerre dans la vie et l’œuvre de Louis-Ferdinand Céline ».

« Guerre a été transcrit d’après un manuscrit de premier jet, le seul connu, qui comporte de nombreux repentirs et ratures et dont certaines pages ont fait l’objet de corrections. Le texte présenté ici en restitue le dernier état de rédaction, à l’exception de quelques rares cas où une correction illisible a pu être remplacée par la version précédente. » (p. 19)

Si vous êtes parmi les familiers de Céline, lire Guerre vous intéressera d’autant plus que le roman était l’un des chaînons manquants entre Voyage au bout de la nuit (1932) et Mort à crédit (1936).

L’écrivain français utilise abondamment le point de suspension. Il a aussi des formulations qui lui sont propres : « J’ai attrapé la guerre dans ma tête. Elle est enfermée dans ma tête » (p. 26) et emploie souvent des mots argotiques (« chiard » pour enfant, « fafiot » pour billet de banque, « foiron » pour postérieur, « pompier » pour fellation). Les spécialistes et/ou les amoureux de son œuvre pourront établir si Guerre est dans la lignée de ses autres romans, ce que je ne peux évidemment pas faire.

Voici exemple d’un dialogue pour vous donner une idée du ton : « Non je la fermerai pas, non je la fermerai jamais sale raclure de charogne… toi-même. J’aimerais mieux bouffer des chiots tu m’entends. J’aimerais mieux qu’on m’ouvre le bide avec une clef à sardine que de la fermer à cause de toi… » (p. 115)

Par contre, je peux affirmer avoir trouvé insupportable le traitement réservé aux femmes, la façon dont Ferdinand se conduit avec ses parents, le langage très cru utilisé pour parler de sexe (il y en a beaucoup, beaucoup, beaucoup)… J’ai donc lu Guerre sur le pilote automatique.

La quatrième de couverture résume mieux que je ne saurais le faire le sujet de ce livre : […] On y suit la convalescence du brigadier Ferdinand depuis le moment où, gravement blessé, il reprend conscience sur le champ de bataille jusqu’à son départ pour Londres. À l’hôpital de Peurdu-sur-la-Lys, objet de toutes les attentions d’une infirmière entreprenante, Ferdinand, s’étant lié d’amitié avec le souteneur Bébert, trompe la mort et s’affranchit du destin qui lui était jusqu’alors promis… »

On nous annonce pour la rentrée littéraire de septembre la publication de d’autres textes « issus des manuscrits », dont celui de Londres qui « constitue, à l’évidence, une suite de Guerre dont le dernier chapitre relate le départ du narrateur pour Londres, à l’invitation d’un riche major britannique, amant occasionnel d’Angèle, ancienne maîtresse de Cascade… » À suivre avec ou sans moi !

Cette oeuvre a déjà été suggérée par le Club des Irrésistibles, lire ici.

Après nous avoir offert de février à mai dernier Dévoilements narratifs de l’artiste vancouverois, Stan Douglas, la Fondation PHI pour l’art contemporain qui fête ses 15 ans d’existence, frappe un autre grand coup en présentant la première exposition individuelle au Québec de l’incomparable Yayoi Kusama.

La directrice de la Fondation PHI, Phoebe Greenberg, et l’infatigable Cheryl Sim, directrice générale, conservatrice de la Fondation PHI et commissaire de l’exposition, nous font le cadeau de la très ludique exposition DANCING LIGHTS THAT FLEW UP TO THE UNIVERSE [Un ballet de lumières envolées dans l’univers], présentée gratuitement jusqu’au 15 janvier 2023.

Avant-gardiste, touche-à-tout (dessinatrice, peintre, sculptrice, écrivaine, performeuse…), Kusama, née à Matsumoto, est la plus jeune d’une famille aisée de quatre enfants. Ses parents ont fait fortune en gérant une pépinière ce qui, dans une certaine mesure, influença quelques-unes de ses réalisations. Malgré le fait que sa mère n’était pas du tout en faveur de l’orientation artistique que prenait sa fille, celle-ci a persisté et a connu, au fil des ans, une carrière internationale, dont la cote ne cesse de grimper. Malgré ses 93 ans, Kusama peint toujours.

Au 451, rue Saint-Jean, l’exposition se déploie sur trois étages : dès la première salle, on peut voir ces étonnantes Pumpkins [Citrouilles] (2016), trois bronzes polis de dimensions différentes. On pourrait se dire que ce ne sont que des courges, mais derrière la matière, il y a beaucoup plus. Ressort dans le travail de Kusama une philosophie de vie qui nous oblige à nous poser plusieurs questions dont celle de notre place dans l’Univers.

Au deuxième, nous attend une belle surprise. En fait, non, deux belles surprises : The Universe as Seen from the Stairway to Heaven [L’Univers vu des portes du paradis] (2022) et My Evanescent Dream Within a Dream [Mon rêve évanescent dans un rêve] (2022). Si l’infini existe, il se trouve dans ces petites structures en forme cubiques où l’on peut se percevoir dans cinq miroirs. Cela m’a rappelé quand, enfant, je jouais avec un kaléidoscope où l’on voyait à travers l’objet des myriades de formes et de couleurs différentes.

Un étage plus haut, 29 photographies sont reproduites sur les murs représentant Yayoi Kusama de 1939 (à dix ans) jusqu’en 2020, aux côtés des membres de sa famille, dans son atelier new-yorkais ou celui de Tokyo… Sur place, on peut également feuilleter cinq ouvrages pour en savoir un peu plus sur le travail de l’artiste multidisciplinaire.

Puis, on se rend au 465, rue Saint-Jean qui présente, dans la première salle, huit acryliques sur toile, d’une dimension de 194 x 194 cm, disposées en mosaïque. Cette série de tableaux intitulée My Eternal Soul [Mon âme éternelle] (2013 à 2016) révèle, sous une forme d’art naïf – dans le bon sens du terme –, une certaine fragilité de Kusama. Prenez le temps de lire le titre des œuvres dont certains mots reviennent comme un leitmotiv.

Et pour terminer notre visite, INFINITY MIRRORED ROOM – DANCING LIGHTS THAT FLEW UP TO THE UNIVERSE [Un ballet de lumières envolé dans l’Univers] (2019) et Infinity Mirrored Room – Brilliance of the Souls (2014) deux installations remplies de boules multicolores, deux salles dans lesquelles nous pénétrons durant le temps d’un sablier, où « l’illusion d’un espace infini » nous hypnotise grâce, entre autres, à l’utilisation de miroirs. L’effet est féerique !

On sort de l’exposition le sourire aux lèvres, le corps plus léger et les yeux plein de couleurs. Allez-y en famille, succès assuré auprès de votre progéniture.

Attention ! Comme les oeuvres de l’artiste japonaise attirent les foules, vous devez réserver l’heure à laquelle vous irez au 451 et au 465, rue Saint-Jean dans le Vieux-Montréal. Il faut faire vite, car tous les billets jusqu’au 31 juillet se sont envolés en deux temps trois mouvements. C’est à chaque 15 du mois que d’autres sont remis en circulation, il faut donc être aux aguets.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Je suis revenue chez moi emballée par ma visite au Musée McCord où est présentée, jusqu’au 16 avril 2023, la très enrichissante exposition, Alexander Henderson – Art et nature, sous le commissariat d’Hélène Samson, conservatrice sortante, Photographie. Après 16 ans au sein de l’équipe, cette dernière a décidé de prendre sa retraite, à notre plus grand regret.

Si vous êtes natif du Canada, vous connaissez sans aucun doute le photographe et homme d’affaires William Notman (1826-1891). Mais comment se fait-il que le nom de son contemporain, Alexander Henderson (1831-1913), soit quasi ignoré de nos jours ? Il a pourtant, de son vivant, connu une notoriété nationale et internationale…

Les deux talentueux photographes ont comme points communs d’être nés en Écosse, d’être venus s’installer à Montréal (Henderson arrive au Bas-Canada en 1855 à l’âge de 24 ans) et d’avoir ouvert un studio de photographie (Henderson en 1866). Fait intéressant, les deux ont participé en 1860 à la création de l’Art Association of Montreal devenue, depuis, le Musée des beaux-arts. Par contre, leur style diffère : Notman est réaliste, Henderson romantique, c’est-à-dire qu’il veut d’abord transmettre une émotion.

L’exposition du McCord, qui « possède la plus grande collection de photographies d’Alexander Henderson, comptant près de 2 000 tirages d’époque, à laquelle s’ajoute le fonds des archives familiales », corrige donc le tir. Elle nous fait découvrir la carrière photographique de ce comptable de formation, issu de « la petite bourgeoisie terrienne écossaise », indépendant de fortune, comme sa femme, par ailleurs, qui lui a donné neuf enfants – dont cinq ont survécu.

« Première exposition d’envergure » comme le souligne le Musée, puisqu’elle réunit quelque 280 œuvres – incluant des documents d’archives (lettres, certificats, contrats, médaille) et cinq tableaux, entre autres, des huiles sur toile de Cornelius Krieghoff ou de Henry Richard Bunnett. Le procédé photographique d’Henderson, qui a exercé son art « avec un regard colonial », est principalement composé de tirages sur papier albuminé, de tirages sur papier salé et d’impressions numériques d’après tirages.

Regarder les photographies d’Henderson – fait intéressant, ils sont de la grosseur du négatif sur verre –, c’est plonger au cœur du XIXe siècle. On voit des paysages canadiens, mais surtout québécois, d’hiver (qu’affectionne particulièrement Henderson) comme d’été (canot, portage), au milieu de la nature sauvage ou des villes.

La scénographie, signée MASSIVart, est à souligner, ainsi que le travail du chargé de projet, François Vallée.

En complément de cette visite, le Musée propose, à partir du mois de septembre, trois activités gratuites sur place ou en ligne, dont une table ronde « Fabriquer le territoire : un parcours historique » et un atelier « Photo de paysages urbains aux abords du Musée McCord ».

En terminant, mentionnons la publication d’un catalogue de 224 pages, « le premier livre consacré à Alexander Henderson [qui compte] plus de 170 reproductions fidèles aux tirages d’époque », ce qui nous permet de poursuivre notre voyage.

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Le McCord présente Piqutiapiit – ce qui veut dire « chose précieuse » en inuktitut – jusqu’au 21 août 2022. De quoi s’agit-il ?

Niap (nom d’artiste de Nancy Saunders), est née à Kuujjuaq, au Nuvavik, en 1986. Invitée par le musée dans le cadre du programme « Artiste en résidence », l’artiste inuite aux multiples talents, a pigé, avec la complicité de Jonathan Lainey, conservateur, Cultures autochtones, dans ce qu’offre la collection du McCord. Le choix de Niap s’est porté sur « le raffinement et la féminitude des objets traditionnels » de sa communauté.

Ce programme, qui en est déjà à sa 8e édition, pourrait se définir comme un trait d’union entre ce que réalise l’artiste en résidence et la collection du musée. Nous pouvons donc contempler l’œuvre perlée, Piqutiapiit (2022), créée spécifiquement pour l’occasion par Niap, soit un vêtement qui n’est pas destiné à être porté, mais qui, accroché à un cadre de bois fixé au mur, se veut plutôt un hommage au perlage des femmes inuites.

Piqutiapiit est fait de plusieurs matériaux : perles de verre, d’eau douce, de laiton et de turquoise, andouiller de caribou, feutre, suède, fourrure, dents d’animaux… qui ont été trouvés, entre autres, dans des brocantes. En face de cette réalisation, un très joli amauti, un manteau de jeune fille fait de fourrure de caribou, propre aux Inuits.

Au départ, précisait Niap, elle voulait en produire trois pour le musée, mais jamais elle n’aurait cru que cela allait nécessiter autant de temps, soit six mois de labeur pour n’en réaliser qu’un, qu’elle a d’ailleurs terminé avec l’aide de sa cousine. Elle a donc revu son objectif. Le perlage n’est pas simple : cela demande de la concentration et de l’endurance physique puisque tout est fait main et que les gestes sont répétitifs.

Une courte vidéo clôt le parcours où l’on voit Niap installée à sa table de travail dans son appartement montréalais qui nous parle du procédé du perlage. Que de talent et d’ingéniosité !

L’exposition comporte également 25 objets : une lampe à huile en pierre à savon (qulliq) qui servait à éclairer et à chauffer un intérieur ; des couteaux traditionnels à la culture inuite (ulu) pour couper la viande et/ou les peaux d’animaux dans la fabrication de vêtements ; quelques grattoirs, dés à coudre, aiguilles, peignes en ivoire… ainsi que sept reproductions photographiques en noir et blanc de jeunes filles et de femmes inuites.

Le 11 juin prochain, une initiation au perlage sera donnée par Niap. Vous trouverez plus d’informations sur le site Web du musée. N’oubliez pas, il faut aussi réserver l’heure de sa visite.

En terminant, si Niap s’est inspirée de ce que la collection du musée mettait à sa disposition, moi, je l’ai été par son travail tout en finesse.

Vous arrive-t-il de sortir d’une exposition déstabilisé(e) et envoûté(e) à la fois ? C’est précisément ce que j’ai vécu jeudi dernier lors de ma visite au Musée McCord qui présente jusqu’au 18 septembre prochain, JJ Levine : Photographies queers.

J’ai été littéralement hypnotisée et bousculée devant plusieurs des 52 épreuves chromogènes en couleur de grands formats, prises par l’artiste montréalais JJ Levine qui s’est vu offrir sa première exposition solo dans un musée.

Le McCord, qui a fêté ses 100 ans d’existence à l’automne 2021, « documente principalement l’histoire sociale de Montréal, mais également celle du Québec et du Canada ». Le musée poursuit ici sa mission de découvertes avec cette formidable exposition dont le commissariat a été confié à Hélène Samson, conservatrice Photographie au Musée.

En complément des photographies, on peut regarder trois petites vidéos (un film Super 8 et deux 16 mm) de quelques minutes chacune et, en fin de parcours, une entrevue de moins de dix minutes réalisée par Tomi Grgicevic au mois d’octobre 2021 qui explique le processus créatif de JJ Levine. Très instructif !

Par quoi commencer ? Déjà par tenter de maîtriser la terminologie de certains mots : « queer », « transgenre », « cisgenre », « binaire », etc. Si, au XVIIe siècle, le terme anglais « queer » signifiait « une personne étrange, excentrique, bizarre » à quoi fait-il référence en 2022 ?

Étoile montante de la photographie, JJ Levine, trentenaire trans, a fait ses études universitaires à Concordia où il a obtenu « une maîtrise en beaux-arts, avec une concentration en photographie ». Père d’une jeune fille prénommée Joah, dont on voit dans les salles quelques portraits à des âges différents, comme c’est le cas de certains membres de sa famille biologique et surtout d’ami(e)s de sa famille élargie qu’ils-elles soient gai(e)s, lesbiennes, bisexuel(le)s, hétérosexuel(le)s… L’artiste créatif se met aussi occasionnellement en scène et utilise, pour ce faire, un déclencheur automatique.

JJ Levine travaille avec de la pellicule, n’utilise pas le numérique et encore moins Photoshop. Il ne fait aucune manipulation ni retouche aux corps et aux visages photographiés. Par contre, il joue avec divers accessoires tels perruques, vêtements et maquillage.

Pour chaque photographie dont le « shooting » peut prendre de 4 heures à 4 jours, il plante son décor – la majorité du temps dans les appartements de ses ami(e)s éclairés avec une lumière équivalente à celle d’un studio. Il choisit accessoires et meubles, parfois rétro, parfois vintage, décide du faciès (yeux ouverts ou fermés, par exemple) et de l’expression du sujet.

Ceci étant dit, il faut être très attentif, car derrière un cliché que l’on pourrait qualifier de style classique, se cache une matière riche et originale. Plus on regarde un portrait, plus on découvre quelque chose d’inusité.

L’exposition propose donc trois séries :

1- Portraits queers/Queer Portraits
Projet qui a vu le jour en 2006, il se poursuit encore aujourd’hui. Cette section, qui est l’épicentre de l’exposition, compte 27 photographies. Au-dessus de chacune est inscrit le prénom de la personne photographiée. Elles représentent en majorité des amis queers de JJ Levine qui sont soit en couple ou célibataire, qui ont des enfants ou non. On peut également voir quelques portraits d’Hubert, son compagnon actuel, ou de son ex, qui a porté leur fille.

2- Seul ensemble/Alone Time
Ce qui est fascinant dans cette série de 11 portraits commencée il y a 15 ans, c’est que « chaque couple [hétérosexuel] est en fait composé d’un seul sujet jouant à la fois les personnages masculin et féminin », et ce, grâce à un photomontage. Sincèrement, j’ai été incapable de déterminer qui « tenait » le rôle de la femme et/ou de l’homme. Hallucinant !

3- Permutations/Switch, comprend 14 photographies, des diptyques.
Chaque diptyque met en scène, dans des postures différentes, un homme et une femme. Ce qui rend l’expérience unique, c’est qu’en regardant l’autre photographie, celui qui était homme est maintenant habillé et maquillé en femme et vice versa. Comme disait le Capitaine Bonhomme : « Les sceptiques seront confondus ».

Ici aussi, il est difficile de départager qui est « réellement » du genre masculin ou féminin. Ce qui nous amène à réfléchir sur la perception que nous avons les uns des autres, sur l’illusion que créent parfois certaines attitudes et sur les préjugés encore présents dans notre société que l’on dit pourtant tolérante.

En terminant, si l’idée vous prenait, après avoir vu cette fabuleuse exposition, de vouloir vous faire tirer le portrait, soyez avertis que JJ Levine refuse toutes demandes, sauf celles de son cercle d’intimes. Ce n’est certes pas par snobisme ou par manque d’intérêt, mais, d’après ses dires, il lui est plus facile de travailler avec des gens dont il connaît la personnalité.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Vous avez été plus nombreux(ses) que jamais – 136 membres du jury incluant 39 participant(e)s français(es) – à me faire parvenir votre choix pour la 14e remise du prix du Club des Irrésistibles.

Encore une fois cette année, nous n’avons pu débattre durant deux heures en bibliothèque, mais j’espère que ce n’est que partie remise !

Comme vous pouvez le constater, la lutte a été très serrée. Voici donc les résultats :

Betty de Tiffany McDaniel (Gallmeister, 2020) et Kukum de Michel Jean (Libre Expression, 2019) remportent, ex aequo, le prix du Club des Irrésistibles 2022.

En 2e position, ex aequo, Le Train des enfants de Viola Ardone (Albin Michel, 2019, 2021) et Nickel Boys de Colson Whitehead (Albin Michel, 2019, 2020).

En 3e position, Trois de Valérie Perrin (Albin Michel, 2021).

En 4e position, À train perdu de Jocelyne Saucier (XYZ, 2020).

Un grand merci du fond du coeur. Je nous donne déjà rendez-vous l’an prochain mais, d’ici là, je vous souhaite de belles lectures tout au long de l’année !

Est-ce que vous connaissez l’artiste afro-américain Adam Pendleton, installé depuis plusieurs années à New York ? Si la réponse est oui, vous pourrez l’apprécier davantage, car le Musée des beaux-arts de Montréal présente Adam Pendleton : ce qu’on a fait ensemble jusqu’au 10 juillet 2022 ; si c’est non, vous allez découvrir un homme engagé, intelligent et représentatif de son époque.

L’exposition dont le commissariat est assuré par Mary-Dailey Desmarais, conservatrice en chef du MBAM, réunit 22 encres sérigraphiques et une vidéo en noir et blanc, très touchante, intitulée Just Back from Los Angeles A Portrait of Yvonne Rainer (2016-2017). Pendant 13 minutes et 51 secondes, au café-restaurant le Ridgeway Diner, sur la 6e Avenue à New York, Pendleton discute autour d’un repas avec la danseuse Yvonne Rainer – figure de proue de la danse postmoderniste –, chorégraphe, cinéaste, poétesse et essayiste, née le 24 novembre 1934 à San Francisco.

La lecture d’un texte de Pendleton et de quelques militants, dont Malcolm X, est entrecoupée d’un extrait de Trio A chorégraphie sur laquelle Rainer dansait en 1966. On la sent ébranlée par ce qu’elle lit, les larmes lui montent aux yeux et à nous aussi. Vous verrez de quoi il en retourne, c’est assez émouvant !

Les œuvres, toutes en noir et blanc, se retrouvent dans le Carré d’art contemporain et le Cabinet des arts graphiques, comme si le travail de l’artiste se répondait et/ou se complétait d’une salle à l’autre, entre le dessin et la peinture en aérosol.

La première salle regroupe quatre immenses sérigraphies sur toile (environ 10 pieds sur 20) de la série Untitled (WE ARE NOT) (2022). J’ai été immédiatement saisie d’un vertige. Je me demandais si j’étais victime d’hallucinations ou si je voyais double, car elles paraissent, à prime abord, semblables. Oui, les mots « WE ARE NOT » sont repris inlassablement, mais ils sont aussi inversés, ce qui nous amène à réfléchir à notre propre : « Que ne sommes-nous pas ? » Sommes-nous vraiment ce qu’on dit de nous ?

En pénétrant dans le Cabinet des arts graphiques dont la configuration a été en partie modifiée, on voit quatre encres sérigraphiques sur Mylar qui ne portent pas de titres et qui ont été réalisées en 2021-2022. Le procédé utilisé est intéressant et trompeur à la fois, car j’ai cru qu’il s’agissait de photographies alors qu’il n’en est rien.

Un peu plus loin, dans un environnement tamisé, nous sommes conviés à regarder la série Black Dada Drawing / Dessin Dada Drawing (2021). Chaque encre sérigraphique sur papier (2 feuilles) porte une lettre de l’alphabet. Pour quelle raison ? Pourquoi ont-elles été intégrées au projet ? Que représentent-elles ? Plusieurs pistes sont offertes, à vous de choisir.

Si le Museum of Mordern Art (MoMA) a eu la chance de présenter dans son hall d’entrée le travail d’Adam Pendleton durant ces derniers mois, aujourd’hui, c’est à notre tour de profiter de cette première exposition individuelle au Canada d’un trentenaire à la démarche pertinente.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Petit rappel avant le dévoilement du grand ou de la grande gagnant(e) de cette 14e remise du prix du Club des Irrésistibles.

À tous les membres du jury : vous avez jusqu’au mardi 19 avril pour me faire connaître, à même ce courriel, votre choix parmi les six oeuvres en lice. Aucun commentaire n’est requis, juste m’indiquer le titre qui a retenu votre attention.

Les résultats seront dévoilés dans l’Infolettre du jeudi 21 avril prochain. La lutte s’annonce très chaude si je me fie aux votes déjà compilés !

L’artiste vancouverois, Stan Douglas, va représenter le Canada à la 59e Biennale de Venise qui ouvre ses portes le 23 avril prochain. En attendant, vous avez jusqu’au 22 mai 2022 pour voir gratuitement à la Fondation PHI pour l’art contemporain dix-sept de ses grands formats photographiques en couleur. Une occasion de vous familiariser avec son travail.

Cette exposition, Dévoilements narratifs, comprend deux séries : la première, intitulée Disco Angola (2012), se trouve au 451, rue Saint-Jean dans le Vieux-Montréal. Elle est composée de huit photographies panoramiques – quatre prises en Angola et quatre à New York. Stan Douglas s’est mis dans la peau d’un photojournaliste fictif « appelé à documenter simultanément la lutte de l’Angola pour son indépendance vis-à-vis du Portugal au début des années 1970 et la montée du disco comme mouvement contre-culturel dans un New York de la même époque ». L’expérience est tout simplement captivante !

La seconde, Penn Station’s Half Century (2021), présentée sur la même rue, mais quelques portes plus loin, compte neuf autres impressions numériques chromogènes. Il s’agit ici d’une commande faite par « l’Empire State Development et le Public Art Fund de New York pour la réfection du Moynihan Train Hall ». Peut-être êtes-vous parmi ceux et celles qui ont eu l’opportunité de fouler le sol de l’ancienne Penn Station (également appelée Pennsylvania Station), en fonction de 1910 à 1963, avant d’être démolie et remplacée par le Madison Square Garden. Idée ingénieuse du photographe qui a reconstitué des événements qui se sont déroulés dans ce lieu new-yorkais. Images saisissantes et de très belles textures.

Je pensais que regarder dix-neuf photographies me prendrait peu de temps. Nenni. J’étais magnétisée par le processus de l’artiste sexagénaire et je n’ai cessé de revenir sur mes pas pour découvrir, à chaque fois, un détail qui m’avait échappé.

Deux petites précisions : Stan Douglas a demandé à Cheryl Sim, directrice générale de la Fondation PHI, et commissaire de l’exposition, de n’apposer aucun cartel explicatif à côté des oeuvres pour que nous puissions nous faire notre propre scénario. Par contre, un audioguide français et anglais (sans frais) est mis à notre disposition pour enrichir notre visite.

La Fondation PHI fête ses 15 ans d’existence cette année. Quel beau cadeau que cette exposition ! Nous pourrions, à notre tour, les en remercier en fréquentant cette institution culturelle unique en son genre. Qu’en dites-vous ?

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Certains n’aiment pas l’hiver et n’en peuvent plus du froid. Je vous promets que vous trouverez assurément de quoi vous réchauffer d’ici l’arrivée du printemps si vous allez du côté de la rue Sherbrooke : le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) présente, jusqu’au 16 octobre 2022, L’heure mauve, une exposition haute en couleur, un voyage inoubliable entre la rêverie et la réflexion.

Considéré par plusieurs comme le « maître de la figuration symboliste », Nicolas Party, né en 1980 à Lausanne, travaille surtout avec du pastel tendre sur lin, que ce soit pour ses paysages ou ses natures mortes.

Le titre de l’exposition est emprunté au tableau d’Ozias Leduc – que l’on peut voir dans la quatrième salle. Cette fameuse « heure mauve » se situe à un point de jonction entre le jour et la nuit. Nous pourrions rajouter qu’entre les pastels des années 2000 (de 2014 à 2021) de Nicolas Party et les toiles des artistes des siècles derniers, entre la nature dans ce qu’elle a de plus beau à nous offrir et sa destruction par l’homme, entre les arts visuels et la musique, l’art répond à l’art.

Les sept salles du Pavillon Michal et Renata Hornstein sont ainsi revisitées par le talentueux artiste new-yorkais d’origine suisse qui est également le commissaire de l’exposition.

Tout a été intelligemment pensé et agencé, à commencer par l’entrée des salles qui déclinent des couleurs allant du bleu au rouge, du vert au rose. Pour déambuler d’une pièce à l’autre, nous devons passer sous une arche, ce qui donne immédiatement à voir une œuvre phare. Quelle belle idée !

Également, tout au long de notre parcours, 19 chaises et/ou fauteuils tirées de la collection du MBAM sont disposées de telle manière qu’on a l’impression qu’elles sont là pour nous inciter à prendre le temps d’admirer ce qui nous entoure – même s’il est interdit de nous y asseoir.

Certaines œuvres, tant canadiennes (Tom Thomson, Anne Savage, Franklin Carmichael, Emily Carr, Lawren S. Harris) qu’européennes (Ferdinand Hodler, Gustave Courbet, Nicolas Poussin, Alberto Giacometti, Charles Meynier), propriétés du Musée (sauf deux appartenant à Party), ont inspiré son travail. Un dialogue s’installe donc entre le moderne et l’ancien, le présent et le passé. Par exemple, dans la troisième salle, on retrouve Portrait avec avocat (2021), pastel tendre sur lin de Nicolas Party et la détrempe et huile sur contreplaqué d’Otto Dix, Portrait de l’avocat Hugo Simons (1925). Le résultat est captivant !

Les paysages de Nicolas Party montrent à voir, en grande majorité, des arbres dénudés, squelettiques. La vie s’en est allée, la destruction de la nature par l’homme a pris le dessus. Ce triste constat nous fait réaliser, plus que jamais, l’urgence de la situation. C’est d’ailleurs l’une des forces de cette exposition, celle de nous faire réfléchir à ce que l’on pourrait poser comme geste pour freiner cette hécatombe.

La dernière salle regroupe 12 sculptures (acrylique et huile sur coque en fibre de verre, mousse de polyuréthane haute densité) de Nicolas Party : des têtes de dimensions hors norme ou des bustes sur lesquels sont peintes de petites bêtes (papillon, salamandre, vers, serpent, grenouille, escargot). L’effet est saisissant !

Seul regret : les quatre œuvres murales faites in situ par Nicolas Party seront détruites lorsque prendra fin l’exposition, à l’image de l’art performatif. C’est comme si le mur couvert de poussières (le pastel sec utilisé par l’artiste a cette caractéristique) deviendrait inévitablement poussières d’étoiles !

N’oubliez pas d’apporter votre téléphone intelligent et vos écouteurs, car l’expérience est bonifiée, de très belle façon, par la musique. Parmi les 14 chansons que l’on peut entendre – il est conseillé d’en écouter deux par salle –, la moitié résulte du travail de l’auteur-compositeur-interprète Pierre Lapointe, tandis que les sept autres laissent à entendre du Léo Ferré, Félix Leclerc, Charles Aznavour, Kurt Weill, Gilles Vigneault, pour ne nommer que ceux-là. Filiation, ici aussi, entre le contemporain et les classiques !

Travail de longue haleine de la part de l’artiste, bien sûr, mais également du directeur général du MBAM, Stéphane Aquin et de la conservatrice en chef du musée, Mary-Dailey Desmarais. On en redemande !

Le catalogue de l’exposition ne sera disponible qu’à partir du mois d’avril et il faudra attendre l’été pour se procurer le vinyle de Pierre Lapointe. Mais d’ici là, vous pouvez écouter l’album sur toutes les plateformes numériques. Bonne visite visuelle et auditive !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Le Club des Irrésistibles a reçu 572 coups de cœur littéraires en date du 9 décembre 2021, sans compter les pièces de théâtre, les expositions, les films/séries, la musique. Un grand, grand merci de votre fidèle participation.

Comme il y a deux romans ex æquo, les quelque 115 membres du jury du prix du Club des Irrésistibles auront exceptionnellement à lire, d’ici la fin du mois d’avril 2022, six titres – les plus appréciés durant l’année.

1- Betty de Tiffany McDaniel (Gallmeister, 2020)

2- Kukum de Michel Jean (Libre Expression, 2019)

3- Le Train des enfants de Viola Ardone (Albin Michel, 2019, 2021)

4- Trois de Valérie Perrin (Albin Michel, 2021)

5- À train perdu de Jocelyne Saucier (XYZ éditeur, 2020)

6- Nickel Boys de Colson Whitehead (Albin Michel, 2019, 2020).

L’ordre est aléatoire. Bonnes lectures !

Connaissez-vous le 1700 La Poste situé sur la rue Notre-Dame Ouest à un pas de la rue Guy ? La vocation première de cet édifice au début du XXe siècle était celle d’un bureau de poste. Il s’agit maintenant d’un centre d’exposition unique en son genre mis sur pied par Isabelle de Mévius qui signe le commissariat de la stimulante exposition Retournements et détournements, 32 sculptures réalisées ces trente dernières années par le talentueux Gilles Mihalcean.

Depuis son ouverture au mois d’octobre 2013, le 1700 La Poste a présenté une quinzaine d’artistes contemporains. Le flair et les goûts de sa directrice générale et artistique, Isabelle Mévius, sont variés et indéniables. Je n’ai jamais, à ce jour, regretté mon déplacement.

Né en 1946 à Montréal, Gilles Mihalcean a commencé sa carrière alors qu’il était dans la jeune vingtaine et n’a cessé, depuis 51 ans, de nous surprendre agréablement.

Parmi les œuvres exposées, certaines sont des prêts du Musée des beaux-arts de Montréal, du Musée national des beaux-arts du Québec, de collectionneurs privés ou sont la propriété de l’artiste.

Il faut porter une attention particulière à plusieurs sculptures de grandeurs et de formes différentes car, plus on les regarde, plus on découvre un détail qui nous a échappé au premier coup d’œil. Quelques-unes d’entre elles doivent être vues de près pour en déceler certaines composantes (par exemple, Buste 2020, bois et peinture), cachant parfois des éléments insoupçonnés, alors que d’autres doivent être observées à distance comme Tête d’enfant (2013, plâtre et sisal).

Mihalcean, cet être curieux et imaginatif, déconstruit l’image, joue avec les matériaux, les « détourne » de leur sens premier ; à nous, ensuite, le plaisir de deviner de quoi il en retourne.

Une multitude de sujets sont abordés, à commencer par la cosmologie – qui a l’air de fasciner Mihalcean – et le trou de verre qui permet de voyager d’un trou noir à un autre ; des sculptures plus personnelles sont aussi montrées au public, dont Le nouveau paysage (1991-2021, plâtre, peinture et sisal) modelage du fils de l’artiste à l’âge de 10 ans avec une touche de couleur faite au spray sur des parties du corps.

En pénétrant dans l’ancien coffre-fort de l’établissement, une reconstitution miniature de l’atelier de Mihalcean : table sur laquelle on retrouve quelques outils de travail dont sept petites râpes, des crayons et trois mots écrits par l’artiste. À l’arrière plan, une photo du studio qui nous donne l’impression que Mihalcean va entrer dans la pièce et se mettre au travail.

Vous avez jusqu’au 16 janvier 2022 pour constater par vous-mêmes l’énergie, l’originalité et la créativité qui se dégagent des œuvres de cet artiste aujourd’hui âgé de 75 ans…

Je suis repartie du 1700 La Poste le sourire aux lèvres et la tête remplie de questions existentielles. Je ne peux même pas dire que vous en aurez pour votre argent, puisque l’entrée est gratuite.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Montée en à peine cinq mois par Mary-Dailey Desmarais, conservatrice en chef au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM), en collaboration avec l’équipe des conservatrices et conservateurs du Musée, « Combien de temps faut-il pour qu’une voix atteigne l’autre ? » est présentée au MBAM jusqu’au 13 février 2022.

À la base de cette exposition, il y a l’œuvre Triptyque (1990-1991) de Betty Goodwin. Fait rare, il est possible aussi de marcher sur ce titre. Oui, oui, vous avez bien lu. Avant d’entrer dans la verrière du Musée, tout de suite à votre droite, on aperçoit deux oreilles en bronze de l’artiste montréalaise (1923-2008). Jetez ensuite un œil quelques étages plus bas. On peut lire sur le plancher : « Combien de temps faut-il pour qu’une voix atteigne l’autre ? » L’aviez-vous déjà remarqué ?

Inspirée d’un vers tiré du recueil The Country Between Us (1981) de la poétesse, professeure et activiste américaine Carolyn Forché, la question posée dans le titre est intéressante et d’autant plus pertinente depuis le 13 mars 2020. De tout temps, les gens s’expriment à travers l’art ou d’autres médiums. Mais pour qu’un échange ait lieu, il faut écouter l’autre. Avons-nous vraiment l’oreille tendue ?

Si les salles sont divisées par thèmes, le sujet commun est la « voix » dans tous les sens du terme. Les 40 œuvres exposées ont été puisées à même la collection du Musée. Certaines ont déjà été montrées au public, d’autres étaient dans les réserves, tandis que quelques-unes ont été acquises ces derniers mois.

Parmi les 31 artistes du Québec et d’ailleurs, 13 femmes et non des moindres : Nadia Myre, Hannah Claus, Irene F. Whittome, Elisapi Inukpuk…

Que les oeuvres soient contemporaines (Ying Gao, Yves Gaucher) ou classiques (Fabritius Barent ou Jusepe de Ribera), qu’il s’agisse d’installations (Rafael Lozano-Hemmer, Yann Pocreau) ou de techniques mixtes, de sculptures (Auguste Rodin, Mattiusi Lyaituk), de toiles ou de photographies (Geneviève Cadieux), toutes nous parlent d’une manière ou d’une autre.

Il y a aussi des installations sonores, dont celle de Rebecca Belmore qui ouvre l’exposition. La dernière salle du parcours nous laisse entendre le Salisbury Cathedral Choir dans une composition musicale de Thomas Tallis, organiste anglais de la Renaissance. Cette installation audio de 14 minutes, signée par Janet Cardiff, comprend 40 haut-parleurs qui diffusent autant de voix singulières. Il y a quelques années, j’avais déjà été subjuguée par cette magnifique polyphonie qu’offrait le Musée des beaux-arts du Canada, mais quel bonheur de pouvoir à nouveau réentendre ce motet !

L’installation de Shilpa Gupta Car, dans ta langue, je n’ai pas ma place : 100 poètes emprisonnés (2017-2018), comprenant 100 livres coulés en bronze à canon vissés à une table en bois m’a particulièrement touchée, d’autant plus que les poètes emprisonnés l’ont été pour leurs idées politiques. J’ai aussi beaucoup apprécié l’aquarelle, encre sur traits à la mine de plomb et broderie de fils intitulée La beauté dans nos traits (2019) de Nancy Saunders. Revoir le moulage en plâtre Yes, We Love You de Stanley Février réalisé à la suite du décès de l’Afro-Américain George Floyd le 25 mai 2020, procure un moment de grande émotion.

Toujours au niveau 3 du pavillon Jean-Noël Desmarais, on peut voir jusqu’au 13 février 2022, Hors cadre : oeuvres des artistes parmi nous dont le commissariat est assuré par l’équipe des conservatrices et conservateurs du MBAM.

La particularité de cette exposition ? Les 44 œuvres – tirage numérique, technique mixte, acrylique, aquarelle, huile sur toile, gouache –, ont été créées par 28 employé(e)s qui occupent divers postes au MBAM : médiateurs-trices, responsable des activités culturelles ou coordonnatrice de projets, technicienne à la restauration, commis à la clientèle, guides bénévoles, technicien aux expositions ou à la restauration… On sent la volonté de la nouvelle équipe du Musée d’intégrer leur savoir-faire. C’est tout à leur honneur !

Il est intéressant de connaître une autre facette de ceux et celles que l’on côtoie parfois en allant au Musée. Mais comment pouvait-on soupçonner que s’y cachaient autant de talents artistiques ? Bonnes visites !

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En 1992, le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) proposait en ses murs Karsh : l’art du portrait, exposition organisée par les Archives nationales à Ottawa. Nous avions pu admirer 200 photographies prises par le talentueux Yousuf Karsh. Cette année-là marquait aussi la fermeture du studio de l’artiste à Ottawa.

Vingt-neuf ans plus tard, le point de départ de cette nouvelle exposition, L’Univers de Yousuf Karsh : l’essence du sujet présentée au MBAM jusqu’au 30 janvier 2022, est l’inestimable don de 111 épreuves à la gélatine argentique que l’on doit à Estrellita Karsh, la veuve du photographe, et à l’Estate of Yousuf Karsh. De ce nombre, il faut rajouter une œuvre qui faisait déjà partie de la collection du Musée, celle de Jean Paul Riopelle datée de 1965, offerte à l’époque par l’artiste.

Connaissons-nous vraiment Yousuf Karsh, considéré « comme l’un des plus grands photographes portraitistes du XXe siècle » ? Ce Canadien d’origine arménienne est né le 23 décembre 1908 à Mardin en Turquie et est décédé le 13 juillet 2002 à Boston.

En 1922, la famille quitte l’Arménie, fuyant les atrocités perpétrées en 1915. À peine âgé de 16 ans, Karsh arrive seul à Halifax le jour de l’An 1924 où l’attend celui qui va l’initier à la photographie, son oncle maternel qui habite Sherbrooke. Deux ans plus tard, Karsh prend ses premières photos, tandis qu’en 1928, il a l’opportunité de travailler à Boston auprès du célèbre photographe portraitiste américain John Garo (1870-1939) qui devient son mentor. En 1992, après plusieurs décennies à tirer le portrait des uns et des autres, Karsh met un trait à sa fructueuse carrière.

Il faut porter une attention particulière à la deuxième partie du titre, car il dénote le savoir-faire de Karsh qui réussissait à capter « l’essence du sujet » qu’il photographiait. Moult exemples ici, dont celui de Winston Churchill (1941) que l’on peut voir, pour une rare fois, sans son éternel cigare. Pour y arriver, le « sujet » doit avoir confiance en celui qui est derrière l’objectif. Jetez un œil aux cartels, vous ferez des découvertes étonnantes et lirez des anecdotes savoureuses.

Karsh a autant photographié des politiciens – je ne cite que quelques noms que l’on retrouve dans l’exposition : Nelson Mandela, Fidel Castro, John G. Diefenbaker, Pierre Elliott Trudeau, John F. et Jacqueline Kennedy… que des artistes (toutes disciplines confondues) ainsi que des gens « ordinaires ».

Du côté cinéma et théâtre, que de choix avec les inoubliables Ingrid Bergman, Humphrey Bogart, Anita Ekberg, Joan Crawford, Anna Magnani, Brigitte Bardot et Gratien Gélinas.

Les arts visuels ne sont pas en reste : Georgia O’Keeffe, Andy Warhol, Alexander Calder, Max Ernst, Picasso, Joan Miró, Alberto Giacometti, Marc Chagall, A. Y. Jackson et Jasper Johns.

Dans le domaine musical, Pablo Casals, Glenn Gould et Kurt Weill, côtoient des danseurs tels Rudolf Noureïev et Martha Graham.

Les scientifiques Albert Einstein et Albert Schweitzer, le médecin psychiatre Carl Jung, l’explorateur océanographique Jacques Cousteau, les architectes Ludwig Mies van der, Frank Llyod Wright ou le sportif Muhammad Ali, font partie de la riche diversité des portraits pris par Karsh.

Également quelques travailleurs canadiens en pleine action, tels des sidérurgistes, un fabricant de voiles du Nouveau-Brunswick, des cultivateurs ou des cow-boys de Calgary.

Mais je dois avouer un faible, vous connaissez ma passion pour la littérature, pour les portraits d’écrivains. Comment ne pas tomber sous le charme en voyant Marguerite Yourcenar, André Malraux, François Mauriac, Tennessee Williams, George Bernard Shaw, Hemingway, Somerset Maugham, Robertson Davies, Isaac Bashevis, Vladimir Nabokov et Yasunari Kawabata.

Yousuf Karsh était doté d’un indéniable souci du détail, agrémenté d’un instinct qui lui a bien servi, sans omettre qu’il « était aussi un as du tirage d’épreuve et savait habilement jouer avec la lumière ».

On peut se procurer le catalogue bilingue, abondamment illustré, accompagné de textes de Stéphane Aquin, directeur général du MBAM et d’Estrellita Karsh. Soulignons aussi la contribution d’Hilliard T. Goldfarb, conservateur sénior des collections et conservateur des maîtres anciens au MBAM qui, après 23 ans au Musée, vient de signer son dernier commissariat.

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Certains se demanderont pourquoi publier un livre 36 ans après l’avoir écrit et, surtout, pourquoi Pierre Lemaitre ne l’avait-il jamais envoyé à un éditeur ! Si on aime Le Serpent majuscule (Albin Michel, 2021), on va se réjouir de la publication de ce roman noir, sinon on risque de l’abandonner en cours de route.

L’action se déroule du 5 mai 1985 au 21 septembre de la même année. Le personnage principal, Mathilde Perrin, ancienne Résistante devenue tueuse à gages, est, comme la décrit l’auteur « petite, large et lourde ». Résumer son caractère en trois mots : impatiente, impulsive et colérique, serait un peu réducteur. Mathilde est une femme qui, durant la Deuxième Guerre mondiale, a fait preuve de courage, n’a eu peur de rien et surtout, a su garder son sang-froid… ce qui lui a d’ailleurs valu la médaille de la Résistance.

Sur la page couverture, un dalmatien. Possiblement, Ludo, le chien de Mathilde. Elle y est très attachée. Cette mère de famille de 63 ans, au parcours singulier, est veuve depuis 25 ans déjà. Née au sein d’une famille bourgeoise, dont le père était médecin, elle vit seule à Melun en Seine-et-Marne et a, comme voisin, un certain M. Lepoitevin, qui lui tombe passablement sur les nerfs.

Mathilde a fait la connaissance d’Henri Latournelle – pour qui elle a toujours eu un petit faible – alors qu’il dirigeait un réseau de résistance dans le sud-ouest de la France. À la fin de la guerre, silence radio. Plus aucune nouvelle de lui, jusqu’à cette année 1961 où Henri la contacte pour lui confier son premier contrat comme tueuse à gages. Maintenant âgé de 70 ans, il vit seul dans sa maison située près de Toulouse et renoue de visu avec Mathilde, même s’il enfreint les règles.

Il y a d’abord un premier meurtre, en pleine avenue Foch à Paris, alors que Maurice Quentin « patron d’un consortium international et homme d’influence promenait son teckel ». Prend-elle des risques inutilement ? Pourquoi Mathilde ne respecte-t-elle pas les consignes, dont celle de se débarrasser de son arme une fois le boulot accompli ? Elle devrait aussi utiliser de petits calibres, mais elle n’en fait qu’à sa tête et se sert surtout d’un .44 Magnum. C’est sans compter ses pertes de mémoire, de plus en plus fréquentes, qui risquent de compromettre les opérations qu’on lui confie.

Chaque cible est différente : riche ou pauvre, homme ou femme, jeune ou vieux, en pleine rue, dans un parking ou au domicile de la victime. Une chose, par contre, ne change pas : le modus operandi de Mathilde, sa signature. Elle attend les ordres d’Henri, puis passe à l’acte. Les meurtres ont-il un lien entre eux ? Qui passe les commandes ? Qu’ont fait les victimes de si terrible pour se faire rayer de la carte ?

René Vassiliev est chargé d’interroger la veuve Quentin. Russe par son père, Vassiliev, trentenaire, est un bon enquêteur au sein de la police judiciaire. Il a peu d’activités en dehors de son travail, sauf celui de rendre visite à M. de la Hosseray, 87 ans, qui avait subventionné les études du jeune garçon qui venait alors de perdre son père, chauffeur de taxi.

Malgré quelques redites, on ne peut s’empêcher de rire à plusieurs reprises tellement cette Mathilde est impayable. L’humour noir de Lemaitre était déjà présent dans ce premier roman. Loin d’être un livre inoubliable, Le Serpent majuscule est parfait comme lecture durant les vacances d’été. Ah oui ! Je vous paye la crème glacée de votre choix si vous devinez la fin !

Cette oeuvre a déjà été suggérée par le Club des Irrésistibles, lire ici.

Si vous allez au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) voir l’exposition de Riopelle : à la rencontre des territoires nordiques et des cultures autochtones, profitez de l’occasion pour faire un tour au niveau S2 du Pavillon Jean-Noël Desmarais où l’on peut voir jusqu’au 27 février 2022, Écologies : ode à notre planète.

Qui ne s’intéresse pas aux changements climatiques ? Qui n’est pas inquiet de l’état de notre planète ? L’exposition organisée par le MBAM sous le commissariat d’Iris Amizlev, conservatrice des arts interculturels au musée, fait partie des propositions artistiques nous mettant devant une réalité qui aborde les questions du déboisement, des eaux polluées, des récifs coralliens qui se meurent, des conséquences des pesticides sur les fruits et légumes, de la fonte de glaciers, de la pollution et des émissions de gaz à effet de serre en constante augmentation, de la perte d’habitats autant du côté de la faune que de la flore, de la surexploitation, etc. Sommes-nous à une étape irréversible ou peut-on espérer que l’ère industrielle et l’activité humaine puissent se stabiliser et, mieux encore, s’améliorer ?

Mais comme l’indique le sous-titre de l’exposition, Ode à notre planète, il y a également parmi la soixantaine d’oeuvres présentées – dont quelques-unes pour la première fois – des paysages lumineux et inspirants.

Il y a de tout pour tous les goûts : photographies (épreuve à la gélatine argentique, impression à jet d’encre), sculptures (stéatite, pierre, ivoire, os de baleine), peintures (huile, acrylique), dessins (fusain, crayon), installations (dont celle du trio BGL, une motoneige accidentée suspendue au plafond) et vidéos.

Les artistes proviennent autant du Québec (Jocelyne Alloucherie, Isabelle Hayeur, Laurie Walker, Michael Flomen) que du reste du Canada (Kent Monkman, Julie Moos, Kim Dorland), des États-Unis (Jessica Huston, Robert Longo, Justine Kurland), d’Europe (France, Italie, Allemagne, Suisse, Angleterre) et du Danemark (Olafur Eliasson). Sans oublier la représentation, entre autres, du Nunavut (Shuvinai Ashoona, Betsy Meeko) et du Nunavik (Isa Aqiattusuk Smiler, Peter Qumaluk Itukalla, Qumaluk Tukalak).

Le musée nous convie aussi à entendre, dans une salle à l’abri de la lumière et du bruit, la vidéo Requiem pour un glacier du compositeur Paul Walde. Expérience de 40 minutes assez unique ! Cinquante musiciens ont escaladé le 27 juillet 2013 le glacier Farham en Colombie-Britannique pour interpréter cet oratorio en quatre mouvements. Pourquoi une telle démarche ? Essentiellement pour deux raisons : nous faire prendre conscience de la fonte des glaces (certaines images filmées le démontrent éloquemment) et pour nous rappeler que si un projet avait vu le jour – la construction d’une station de ski – cela aurait, sans aucun doute, accéléré la destruction du site situé dans « une région sacrée pour les membres de la Première Nation de Ktunaxa ».

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Pauline Gélinas nous avait offert l’an dernier, Trahisons, premier tome de sa série La Brochure. Voici enfin Dépossessions (Québec Amérique, 2021), la suite de cette saga qui renoue avec les Pylypow, famille d’immigrants ukrainiens débarquée au Manitoba en 1902 avec la promesse d’une vie meilleure.

On ne peut réécrire l’Histoire, mais il y a des décisions prises par le gouvernement canadien – que ce soit du côté des immigrants, des Métis, des Autochtones, pour ne nommer que ceux-là –qui sont peu glorieuses et qu’on aimerait pouvoir effacer de la réalité. C’est le cas de ces camps de concentration de Spirit Lake, en Abitibi, et de Kapuskasing, en Ontario, là, où les Pylypow se sont retrouvés durant cinq ans. Pour quelles raisons ?

À son retour à Sifton au Manitoba, le 25 février 1920, Olya Pylypow, aujourd’hui âgée de 53 ans, accompagnée de Taras, son fils, et de ses deux petits-enfants, Mikhaïlo et Vassil, n’a qu’un désir : retrouver ses terres de 160 acres et sa maison construite par Yourij, son défunt mari, qui a perdu la vie durant son internement. C’est leur voisin, le Métis Alexis Lemay, qui est venu chercher la famille à la gare et les ramener en carriole jusqu’à « leur » maison…

Au fur et à mesure que l’histoire progresse, on imagine le pire qui, effectivement, se produit en 2014 au moment du décès de Mikhaïlo, le grand-père centenaire d’Anna. Il lui a laissé cinq cassettes sur ruban, trop lâche pour lui dire de visu la vérité, lui apprendre ses « vraies » origines.

Mais à l’insu de sa mère, à qui était destinée lesdites cassettes, c’est Léna, 17 ans, qui va prendre connaissance du contenu des enregistrements. Plus elle avance dans leur écoute, plus l’incompréhension et la colère montent. Mais que contiennent-elles de si compromettant ? C’est là le sel de ce récit. Nous le découvrons en même temps que les personnages !

Certains pourraient reprocher à l’écrivaine de ne pas avoir mis un arbre généalogique au début du roman… sauf que, si Pauline Gélinas l’avait fait, elle nous aurait dévoilé les liens entre certains protagonistes et, par le fait même, enlevé de sa superbe à l’intrigue.

On referme le roman à regret. Quitter ces personnages qui ont eu leur lot de trahisons, de dépossessions, de mensonges, de secrets… m’a amenée à me demander si une malédiction ne s’était pas abattue sur Olya et sa descendance ? Pourrait-on parler ici d’épigénétique du malheur ? In fine, le pardon et une certaine forme de réconciliation seront-ils possibles ?

Organisée par le Musée des beaux-arts de Montréal, Ninga Mìnèh (la promesse) est une exposition inspirante, dont le commissariat a été confié à Sylvie Lacerte.

Présentée dans la salle du Carré d’art contemporain jusqu’au 1er août 2021, on s’émerveille des 18 œuvres, la plupart réalisées en 2021, de la talentueuse Caroline Monnet, d’origine anishinaabe, par sa mère, et française, par son père.

La mi-trentaine, l’artiste multidisciplinaire a déjà vu sa carrière honorée de plusieurs prix prestigieux. Elle se voit aujourd’hui offrir sa première exposition solo dans un musée canadien, grâce à laquelle l’on découvre une autre facette de la culture autochtone alors qu’elle revisite, de façon intelligente et originale, le territoire. On en redemande !

Voir les matériaux de construction industrielle qu’elle utilise et comment elle réussit à les transformer pour en faire quelque chose de visuellement beau – membrane pare-air, laine minérale, membrane d’étanchéité, gypse, mousse de polystyrène –, cela nous rappelle les conditions de vie dans lesquelles évoluent encore de nos jours les communautés autochtones du Canada (Premières Nations, Inuits et Métis) : infrastructures déficientes, manque de logements et de ressources… Sur l’un des cartels, on peut lire : « […] que 56 communautés autochtones du Canada n’ont toujours pas accès à de l’eau courante ». L’une des conséquences de cet état de fait, c’est l’exode des jeunes qui partent de leur réserve pour venir s’installer en ville.

Au centre de la salle, une magnifique installation comporte deux structures : Pikogan (abri), une maison en forme de dôme montée avec des tuyaux en polyéthylène réticulé, et Des fissures jaillit la lumière, faite de panneaux sculptés, à la saveur orientale. Comme les derviches, on tourne autour sans jamais se lasser.

Plusieurs savoir-faire ancestraux sont mis à l’honneur, mais appliqués à des matériaux de notre époque. Prenons simplement l’exemple des très belles broderies colorées, réalisées en un premier temps sur ordinateur, puis cousues à la machine. Certaines font penser à des codes QR ou évoquent « des circuits intégrés (micropuces), ou encore un plan urbain délimitant des territoires vus du ciel ».

Les alchimistes avaient tenté de transformer le plomb en or, Caroline Monnet, pour sa part, réussit à faire de matériaux bruts une matière poétique d’une grande richesse.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Malgré le fait que nous soyons d’une certaine manière plus ou moins confinés en cette veille de Noël je désire, en mon nom et en celui de toute l’équipe des Irrésistibles, vous souhaiter de profiter de ces quelques jours de congé pour vous reposer, prendre l’air et, bien sûr, plonger dans un bon livre. On se retrouve la semaine prochaine pour le dernier envoi de 2020.

Je suis loin, très loin d’être spécialiste de l’œuvre de Jean Paul Riopelle. Lorsque j’ai commencé à écrire ce texte pour vous parler de l’incroyable exposition Riopelle : à la rencontre des territoires nordiques et des cultures autochtones qui devait ouvrir ses portes le 21 novembre dernier, je me suis dit que les experts allaient le faire mille fois mieux que moi.

Mais comme je voulais absolument vous en glisser un mot, j’ai décidé de laisser parler mon cœur et les émotions qu’a suscité ce que j’ai eu le privilège de voir au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM). Souhaitons que l’institution de la rue Sherbrooke puisse, en 2021, ouvrir ses portes aux visiteurs le plus tôt possible !

Stéphane Aquin, le nouveau directeur du MBAM, a donc pris au vol cette exposition dont l’idée de départ revient à la fille aînée de Riopelle, Yseult, et à Nathalie Bondil, ex-directrice générale et conservatrice en chef du musée.

Le MBAM qui possède plusieurs centaines d’œuvres de Riopelle n’en est pas à sa première exposition de cet artiste hors du commun, né le 7 octobre 1923 à Montréal et décédé le 12 mars 2002 à l’Isle-aux-Grues. Mais ce qui la distingue de celle présentée en 1991 et des rétrospectives de 2002 et 2006, c’est, comme l’indique son titre, le rapport de Riopelle à la nordicité et aux cultures autochtones. « Elle innove en particulier par l’inclusion de la littérature scientifique qui a nourri Riopelle, celle des Marius Barbeau, Guy Mary-Rousselière et autres Claude Lévi-Strauss. »

À travers le parcours chronologique et thématique que propose l’exposition qui aurait pu, par ailleurs, s’intituler « Homme de nature et de culture » il y a les fameuses séries dont, entre autres, Hiboux (1973), Icebergs (1977), Jeux de ficelles (1971-1972) et Rois de Thulé (1973). On note aussi des ponts entre les créations de Riopelle et celles des Premières Nations, mises parfois côte à côte ou se retrouvant dans une même salle. Fascinant !

Parmi les œuvres et les artefacts présentés, il y en a une trentaine qui proviennent d’artistes autochtones. On retrouve également des lithographies d’Henri Matisse, le beau-père de Georges Duthuit – collectionneur et ami de Riopelle –, des vidéos où l’on écoute André Breton donner une définition du surréalisme ou celle de la designer québécoise Marie Saint Pierre (née Marie-Josée Charest, fille de Champlain Charest, grand ami de Riopelle) qui parle de la relation qu’entretenait sa famille avec leur voisin Jean Paul Riopelle à l’Estérel, dans les Laurentides.

Pointer une peinture, une sculpture ou une œuvre sur papier des années 50, 60 ou 70 plutôt qu’une autre, ne serait pas rendre justice à ce grand artiste québécois. Mais nous avons déjà le souffle coupé dès les marches du pavillon Hornstein franchies. Trône dans le hall Point de rencontre – Quintette (1963) huile sur toile qui devait se retrouver à l’aéroport Pearson à Toronto à côté de laquelle on découvre Un cadeau de Doreen / A Gift from Doreen (2016-2019), une toile – qui a servi de tipi – teinte à la main par Duane Linklater et que vient d’acquérir le MBAM.

Mais peut-être que la pièce la plus saisissante reste Fontaine (vers 1964-1977), un plâtre peint avec cordage. Quelle chance nous avons d’admirer cette sculpture monumentale à Montréal !

Le commissariat a été confiée à Jacques Des Rochers, conservateur de l’art québécois et canadien (jusqu’en 1945) au MBAM, à Andréanne Roy, historienne de l’art, et à Yseult Riopelle, auteure et éditrice, catalogue raisonné Jean Paul Riopelle. Grâce à eux trois, j’ai mieux compris la démarche, les influences et les sources d’inspiration de ce passionné qu’est Riopelle.

Après Montréal, l’exposition partira en direction de Whistler au Audain Art Museum et atterrira à Calgary au Glenbow Museum, à l’automne 2021.

Depuis le 1er décembre, et ce, jusqu’au 11 janvier 2021, la version 3D de l’exposition est offerte gratuitement sur le site du musée. Je vous souhaite, en un premier temps, une agréable visite virtuelle, puis une autre, au MBAM. Vous m’en donnerez des nouvelles !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) propose, jusqu’au 28 mars 2021, l’exposition Manuel Mathieu : Survivance, sous la gouverne de Sylvie Lacerte, conservatrice de l’art québécois et canadien contemporain. Premier solo dans un musée en Amérique pour « cette étoile montante », né en 1986 en Haïti et installé au Québec depuis bientôt quinze ans.

Qu’est-ce qui fait qu’un artiste est considéré comme une étoile montante ? Parce qu’il propose quelque chose de nouveau ? Qu’il a une vision artistique originale ? Une plus-value sur le marché ? Peut-être toutes ces réponses, peut-être aucune. Par contre, je sais que la seule question qui vaille à mes yeux est la suivante : est-ce qu’une œuvre me parle, vient me chercher, déclenche une émotion ?

Les 17 toiles de grands formats, en majorité des techniques mixtes, ainsi que l’installation in situ Ouroboros – 15 panneaux suspendus de toile roussie – créée expressément pour le Carré d’art contemporain, font partie de la production récente (2018 à 2020) de ce trentenaire. Mon œil a d’abord été attiré par la palette de couleurs utilisée, même si Manuel Mathieu se défend d’être coloriste, travaillant plutôt à l’instinct. Peu importe sa façon de procéder, le résultat est là. J’ai aussi été entraînée dans un tourbillon, une spirale où, plus l’on regarde une œuvre, plus l’on découvre des détails qui nous ont, à prime abord, échappé.

On retrouve dans plusieurs toiles, parfois subdivisées, des corps déformés et quelques rituels reliés à la culture haïtienne dont le vaudou qui l’inspire. On voit aussi des notes de musique : Manuel Mathieu a toujours dit qu’avant l’âge de 35 ans, il voudrait changer de carrière et devenir musicien. La nature, quant à elle, occupe une place centrale dans son oeuvre – il aime également jardiner. Les pistes, donc par le fait même notre interprétation, sont multiples, les réflexions infinies et la démarche intéressante même si certains aspects m’échappent encore !

Le titre de l’exposition lui a été inspiré par La Survivance des lucioles de Georges Didi-Huberman publié aux éditions de Minuit en 2009. Il est vrai que l’œuvre de Mathieu m’a, d’une certaine façon, fait penser à ces insectes qui émettent très brièvement un signal lumineux le soir venu. Le peuple haïtien en est un de survivance/résilience (près de 30 ans de dictature des Duvalier, père et fils), l’artiste lui-même a survécu à deux accidents (Londres et Montréal), dont l’un l’a laissé amnésique durant une semaine – regardez attentivement la représentation qu’il en faite avec Amnesia (2018) –, mais à chaque fois, la lumière rejaillit au bout du tunnel…

Il y a deux ans, Manuel Mathieu a été, et je cite, « le premier artiste canado-haïtien à intégrer la collection du MBAM, grâce au Fonds Hélène Couture. » Il y a quelques mois, il a décidé de mettre sur pied, avec « le concours de la Fondation du Musée », le Fonds Marie-Solange Apollon, « consacré à l’acquisition d’œuvres d’artistes québécois et canadiens peu ou pas représentés dans la collection du Musée. » Quelle belle initiative ! Le nom du fonds, est celui de sa grand-mère, malheureusement décédée il y a quatre ans, qui a beaucoup compté pour lui.

En terminant, sur une note un peu plus personnelle, j’ai eu le privilège d’assister à la visite de presse mardi dernier et je suis tombée sous le charme de Manuel Mathieu : un jeune homme généreux de son temps, honnête dans ses réponses et qui a, assurément, un bel avenir devant lui. Un artiste à découvrir, qui a déjà la cote auprès du public et de plusieurs institutions muséales.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Après avoir craint durant toute la période du confinement que les musées restent fermés, quel ne fut pas mon soulagement, et le vôtre sûrement, d’apprendre qu’il serait enfin possible d’y retourner.

Ainsi, pour ma première sortie muséale, je suis allée voir Paris au temps du postimpressionnisme : Signac et les Indépendants, présentée en exclusivité au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) jusqu’au 15 novembre prochain. J’y ai vécu un moment de grande émotion. On entend souvent dire que l’art fait du bien. En ces temps difficiles, cette affirmation prend tout son sens.

Organisée par le MBAM sous la direction de Nathalie Bondil, directrice générale et conservatrice en chef du musée, le commissariat a été confié à Mary-Dailey Desmarais, conservatrice de l’art moderne et contemporain international au MBAM et à l’historien Gilles Genty – qui n’en est pas à sa première collaboration avec le MBAM, puisqu’il a participé aux expositions Le Temps des nabis (1998) et à celle de Toulouse-Lautrec affiche la Belle Époque (2016).

Comme je ne suis pas spécialiste des différents mouvements en « isme », vous me permettrez de ne pas entrer dans le détail du néo-impressionnisme, nabisme, symbolisme, fauvisme, cubisme, etc. Par contre, je vous assure qu’il y a de quoi s’émerveiller, car vous retrouverez la plupart des grands noms de cette époque, parmi lesquels quelques femmes : Berthe Morisot (1841-1895), Marie Laurencin (1883-1956) et Eva Gonzalès (1849-1883).

Le collectionneur d’art européen à qui appartiennent les quelque 500 peintures et œuvres graphiques, désire rester anonyme. Une question de sécurité, sûrement. Amoureux des arts visuels, il a repris la collection de son père et ses descendants feront de même. Il est rassurant de savoir qu’une si imposante et impressionnante collection restera au sein de la famille.

Ce qui lie les salles les unes aux autres ce sont, comme l’indique le titre de l’exposition, les œuvres de Paul Signac (1863-1935) et le premier Salon des Indépendants de 1884. Créé à Paris par des artistes qui se voulaient libres de toutes contraintes, ce Salon a mis de l’avant tous les courants importants de la Belle Époque.

La scénographie sobre et efficace – portez aussi une attention particulière à la couleur des murs – est, encore une fois, l’œuvre de Sandra Gagné, chef de la production des expositions au MBAM, en collaboration avec Andrea Wolff de la firme Architem et Patrick Pellerin du studio Principal. L’ambiance sonore, fort agréable, est signée par Marie-Claude Senécal, réalisatrice d’ICI Musique.

Je ne peux passer sous silence l’imposant catalogue qui s’avère un complément incontournable, comprenant une somme colossale d’information et de visuel.

Le temps de ma visite au MBAM, j’ai fait le vide intérieur mais le plein de beauté, repartant ainsi d’un pas plus léger. C’est la grâce que je vous souhaite.

Sur le site du MBAM il est indiqué que l’on doit réserver la journée et l’heure à laquelle nous désirons voir l’exposition – pas plus de 35 visiteurs aux 15 minutes – et il est également recommandé de porter un masque. Pour le moment, il n’y a pas de visites guidées, mais en apportant vos écouteurs, vous pourrez profiter des audioguides « accessibles sur l’application mobile du MBAM, et ce, gratuitement. » Bonne visite !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Cherchez-vous une activité à faire en famille, seul(e) ou entre ami(e)s en ce lendemain de Noël ? Si vous n’êtes pas trop fatigué(e), si vous n’avez pas l’estomac trop à l’envers, j’ai la sortie idéale pour vous et… elle ne vous coûtera rien ?

Profitons de ce cadeau des Fêtes que nous offre le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) qui ouvre ses portes gratuitement jusqu’au 5 janvier 2020 (sauf pour Momies égyptiennes : passé retrouvé, mystères dévoilés).

Vous pourrez explorer la collection permanente ou d’autres expositions parmi celles que je vous propose aujourd’hui, les ayant vues au fil des dernières semaines :

Le MBAM inaugurait, en novembre dernier, au 4e étage du pavillon Jean-Noël Desmarais, l’aile Stéphan Crétier et Stéphany Maillery. Dix galeries complètement réaménagées et reconfigurées. Tout simplement fabuleux, une réussite sur toute la ligne.
La collection des Arts du Tout-Monde totalise environ 1500 objets et œuvres du 4e millénaire AEC à 2019, d’Afrique, d’Asie, de Méditerranée, du Moyen-Orient, d’Océanie et des Amériques. Il est impossible de tout voir en une seule visite. J’y suis déjà retournée trois fois.

Dans le Carré d’art contemporain, l’exposition « Tant le moindre de mes atomes t’appartient intimement » : oeuvres choisies de la collection Bailey propose quelque 75 oeuvres d’une cinquantaine d’artistes d’ici et d’ailleurs : Paterson Ewen, Tamara de Lempicka, Otto Dix, Albrecht Dürer, Kiki Smith, Peter Doig, Goya, Marina Abramovìc, Jack Chambers, Kim Dorland, etc.
La collection appartient à l’homme d’affaires, collectionneur et mécène ontarien, W. Bruce C. Bailey.

Les oeuvres que l’on peut contempler au Centre des arts graphiques du pavillon Jean-Noël Desmarais proviennent de la collection de Carol et David Appel.
L’exposition qui s’intitule Volte-face : photographies de Cindy Sherman, Laurie Simmons et Rachel Harrison laisse voir 61 photographies de trois artistes américaines contemporaines incontournables et de grand talent qui vivent et travaillent à New York.

Présentée dans une petite salle du pavillon Liliane et David M. Stewart, Obsession : la collection de céramiques japonaises de Sir William Van Horne nous fait découvrir une autre facette du célèbre homme d’affaires canadien d’origine américaine, William Van Horne (1843-1915) qui a « dirigé la construction du chemin de fer du Canadien Pacifique ». Fait moins connu : il était très bon dessinateur et aquarelliste.
Le MBAM présente 258 oeuvres et documents d’archives. En plus des 230 céramiques en grès, terre cuite, porcelaine, ivoire, argent ou en bois, il y a une trentaine d’aquarelles exécutées par Van Horne.

Peintures barbares : hommage à Jean McEwen, comme le nom de l’exposition le précise, on rend hommage à ce grand peintre québécois, né à Montréal en 1923 et décédé en 1999.
On revoit avec bonheur 23 aquarelles et plusieurs huiles sur toile datant de 1951 à 1998 et un court film des années 50 où Jean McEwen est filmé, entre autres, avec quelques membres de sa famille.

Joueuses/Joueurs : énigmes et jeux d’esprit en art contemporain est une exposition ludique, qui met de l’avant 32 œuvres très diverses de 27 artistes. Il y en a vraiment pour tous les goûts et tous les âges.

Si je n’ai plus de vos nouvelles dans les prochaines semaines, je saurai que vous avez pris chambre et pension au MBAM. Bonne(s) visite(s) et bonne fin d’année 2019 !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Si vous allez au Musée d’art contemporain (MAC) avant le 5 janvier 2020, vous pourrez voir, pour le même prix, six expositions dont celle consacrée à Janet Werner.

Je n’ai peut-être pas le vocabulaire ni les compétences nécessaires pour parler de manière appropriée du travail de Janet Werner, mais j’aime les arts visuels et j’avais envie de partager mes impressions avec vous.

Née en 1959 à Winnipeg, au Manitoba, l’artiste canadienne réside et travaille à Montréal depuis deux décennies. Après avoir passé les dix dernières années à enseigner à l’Université Concordia, Janet Werner prendra sa retraite à la fin de 2019.

Quand je suis devant une oeuvre de cette peintre, je vous mentirais si je vous disais que je comprends tout, mais son travail me parle, me questionne, m’amène dans des zones qui me sont moins familières. Je m’interroge sur l’intention de l’artiste derrière chacune de ses toiles. Pourquoi l’une d’elles me fait penser à Picasso avec la déconstruction ou la superposition de visages alors qu’une autre me ramène à Miró ? Lorsqu’elle remplace le visage d’une femme par « des photographies de modes trouvées » ou par un masque, que veut-elle nous dire ? Parfois les personnages regardent de côté, par terre, droit devant, dans une posture désinvolte ou, au contraire, dégagent une force de caractère…

Parmi le corpus de 31 huiles sur toile peintes de 2009 à 2019, quelques œuvres représentent son atelier montréalais. J’imagine alors l’artiste au travail, je m’imprègne de l’atmosphère qu’elle crée, je m’immisce en catimini dans son studio chargé de pinceaux, de tubes de couleur, de magazines de photographies de mode.

Dans les salles, la mise en place est très réussie – précisons que le commissariat de l’exposition a été confié à François LeTourneux, conservateur adjoint au MAC –, ce qui nous permet de déambuler à notre aise pour bien saisir le parcours de l’artiste.

En rafale, quelques lignes sur trois autres expositions que présente le MAC :

Réalisée en 2013 à partir des pages du Shorter Oxford English Dictionary, la vidéo Second-hand Reading (7 minutes) de l’artiste d’Afrique du Sud William Kentridge est animée de dessins sur une très belle musique de Neo Muyanga. Magnifique et envoûtant !

Bleu de bleu du montréalais Alain Paiement propose une installation composée de 32 éléments faits, entre autres, de vidéos et de photographies… Ce projet, réalisé dans le cadre du 375e anniversaire de Montréal, donne un éclairage insoupçonné à l’autoroute 20 sur une longueur de quelques kilomètres, soit de l’aéroport international Pierre-Elliott-Trudeau jusqu’au centre-ville.

Gisele Amantea, artiste née à Calgary et installée à Montréal, présente, dans la Rotonde du Musée – qui bientôt n’existera plus dans l’état actuel après les travaux de rénovations du MAC –, Faux site (2017), une série de 11 impressions à jet d’encre pigmentées sur papier archive. Il serait intéressant que l’équipe du MAC invite l’artiste à créer une autre œuvre in situ une fois la restauration des lieux terminée.

Comme vous pouvez le constater, il y en a pour tous les goûts. Bonne visite !

Le lundi 25 novembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Angela Konrad et la jeune comédienne Alice Bouchard (qui joue le rôle de La Petite, en alternance avec Marion Vigneault), qui nous parleront de la pièce Fleuve de Sylvie Drapeau, présentée au TNM jusqu’au 7 décembre 2019.

Lundi dernier, je recevais la metteure en scène Luce Pelletier, venue nous parler de la pièce Les Serpents de Marie NDiaye, présentée à l’Espace Go jusqu’au 7 décembre 2019.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Nous avons toutes et tous déjà lu une bande dessinée ou un livre, vu un film ou un documentaire, où il était question de momies, de découvertes archéologiques, de vie après la mort… On retrouve tout ça et encore plus dans Momies égyptiennes : passé retrouvé, mystères dévoilés, exposition organisée par le British Museum en collaboration avec le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) où elle est installée, en première nord-américaine, jusqu’au 2 février 2020.

Un arrêt de cinq mois au Québec, ce n’est pas de trop, car une seule visite ne suffit pas à absorber autant de beauté et de connaissances. Pourquoi ? Parce qu’il y a plus de 200 artefacts à voir, six humains momifiés entre 900 av. J.-C. et l’an 180 de notre ère et des dizaines et des dizaines de cartels à lire – malheureusement placés trop bas pour certains, suréclairés pour d’autres.

Les équipes du British Museum ont pu reconstituer à l’aide de la tomographie – technique d’imagerie où l’on scanne des corps, en l’occurrence ici ceux des momies – la vie de Nestaoudjat, maîtresse de maison native de Thèbes, d’une chanteuse d’Amon (Tamout), d’un prêtre qui vivait dans la ville d’Akhmim (Irthorrou), d’un enfant d’Hawara décédé en bas âge, etc.

Ces technologies de pointe ont permis de mettre à jour leur âge, leur grandeur, quelques signes distinctifs de leur physique : caries et abcès dentaires, embonpoint, artères bloquées, infections… Les spécialistes ont maintenant accès à de nouvelles informations qui étaient encore inconnues il y a à peine cinquante ans. Les méthodes ont changé, surtout évolué, elles sont moins agressives, donc moins dommageables – par exemple, il n’est plus nécessaire d’enlever les bandelettes pour analyser le corps.

Quatre-vingts, c’est le nombre de momies égyptiennes que détient le British Museum, en majorité « acquises au XIXe siècle de collectionneurs européens ». Six ont fait le voyage à Montréal. Vous me direz : « Que six ? » C’est assez, en tout cas, pour apprivoiser le langage des hiéroglyphes et les informations qu’ils révèlent, contempler les symboles religieux sur les cartonnages, visionner les images des squelettes recréés en trois dimensions, ce qui nous permet d’entrer dans leur intimité.

Du côté des artefacts – fait d’or, en bois, en bronze, en calcaire ou en lin –, il y a de très belles pièces à voir : stèles funéraires, amulettes, statuettes, coffre canope, bijoux, cercueils qui parfois s’emboîtent les uns dans les autres comme des poupées russes, modèle de barque funéraire miniature…

Comment les anciens Égyptiens vivaient-ils ? Quelles étaient leurs croyances ? Leurs coutumes ? Avant que le défunt ne soit inhumé, quels rituels devaient être accomplis ? Quels sont les ingrédients utilisés par l’embaumeur ? Qui est le dieu de l’embaumement ? Quelle(s) classe(s) de la société avait le droit à la momification ? Pourquoi toutes les parties du corps étaient-elles vidées sauf le cœur, auquel on ne touchait pas ? À quoi servaient les vases canopes ? Quelle était la fonction première des « pleureuses » ? Pour quelle(s) raison(s) les amulettes étaient-elles placées à l’intérieur des momies ? À quelle fin les Égyptiens utilisaient-ils du natron, un composé salin ? Bien sûr, vous trouverez réponses à toutes ces questions lors de votre visite au MBAM.

Les connaisseurs seront comblés, les néophytes voudront assurément poursuivre leur découvertes par eux-mêmes, en apprendre plus sur les « avancées technologiques et scientifiques qui contribuent à révolutionner la pratique de l’archéologie ».

Le commissariat de l’exposition a été confié à Marie Vandenbeusch, égyptologue et conservatrice au British Museum, à Daniel Antoine, conservateur de bioarchéologie du département de l’Égypte et du Soudan du British Museum et à Laura Vigo, conservatrice de l’art asiatique et de l’archéologie au MBAM, pour la présentation montréalaise.

Au final, cette exposition aurait pu s’intituler « Il était une fois le long du Nil… ». Ce voyage hors du temps est sobre tout en étant imposant, que vous le fassiez en solitaire, entre amis ou en compagnie de guides bénévoles…

Le lundi 21 octobre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Laura Vigo, conservatrice de l’art asiatique et de l’archéologie au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) et commissaire, pour sa présentation montréalaise, de l’exposition Momies égyptiennes : passé retrouvé, mystères dévoilés, présentée jusqu’au 2 février 2020.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

On ne sait pas exactement pour quelle(s) raison(s) l’agrandissement et le réaménagement des salles du Musée d’art contemporain (MAC) ont été retardés d’une année. Certains le regretteront, d’autres verront le côté positif du report, puisque cela nous donne l’occasion de voir Braver le monumental jusqu’au 6 octobre 2019.

L’exposition, organisée par le Musée des beaux-arts de l’Ontario/The Art Gallery of Ontario (AGO), a été montée en un temps record d’après les commissaires Lesley Johnstone, conservatrice et chef des expositions et de l’éducation au MAC, et Wanda Nanibush, conservatrice de l’art autochtone à l’AGO.

Le MAC consacre donc son exposition estivale aux oeuvres de l’artiste canadienne et anishinaabe, Rebecca Belmore, née en 1960 à Upsala – village du nord de l’Ontario. Quelques œuvres exposées à l’AGO n’ont pas fait le voyage jusqu’à Montréal (pour toutes sortes de raisons), mais qu’à cela ne tienne, les seize présentées au MAC valent amplement le détour.

Peut-on parler d’une rétrospective ? Du moins d’un survol de son travail de 1991 à 2018. Qu’il s’agisse d’installations, de sculptures, de photographies ou de vidéos de performances, rien de ce que l’on regarde nous laisse indifférent. On passe d’une émotion à une forme d’introspection. Une chose est incontestable : on ne sort pas indemne de notre visite. Mais, malgré la tristesse qui se dégage de quelques créations pointe une poésie qui nous permet de rêver à une embellie future.

Les œuvres sont ancrées dans la réalité, parfois bien triste, des peuples autochtones confrontés à une violence quasi quotidienne dont celle faite aux femmes de leur communauté. En témoigne Fringe, une impression au jet d’encre saisissante datant de 2013, où une femme est allongée sur le côté, alors que son dos est parcouru d’une cicatrice cousue en diagonale. At Pelican Falls (2017) évoque les conséquences désastreuses que les pensionnats autochtones ont engendré sur la majorité des enfants enlevés de force à leur famille.

Il est aussi question d’injustice sociale avec Tower, une structure de grande dimension en acier et en argile de 2018 sur laquelle sont empilés des dizaines de paniers d’épicerie en métal. Elle évoque la dichotomie entre la construction de tours de condos démesurée qui a lieu à Vancouver et la situation des sans-abri qui n’ont, parfois, que ces chariots comme seul moyen pour transporter leurs maigres effets personnels, ou de l’impact des changements climatiques sur une richesse naturelle telle que l’eau. Dans la vidéo percutante de 2005, Fontaine, projetée en boucle durant un peu plus de deux minutes à travers une cascade d’eau, Rebecca Belmore, équipée d’un seau, les deux pieds dans l’océan, nous interpelle sur cette ressource indispensable à l’être humain.

Dans The Named and the Unnamed, une installation vidéo de 38 minutes où, en 2002, l’artiste a voulu, à sa manière, souligner la disparition d’une soixantaine de femmes dans le quartier de Vancouver, Downtown Eastside. J’ai dû détourner le regard à quelques reprises.

En 2014, Rebecca Belmore a, durant sept heures, plantée 1181 clous dans une bûche à la mémoire des 1181 femmes autochtones assassinées ou portées disparues au Canada – selon les statistiques officielles. En regardant l’œuvre, j’avais l’impression d’entendre les coups de marteaux transperçant le bois. Terrible.

Braver le monumental a été réalisée dans l’urgence. Mais, n’aurait-il pas été judicieux et éclairant d’avoir des cartels un peu plus étoffés pour que nous saisissions pleinement la portée du travail et de l’engagement de Rebecca Belmore ? Sûrement, mais ne boudons pas pour autant notre plaisir de découvrir cette grande artiste.

Du côté des arts visuels, l’été 2019 restera pour moi celle de trois femmes inspirantes des Premières Nations :

- Hanna Claus, de descendance mohawk et britannique, « Artiste en résidence » au Musée McCord qui proposait jusqu’au 11 août, c’est pas pour rien qu’on s’est rencontré.

- Alanis Obomsawin, abénakise, membre de la Nation des Waban-Akis, s’est vu offrir pour la première fois une exposition solo dans une institution muséale : Alanis Obomsawin, œuvres gravées. Une artiste et sa nation : les vanniers waban-akis d’Odanak, qui a été présentée jusqu’au 25 août au Centre des arts graphiques du Musée des beaux-arts de Montréal.

- Et Rebecca Belmore, anishinaabe et canadienne, dont le Musée contemporain de Montréal présente jusqu’au 6 octobre, Braver le monumental.

Le lundi 9 septembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec le comédien Lyndz Dantiste, qui nous parlera de la pièce Héritage (A Raisin in the Sun) de Lorraine Hansberry, présentée chez Duceppe jusqu’au 5 octobre 2019.

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En vous rendant sur la chaîne YouTube à l’émission Les Irrésistibles de Marie-Anne, vous pourrez entendre, à chaque semaine, mes commentaires et critiques de théâtre ou d’arts visuels.

Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Cet été, Pointe-à-Callière, cité d’archéologie et d’histoire de Montréal, nous convie à la délicieuse exposition À table ! Le repas français se raconte. Je vous assure, il y en a vraiment pour tous les palais…

Aimez-vous apprendre tout en vous divertissant ? Répondre à des jeux questionnaires tout en admirant accessoires et mobiliers de cuisine de grande valeur – dont certains ne sont pas sortis de France depuis des lustres ? Entendre certains personnages historiques via des projections vidéo ? Vous aurez tout ça et encore plus en allant dans le Vieux-Montréal où « l’histoire de la gastronomie française » de l’Antiquité à aujourd’hui, est à l’honneur jusqu’au 14 octobre prochain.

On compte approximativement mille pièces de prêteurs d’ici et d’ailleurs – provenant de la collection de divers musées français et, entre autres, des maisons Christofle et Hermès – qu’il s’agisse de verreries, chandeliers, lustres de cristal, tapisseries, ustensiles, théières, sucriers… tous plus élégants les uns que les autres.

Après réflexion, j’ai pensé que le meilleur moyen de vous parler d’À table ! Le repas français se raconte serait par le biais de questions en rafale. Par contre, ne comptez pas sur moi pour vous donner les réponses que vous trouverez, bien sûr, lors de votre visite au musée Pointe-à-Callière.

À quel moment dans l’histoire, la fourchette fait-elle son apparition ?

À qui doit-on l’expression « être placé en rangs d’Ognon » ?

À quelle époque la sorbetière a-t-elle été inventée ?

Au XVIe siècle, que désignait le mot « restaurant » ?

À partir de quel siècle ce vocable a-t-il été attribué aux établissements tels qu’on les connaît aujourd’hui ?

Quel est le nom du plus ancien café de Paris, ouvert en 1689 ?

En 1792, un homme produit la première absinthe commerciale. De qui s’agit-il ?

Nommez deux artistes célèbres qui sont morts d’avoir abusé de cet alcool ?

Quel roi de France introduit les légumes à la cour ?

Pour « faciliter ses digestions » Louis XIV se fait prescrire une boisson chaude. Laquelle ?

Quel est le nom de l’inventeur de la toque ?

Pour quelle raison la tomate est-elle ignorée jusqu’au XIXe siècle ?

Nommez l’une des deux femmes qui, en 1933, a reçu les trois étoiles du Guide Michelin ?

De nos jours, combien y a-t-il de restaurants, bistros et autres commerces du genre à Paris et dans les environs ?

À quelle fréquence ouvre-t-on, un peu partout dans le monde, une bouteille de champagne ?

Combien de temps s’accordent quotidiennement les Français(es) pour manger ?

D’après vous, parmi les vingt plats les plus appréciés des Français(es), que retrouve-t-on ?

Cette exposition, organisée par le musée Pointe-à-Callière, sous la direction de Francine Lelièvre avec la participation du Musée national de céramique et du Musée national Adrien Dubouché – Cité de la céramique à Sèvres, est de belle prestance. Les objets et les anecdotes côtoient la grande Histoire. Il y a de quoi se sustenter, vous avez ma parole !

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

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