Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Sincèrement, je me sens privilégiée d’habiter une ville comme Montréal. La vie des arts y est foisonnante et stimulante, au point que je suis parfois frustrée de ne pas réussir à suivre le rythme. Il y a tellement de propositions artistiques intéressantes !

Après l’exposition Leonard Cohen – Une brèche en toute chose / A Crack in Everything, qui a fracassé tous les records, le Musée d’art contemporain (MAC) nous présente un autre grand artiste, Rafael Lozano-Hemmer… également communicateur hors pair. J’ai eu la chance d’assister à une visite guidée en sa compagnie et je peux vous assurer que Lozano-Hemmer est passionné par son « travail » et prend grand plaisir à nous montrer ses réalisations.

Ce Montréalais, né en 1967 à Mexico, n’en est pas à sa première présence au MAC mais, à la différence cette fois, que toutes les salles du musée sont consacrées à la vingtaine d’œuvres créées entre 2000 et 2018. C’est tout simplement fabuleux et original.

Normalement, lorsque nous allons au musée, peu importe l’institution, il est interdit de toucher aux œuvres. Ici, c’est tout le contraire. Présence instable est une exposition participative. Par exemple, avec Volce Array / Faisceau de voix (2011) il faut parler dans un interphone ; notre voix émet des sons qui s’emboîtent à des faisceaux lumineux qui prennent de l’ampleur et se multiplient à l’infini.

Une autre pièce est remplie de petits haut-parleurs regroupés par pays et par le nombre de migrants qu’ils ont acceptés sur leur territoire en 2016. Des capteurs dissimulés sous nos pieds s’activent dès que nous foulons le sol près de l’installation Pan Anthem / Pan-hymne (2014) qui déclenche les hymnes nationaux qui jouent à l’unisson – créant une belle cacophonie. D’après vous, quels sont les trois pays qui ont accueilli le plus grand nombre de réfugiés ?

Airborne Newscast / Nouvelles évaporées (2013) nous permet de lire des nouvelles projetées tous azimuts sur l’un des murs du musée. Dès que nous marchons devant l’un des trois capteurs, les mots s’effacent, partent en fumée, pour être remplacés par d’autres nouvelles encore plus fraîches.

Si vous décidez d’entrer dans une cabine en verre, ce sera à vos risques et périls. Il est recommandé de lire les trois mises en garde avant de tenter l’expérience. Vicious Circular Breathing / Respiration circulaire vicieuse (2013) ressemble à un drôle d’instrument de musique à vent ou possiblement à un incubateur. On nous invite donc à respirer l’air des gens qui sont passés avant nous. Dans quelques semaines, je me demande quelle odeur s’en dégagera…

Avez-vous déjà vu un bassin d’eau avec fontaine et atomiseurs ultrasoniques faire jaillir des mots ? C’est ce que fait Call on Water / Nommer l’eau (2006). Les mots que l’on voit apparaître sous une fumée blanche sont ceux du grand écrivain mexicain Octavio Paz – l’oncle de Rafael Lozano-Hemmer. Il faut être rapide pour les lire, car ils s’évaporent très vite.

Pulse Spiral / Pulsations en spirale (2008) est la première œuvre que l’on voit dans le hall du musée. Impressionnante par ses 300 ampoules incandescentes suspendues au plafond. Quelques secondes après avoir inséré nos mains dans un appareil, l’intensité de la lumière se met à varier selon notre rythme cardiaque – on peut ainsi savoir si nous sommes en santé ou si nous devrions consulter un médecin. Je pense que certains hôpitaux devraient acquérir cette œuvre !

Coproduite par le MAC de Montréal et le San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA), Présence instable nous prouve que la technologie a son propre langage et peut nous amener vers des horizons insoupçonnés. Vous avez jusqu’au 9 septembre prochain pour découvrir l’exposition et y participer !

Durant tout le mois de juin 2018, vous pourrez visionner des extraits du débat qui s’est tenu, dans le cadre de la 10e remise du prix du Club des Irrésistibles, à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 23 avril dernier.

Aujourd’hui, en 4e position : Le Plongeur de Stéphane Larue (Le Quartanier, 2016). Bonne écoute !

Un grand merci à notre réalisateur Stéphane Richard.

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En vous rendant sur la chaîne YouTube à l’émission Les Irrésistibles de Marie-Anne, vous pourrez entendre, à chaque semaine, mes commentaires et critiques de théâtre ou d’arts visuels.

Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

D’Afrique aux Amériques. Picasso en face-à-face, d’hier à aujourd’hui, exposition présentée au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) jusqu’au 16 septembre 2018, est un pur plaisir pour les yeux et vaut amplement les quelques heures que vous passerez dans cet environnement stimulant.

Cette exposition, conçue par le musée du quai Branly – Jacques Chirac, en partenariat avec le Musée national Picasso, et adaptée par le MBAM, est sous le commissariat de nulle autre que la directrice et conservatrice en chef du MBAM, Nathalie Bondil.

Celles et ceux qui fréquentent le musée de la rue Sherbrooke peuvent se dire : « Encore une exposition sur Picasso. » Il est vrai que ce n’est pas la première fois que le musée lui consacre une place de choix. Ce qui rend l’expérience pertinente est ce « face-à-face » du titre qui propose des œuvres, certes, de Picasso, mais juxtaposées à des peintures, sculptures et dessins en provenance d’Afrique, d’Océanie et des Amériques. Quelle idée intéressante et originale !

Nous connaissons, bien sûr, Picasso l’artiste, peut-être un peu moins le collectionneur de sculptures africaines qui furent, sans conteste, une source d’inspiration. Nous avons donc la chance de découvrir une nouvelle facette de cet homme en admirant quelque 300 œuvres et documents (photographies, livres…) en provenance d’une trentaine de pays. Dépaysement garanti !

La mise en place est d’une très grande réussite. Réalisée par Sandra Gagné, chef de la production des expositions avec Nathalie Bondil et en collaboration avec Chevalier Morales Architectes, elle permet de contempler au plus près ces tableaux, sculptures, céramiques, masques et objets recyclés. Que de beauté en un seul lieu !

À déambuler dans les salles, on sent la passion qui anime Nathalie Bondil pour son sujet. À n’en pas douter, on y retrouve sa vision de l’art muséal que plusieurs doivent nous envier.

Le musée propose aussi une autre exposition intitulée Nous sommes ici, d’ici : l’art contemporain des Noirs canadiens (initiée par le Musée royal de l’Ontario et adaptée par le MBAM pour la présentation à Montréal) ; notre directrice et conservatrice a voulu intégrer les oeuvres de 11 artistes de chez nous qui, à leur façon et avec des matériaux divers, travaillent sur ce qui les préoccupe et les stimule.

À partir d’aujourd’hui, et ce, durant tout le mois de juin 2018, vous pourrez visionner des extraits du débat qui s’est tenu, dans le cadre de la 10e remise du prix du Club des Irrésistibles, à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 23 avril dernier.

Nous commençons par la 5e position : La Nature exposée d’Erri De Luca (Gallimard, 2016, 2017). Bonne écoute !

Un grand merci à notre réalisateur Stéphane Richard.

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Marie-Anne

Strik, Elly

Elly Strik, artiste hollandaise née en 1961, ou le combat entre le soi-corps animal et le soi-esprit. Dans cette exposition, le combat est mis en scène à travers de grandes figures comme Freud et Darwin.

La Chambre des rêves, où l’accrochage des toiles autour du fameux divan de Freud est plus serré, offre une expérience d’immersion dans le subconscient de l’artiste avec ses associations et ses images parfois saugrenues.

Quand la couleur envahit l’espace, elle crée un effet d’autant plus remarquable qu’elle est peu utilisée en général. Les œuvres de grand format atteignent une telle plénitude dans ce lieu qui les laisse respirer, les met bien en valeur.

Il faut prendre le temps de se promener d’une salle à l’autre, de contempler les mariées (Bride) pour saisir toute la richesse de l’exposition d’Elly Strik.

Membre : Ville-Émard

Strik, Elly. To All the Long Gone Darlings. And to You, présentée au 1700 La Poste jusqu’au 24 juin 2018.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Je suis loin d’être une spécialiste en art contemporain, mais plus je vois d’expositions, plus j’y prends plaisir. J’ai été enchantée par l’œuvre de Bharti Kher, née en 1969 à Londres et qui, depuis bientôt 30 ans, demeure à New Delhi, son point d’ancrage, son lieu de travail.

La nouvelle exposition, Points de départ, points qui lient, que présente dans le Vieux-Montréal la fondation pour l’art contemporain DHC/Art jusqu’au 9 septembre 2018, est un dépaysement total, sensuel et hypnotique. J’ai eu le privilège de participer à une visite guidée en compagnie de l’artiste et de la commissaire de l’exposition, Cheryl Sim, ce qui m’a beaucoup aidée à la compréhension de la démarche de Bharti Kher.

Cette exposition donne à voir une quarantaine d’œuvres réalisées entre 2007 et 2018, qui parlent surtout du corps en utilisant des matériaux de manière fort originale tels des bindis – vous savez ce fameux point porté au centre du front par des femmes indiennes. Il y a également des moulages de plâtre, des tableaux, des cartes géographiques, des sculptures drapées de saris parfois trempés dans de la résine.

J’ai tout aimé de cette exposition, mais j’ai été plus particulièrement saisie par deux œuvres : Six Women (2013-2015) où l’on voit, comme l’indique le titre, six femmes nues d’âges différents, moulées dans du plâtre. Ces femmes, des « travailleuses du sexe » à Kolkata, assises côte à côte, sont fascinantes à regarder. Chacune a une particularité qui la distingue de sa voisine, mais elles ont toutes les yeux fermés ; on ne sait pas si elles se reposent, se recueillent ou réfléchissent. Émouvant !

Une absence de cause assignable / An Absence of Assignable Cause (2007) montre le cœur d’une baleine bleue « créé à l’échelle et enveloppé d’une pellicule de bindis ». Qu’a voulu nous dire Bharti Kher en créant ce cœur en fibre de verre ? Chacun peut y aller de son interprétation, peu importe la réponse, l’effet est percutant !

Très belle découverte que l’oeuvre de cette artiste qui foulait le sol montréalais pour la première fois. Le travail de Bharti Kher est enraciné dans son temps tout en se référant à certaines traditions indiennes. Il y a quelque chose d’envoûtant dans sa technique et une énergie se dégage de ses réalisations parfois très colorées. Vraiment, Points de départ, points qui lient est une exposition inspirante !

Cette semaine, pour souligner le 20e anniversaire de la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont, Christiane St-Onge, chef de section et responsable de la bibliothèque, nous parle de son implication dans le milieu des bibliothèques de 1971 à aujourd’hui.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

J’aime plonger dans la grande Histoire, même si mes connaissances sont remplies de trous comme le fromage suisse. C’est l’une des raisons pour lesquelles je ne rate jamais l’occasion d’aller dans les musées, car j’y apprends toujours beaucoup tout en profitant de la beauté des œuvres et du bonheur qu’elles me procurent.

Ainsi, en me rendant la semaine dernière au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM), je me suis régalée en voyant Napoléon. Art et vie de cour au palais impérial, exposition présentée jusqu’à 6 mai 2018 et qui prendra ensuite la route de Richmond puis de Kansas City avant de terminer son parcours à Fontainebleau en avril 2019.

Cette exposition est intelligente, stimulante et reste accessible au plus grand nombre. La scénographie conçue avec la collaboration d’Architem et Graphics eMotion, sous la direction de Sandra Gagné, chef de la Production des expositions au MBAM, est inventive et redessine les salles du pavillon Michal et Renata Hornstein de manière fort agréable.

Qui n’a pas déjà entendu parler de Napoléon (1769-1821), mort à Sainte-Hélène il y a bientôt 200 ans ? Je me suis souvent demandé comment il se faisait que l’on parle encore autant de lui aujourd’hui alors qu’il n’a été empereur qu’une dizaine d’années et que l’armée napoléonienne a connu la défaite le 18 juin 1815 à la bataille de Waterloo ?

Pour réussir à nous présenter dans l’état actuel quelque 400 œuvres et objets d’art provenant d’une cinquantaine de prêteurs importants – le château de Fontainebleau, le Mobilier national, le Musée du Louvre, plusieurs musées américains et d’autres institutions encore –, l’équipe du MBAM a mis cinq ans de travail sans compter les heures de restauration…

C’est grâce à l’apport inestimable du collectionneur et mécène Ben Weider (1923-2008), qui a cédé au Musée sa collection d’objets, que le Musée s’est engagé dans cette fabuleuse aventure…

Une mention spéciale à Sylvain Cordier, conservateur des arts décoratifs anciens au MBAM et commissaire de l’exposition, qui a insufflé sa passion à ce projet et qui l’a, d’une certaine manière, porté à bout de bras avec le soutien, bien sûr, de Nathalie Bondil, directrice et conservatrice en chef du MBAM.

Cinq résidences ont appartenu à Napoléon 1er, où oeuvraient quelque 3500 employés et serviteurs. On nous explique que l’exposition « s’articule autour du rôle des principales personnalités au service de la famille impériale, qui contribuent à façonner l’image du pouvoir ».

Nous sommes ici conviés à pénétrer dans la maison dite « de l’Empereur » à Fontainebleau, lieu même du pouvoir impérial. Chaque salle comporte son lot de surprises, de découvertes, du plafond au plancher, du mobilier aux habits, tableaux, sculptures, tapisseries, coutellerie… Certaines pièces sont admirables et montrées pour la première fois.

Déjà à son époque, Napoléon avait sa marque « de commerce » avec son fameux « N » qui l’identifie instantanément, sans oublier l’aigle et les abeilles.

Comme toujours, le Musée propose des activités complémentaires : conférences, films, concerts… ainsi que des visites offertes par des guides bénévoles, un audioguide et un catalogue fabuleux, une somme de 352 pages.

Napoléon. Art et vie de cour au palais impérial nous donne assurément le goût d’en connaître un peu plus sur cette période du Premier Empire et pourquoi pas, de revoir l’exposition à Fontainebleau en 2019.

Je suis repartie enchantée de ma visite, je suis certaine qu’il en sera de même pour vous !

Le lundi 12 février, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec l’auteure Fanny Britt, qui nous parlera de sa pièce Hurlevents – inspirée de l’œuvre d’Emily Brontë –, présentée au théâtre Denise-Pelletier jusqu’au 17 février 2018.

Lundi dernier, je recevais la comédienne Sylvie Drapeau, venue nous parler de la pièce L’Homme éléphant de Bernard Pomerance, présentée au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 3 mars 2018, mais également de son récit L’Enfer, qui vient de paraître chez Leméac.

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Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

En mon nom et en celui de toute l’équipe des Irrésistibles, nous vous souhaitons un très joyeux temps des Fêtes rempli de moments passés en famille et entre amis, de soirées à lire au coin du feu et, bien sûr, si la température le permet, de profiter des joies de l’hiver et du plein air.

Qui utilise encore de nos jours du 35 mm ? Qui prend des clichés en noir et blanc ? Aimez-vous les épreuves à la gélatine argentique ? Vous arrive-t-il d’avoir les blues d’une époque que vous n’avez pas connue ? Si vous répondez oui à ces questions, j’ai une exposition fort agréable à vous proposer… suivez le guide, c’est au Musée McCord que ça se passe.

Ce musée présente jusqu’au 29 avril 2018 l’exposition Gabor Szilasi – Le Monde de l’art à Montréal, 1960-1980 dont le commissariat a été confiée à Zoë Tousignant, adjointe à la conservation, Photographie, et qui signe aussi le documentaire Vernissages auquel je vous suggère de vous attarder, vous ne le regretterez pas. Instructif !

En plus des 43 photographies en noir et blanc (dont seulement trois ont déjà été montrées) prises par Gabor Szilasi sur une période de 20 ans lors de vernissages, il y a quelques objets dont un Leica M4 utilisé par le photographe canadien d’origine hongroise.

La visite de l’exposition nous apprend qu’« entre 1960 et 1980, Szilasi a exposé 1267 rouleaux de pellicule 35 mm, dont 102 pour des vernissages ayant eu lieu à Montréal. » C’est complètement dément, non ? Témoin privilégié d’instantanés artistiques, Szilasi nous permet, par son travail archivistique de première importance, de sauvegarder une partie de notre patrimoine.

Est-ce que ces galeries, dont plusieurs étaient situées sur la rue Sherbrooke Ouest ou au centre-ville, vous disent quelque chose ou vous rappellent des souvenirs ? Agnès Lefort, Yajima, Godard Lefort, Martal, Dresdnere… La majorité des galeries d’art où avaient lieu les vernissages dont il est question ici n’existent plus. Elles ont fermé leur porte quelques années après leur ouverture. Dommage ! À mon grand regret, je n’aurai pas connu ces lieux.

Gabor Szilasi était présent lors d’inaugurations d’expositions et rapportait des clichés d’artistes que l’on peut regarder à notre rythme. Juste pour vous mettre l’eau à la bouche, je vous en nomme quelques-uns : Edmund Alleyn, Marcelle Ferron, Jean-Paul Mousseau, Rita Letendre, Guido Molinari, Marion Wagschal, Serge Tousignant, Arthur Lismer, Irene F. Whittome, Jean McEwen, Jacques Hurtubise, Armand Vaillancourt, Yves Gaucher, Leonard Cohen, mais également la collectionneuse Michiko Yajima-Gagnon, l’écrivain et journaliste Jacques Folch-Ribas ou le critique d’art Yves Lasnier.

Tous ces noms vous font-ils rêver ? Moi, oui. Encore plus, quand on sait ce que sont devenus ces créateurs et l’importance qu’ils ont eu sur les scènes nationale et internationale. Quelle chance ils ont eu d’avoir Gabor Szilasi comme observateur attentif et bienveillant qui a su capter ces moments de festivités et de célébration de l’art !

Je suis sortie un peu nostalgique de cette exposition, mais avec l’envie subite de reprendre mon appareil photo et de croquer dans notre siècle.

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Marie-Anne

1700 La Poste

Le 1700 La Poste présente une rétrospective de François Morelli dont les œuvres les plus anciennes datent de 1989 et la plus récente, créée pour ce lieu, a été réalisée juste avant l’ouverture et condense tout l’art de Morelli dans une fresque qui captive les sens.

La mise en espace est particulièrement bien réussie : au premier coup d’œil, volumes et couleurs offrent une expérience inédite. François Morelli dessine, grave, sculpte et son style évolue au fil du temps sans perdre de son originalité. Il m’a semblé que des éléments figuratifs, corps, végétaux, se glissaient de plus en plus dans les compositions.

Un documentaire (48 minutes), réalisé par Suzanne Guay pour cette exposition, est aussi présenté et bien entendu, comme pour chaque artiste invité au 1700 La Poste, Isabelle de Mévius a conçu un magnifique catalogue.

À voir ou à revoir d’ici le 7 janvier au 1700, rue Notre-Dame Ouest !

Membre : Ville-Émard

1700 La Poste. François Morelli, rétrospective, exposition présentée jusqu’au 7 janvier 2018.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Vous n’avez pas envie de faire le ménage, de vous occuper des enfants, de faire à manger ? Ça tombe bien, car j’ai une proposition de sortie muséale à vous faire que vous ne regretterez pas. Gâtez-vous durant quelques heures et partez d’un pas léger vers le Musée d’art contemporain de Montréal (MAC) voir la magnifique et touchante exposition Leonard Cohen – Une brèche en toute chose/A Crack in Everything.

Sous le commissariat de John Zeppetelli, directeur et conservateur en chef du MAC, et de Victor Shiffman, commissaire invité, cette exposition donne une place de choix aux 40 artistes – en provenance de dix pays – qui ont participé à ce projet d’envergure. On les sent habités, inspirés, stimulés par l’univers de l’un de nos plus grands poètes.

Le MAC est complètement transformé pour cet happening musical. J’ai eu l’impression de me promener dans un labyrinthe où l’on suit facilement un parcours qui ouvre sur une porte, qui nous conduit dans un corridor menant vers une pièce fermée, une autre qui aboutit dans une salle de cinéma, etc.

Les artistes se sont réappropriés l’œuvre de Leonard Cohen (1934-2016) de manière intelligente, respectueuse, originale… Parmi les 20 projets, voici quelques propositions incontournables :
I’m Your Man (A Portrait of Leonard Cohen) de la Sud-Africaine Candice Breitz qui a demandé à 18 Montréalais, âgés de plus de 60 ans et amoureux de l’œuvre de Cohen, de chanter des extraits de l’album I’m Your Man. L’effet sur écran est saisissant et émouvant.

L’installation sensorielle I Heard There Was a Secret Chord/J’ai entendu qu’il y avait un accord secret (2017) de Mouna Andraos et Melissa Mongiat du studio de design d’interaction Daily tous les jours, nous fait entendre le fameux Hallelujah, mais d’une manière universelle – vous verrez comment…

De son côté, George Fok m’a fait monter les larmes aux yeux à quelques reprises avec son installation vidéographique Passing Through/De passage (2017) qui nous laisse voir ou revoir Leonard Cohen en concert aux quatre coins de la planète. Son montage de 56 minutes est passionnant du début à la fin.

La mise en place de Depression Chamber/Chambre de dépression (2017) du cinéaste israélien Ari Folman lui a été inspirée par ce qu’a vécu sa sœur à l’adolescence. Il nous permet de vivre une expérience en solo de cinq minutes à l’horizontale dans une petite pièce fermée pendant que joue la chanson Famous Blue Raincoat de Cohen. Idée ingénieuse qui vaut amplement le détour !

Finalement, une installation holographique intitulée I Think I Will Follow You Very Soon/Je pense que je te suivrai très bientôt (2017) des frères Carlos et Jason Sanchez nous proposent de jeter un coup d’œil dans le bureau de la résidence californienne de Cohen d’où on le voit assis dans la véranda. J’ai eu l’impression que l’artiste se retournait pour me saluer. On a bien le droit de rêver, non ?

Il faut prendre son temps, déambuler dans les six salles consacrées à cet artiste montréalais unique et inimitable. Voir Leonard Cohen sur scène, l’entendre parler de son processus d’écriture, rire avec lui, car il pouvait être très drôle, fredonner ses chansons… J’en redemande !

Le MAC frappe un grand coup en nous offrant Leonard Cohen – Une brèche en toute chose/A Crack in Everything. Je souhaite de tout cœur que cette exposition voyagera ensuite à travers le monde. Vous avez jusqu’au 9 avril 2018 pour baigner dans cet environnement musical. Pour ma part, j’y retourne dès que possible.

Le lundi 27 novembre, à Radio VM (91,3 FM), de 17 h 45 à 18 h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec la metteure en scène Lorraine Pintal, qui nous parlera de la pièce Vu du pont d’Arthur Miller, présentée au Théâtre du Nouveau Monde jusqu’au 9 décembre 2017, puis en tournée dans plusieurs villes du Québec du 16 janvier au 10 février 2018.

Lundi dernier, je recevais l’auteure Catherine Léger, venue nous parler de sa pièce Filles en liberté, présentée à La Licorne jusqu’au 2 décembre 2017.

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Amazonie. Le Chamane et la Pensée de la forêt, exposition présentée jusqu’au 22 octobre 2017, est une réalisation du Musée d’ethnographie de Genève (MEG), adaptée par Pointe-à-Callière, cité d’archéologie et d’histoire de Montréal, avec la collaboration des Musées royaux d’Art et d’Histoire de Bruxelles (MRAH).

Cette exposition est d’une richesse incroyable. Ce qui est présenté sur les deux étages du pavillon de la Maison des marins nous permet d’acquérir une foule de connaissances et de découvrir la beauté des quelque 500 objets qui y sont exposés. Mais paradoxe il y a… Nous percevons la richesse culturelle et naturelle des neuf états amazoniens (Brésil, Pérou, Venezuela, Bolivie, Colombie, Équateur, Guyana, Suriname, Guyane française) mais, en même temps, nous sommes tristes devant certains faits. Un exemple parmi tant d’autres : 20% de la forêt amazonienne est déjà détruite en grande majorité à cause des humains. Diversifiée, elle l’est sans conteste, puisqu’on y retrouve une très grande variété de plantes (40 000 espèces) et d’oiseaux (1 300) – plus exotiques les uns que les autres –, sans compter un nombre impressionnant de mammifères (450) et 200 sortes de poissons à faire rêver un grand nombre d’amateurs.

L’exposition offre une belle vitrine aux masques, à plusieurs instruments de musique, au matériel nécessaire à priser le yopo (poudre hallucinogène), en passant par des cache-sexes tanga, ornements, parures, arcs, flèches, sarbacanes, sans oublier les objets du quotidien, en fibre végétale, plumes, bambou, coton, roseau, bois de palmier, terre cuite, céramique, etc.

Même si les peuples de l’Amazonie ont chacun leurs savoirs ancestraux, leurs rites, leurs croyances (il est beaucoup question dans l’exposition de chamanisme et d’animisme), ils ont un but commun : survivre. Y a-t-il péril en la demeure ou l’optimisme est-il encore possible ? À vous de trancher quand vous irez faire un tour dans le Vieux-Montréal. Bonne visite !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Les robes de mariées et les habits de noces, ce n’est pas trop mon truc. Alors, quand j’ai reçu l’invitation du Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) pour assister à l’ouverture de l’exposition Love is Love : le mariage pour tous selon Jean Paul Gaultier, j’ai un peu hésité avant d’accepter. Cela aurait été une grosse erreur de ma part, car j’ai été séduite par la proposition et charmée par la mise en place.

Cette exposition, d’une très grande qualité, est organisée par le MBAM en collaboration avec la Maison Jean Paul Gaultier ; le commissariat est assuré par Thierry-Maxime Loriot sous la direction de Nathalie Bondil. Jusqu’au 9 octobre 2017, on peut se rincer l’œil, car il est rarissime de voir de si près des robes d’un grand couturier sauf, peut-être, durant un défilé de mode.

Au centre du Carré d’art contemporain trône un énorme gâteau de noces blanc, sur lequel sont placés 35 mannequins dont sept d’entre eux, reçoivent des projections vidéo ou audiovidéo, réalisées par Denis Marleau et Stéphanie Jasmin de la compagnie théâtrale québécoise UBU. Par exemple, le mannequin qui représente Jean Paul Gaultier nous apostrophe pour nous souhaiter la bienvenue comme le fait, à ses côtés, Ève Salvail.

Un mot également sur Jurgen Bey du Studio Makkink & Bey qui propose, à la manière de Christo, le long des murs un enrobage de tissu élastique quelque peu transparent. Fabuleux ! Cela donne un je ne sais quoi d’énigmatique à l’ensemble de la salle.

Pour le reste, je vous laisse le soin de découvrir ces robes et habits de noces confectionnés entre 1990 et 2017, utilisant crêpe, taffetas, organza de soie, ou laine, dentelle, satin…

L’exposition La Planète mode de Jean Paul Gaultier : de la rue aux étoiles qui, avant de parcourir la planète sur 70 000 km en cinq ans, avait été présentée au MBAM en 2011, a finalement traversé quatre continents, s’est posée dans douze villes et a été vue par un peu plus de deux millions de visiteurs… Je souhaite la même affluence et un beau parcours à ce nouveau projet muséal. Longue vie aux mariés et à la haute couture !

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Marie-Anne

Musée des beaux-arts de Montréal

Révolution, exposition au Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) « qui retrace les idéaux de la fin des années 1960. [...] De la musique au cinéma, en passant par la mode et le design, l’événement évoque de différentes façons les combats, les innovations et les enjeux sociaux de cette époque. S’inspirant de la chanson Revolution des Beatles, composée en réaction à plusieurs manifestations politiques qui faisaient vibrer le monde, cette exposition du MBAM rassemble plus de 700 œuvres et documents à contre-courant, qui ont voulu rompre avec le passé. »

Si comme moi, vous avez vécu cette époque, vous serez ravi de revoir des centaines d’objets qui ont marqué notre jeunesse. Pour les autres, c’est une occasion idéale pour essayer de comprendre pourquoi cette période des années 60 a tant influencé les baby boomers. Juste pour les « artéfacts » qui s’y trouvent ainsi que pour la musique et les vidéos, ça vaut le déplacement. Toutefois, on reste sur notre faim : « C’est déjà fini ?! »

Par ailleurs, il aurait été préférable que l’audio-guide nous donne des explications sur ce que nous regardions et non pas seulement la musique d’époque. Enfin (mais cette critique vaut pour toutes les expositions du MBAM) : à quoi peut bien servir une notice explicative écrite en petits caractères sur une plaquette d’un pied carré placée par terre à côté de l’objet exposé et ce, en pleine noirceur ?

Membre : Saint-Jean-sur Richelieu

Musée des beaux-arts de Montréal. Révolution, exposition présentée jusqu’au 9 octobre 2017.

Cette oeuvre a déjà été suggérée par le Club des Irrésistibles, lire ici.

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Je vous mets au défi de ne pas remuer la tête de droite à gauche ou d’agiter un pied en allant voir l’exposition You Say You Want a Revolution ? Records and Rebels 1966-1970 présentée au Musée des beaux-arts (MBAM) jusqu’au 9 octobre prochain… Personnellement, je n’ai jamais autant eu envie de chanter et de danser au Musée. Attention, c’est contagieux !

Voici, après La Balade pour la Paix sur la rue Sherbrooke, un autre bon coup de la part de l’équipe du musée. Organisée par le Victoria and Albert Museum (V&A) de Londres en collaboration avec le MBAM, cette exposition va ravir les amoureux de la musique, les nostalgiques des années 60, ceux qui ont un faible pour les Beatles, les Rolling Stones, The Who, les Beach Boys ou Jimi Hendrix, David Bowie, Bob Dylan, Leonard Cohen, Robert Charlebois, Pagliaro.

En traversant l’Atlantique, Révolution a bénéficié d’un volet québécois, orchestré de très belle façon par la commissaire Diane Charbonneau, conservatrice des arts décoratifs modernes et contemporains et de la photographie, et par Marie-Claude Senécal, réalisatrice à Ici Musique, pour la partie musicale. Initiative pertinente, car il n’y a pas qu’en Angleterre, en France, à New York, à San Francisco… où l’on militait pour faire avancer les choses. Le Québec était aussi en pleine effervescence.

L’exposition évoque donc aussi des événements marquants autant du côté d’Expo 67, de Mai 68 que de l’Osstidcho, du bed-in au Reine Elizabeth avec John Lennon et Yoko Ono, en passant par la Crise d’octobre et Woodstock. Ouf ! Je vous garantis, il y en a vraiment pour tous les goûts.

Cette plongée au coeur de la deuxième partie des années 60 (1966-1970) nous fait réaliser combien ces années furent riches, stimulantes et innovatrices. Y-a-t-il eu quelque chose d’aussi électrisant depuis ?

En plus d’en mettre plein la vue et les oreilles, la scénographie est tout simplement épatante. Sandra Gagné, chef de la production des expositions au MBAM, sous la direction de Nathalie Bondil en collaboration avec Paprika et Silent Partners Studio, à la conception et à l’adaptation vidéo, ont fait un travail remarquable. On déambule, d’une salle à l’autre, en étant un peu plus décoiffé à chaque fois.

C’est grâce à la compagnie allemande Sennheiser et à leur casque d’écoute de grande qualité, que nous pouvons profiter pleinement de cette expérience musicale, puisqu’elle s’ajuste à notre parcours et au gré des œuvres.

Sept cents œuvres (affiches, photographies, sérigraphies, lithographies) de centaines d’artistes, documents (couvertures de magazine, pochettes de disques, lettres, livres), objets de design (tourne-disques, chaises, lunettes), vêtements, instruments de musique, extraits de films nous rappellent l’importance qu’ont eue tous ces artistes et mouvements des années 60.

Je ne sais pas ce que serait notre vie sans la musique, mais chose certaine, cette exposition nous rend heureux et de bonne humeur. Hypnotisée par ma visite de trois heures, je n’avais qu’une envie : faire mon propre bed-in au MBAM pour prolonger encore un peu ce moment privilégié.

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Je vous souhaite de très belles découvertes et à la semaine prochaine,

Marie-Anne

Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Disons que nous sommes dimanche. Il fait beau mais pas trop chaud. Vous vous dites : temps parfait pour aller se balader. Mais vous n’êtes pas du genre à vous promener sans vous être fixé un but. Eureka ! J’ai le parcours idéal pour vous, rue Sherbrooke Ouest, entre le Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) et le Musée McCord.

La promenade, d’un peu plus d’un kilomètre, La Balade pour la Paix : un musée à ciel ouvert, organisée par le MBAM avec le soutien de l’université McGill, dans le cadre des festivités entourant le 375e anniversaire de Montréal, les 50 ans d’Expo 67 et le 150e du Canada est une idée jouissive et stimulante.

Que l’on commence du côté sud ou du côté nord de la rue Sherbrooke, il y a de quoi ravir les amateurs d’art public. Déambuler en ville et voir autant d’œuvres au pied carré est, je crois, une première pour Montréal – et j’espère que l’initiative sera reprise très bientôt.

Sont présentées plus de 70 œuvres d’une quarantaine d’artistes d’ici et d’ailleurs (je ne donne aucun nom, car il faudrait tous les nommer), comprenant des sculptures et des photographies, sans oublier les 200 drapeaux de l’ONU ainsi que ceux des 13 provinces et territoires canadiens qui se déploient au-dessus de la rue Sherbrooke.

Les photographies, regroupées par thèmes – démocratie, résilience, espoir, humanisme, environnement, travail, etc. –, reposent sur une structure installée sur le trottoir, tandis que les sculptures sont disposées sur des terrains privés avec l’autorisation des propriétaires.

Des visites sont offertes par des guides bénévoles du Musée, mais l’université McGill en propose également pour les sculptures qui se retrouvent sur son campus. Très utile, l’application mobile 375mtl donne une foule d’informations complémentaires aux cartels que l’on peut lire à côté de chacune des œuvres.

Merci à tous ceux et celles qui ont mis en place un tel projet. Il y a eu la « ballade des gens heureux », nous avons maintenant la nôtre. Bonne virée !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

En 2015, le musée McCord s’est porté acquéreur de la collection Allan Slaight qui comprend, entre autres, des centaines d’affiches de l’âge d’or de la magie (1880 à 1930). On peut les découvrir jusqu’au 7 janvier 2018 dans l’exposition Illusions – L’art de la magie.

Conçue par le McCord et pilotée par le conservateur Christian Vachon, en collaboration avec le commissaire invité David Ben, magicien renommé et historien de la magie, cette exposition est un incontournable de l’été.

J’ai été agréablement surprise de voir le nom de Guillaume Lord à la scénographie et celui d’Olivier Kemeid au scénario et aux textes. Très bonne idée de la part du Musée d’avoir invité ces hommes de théâtre à participer à cette aventure magique !

Qui n’a pas déjà rêvé de vouloir faire des tours de magie pour impressionner son entourage ? C’est toujours intrigant, peu importe notre âge, de tenter de savoir comment une personne est capable de faire léviter quelqu’un ou de faire apparaître ou disparaître quelqu’un d’autre… Sans parler de la télépathie ou de réussir des évasions comme savait si bien le faire Houdini.

Vous dire le plaisir que j’ai eu à parcourir les salles du Musée, à regarder attentivement ses 71 chromolithographies (ou si vous préférez lithographies en couleur) d’affiches publicitaires de spectacles, d’observer, via quelques courtes vidéos, des tours de magie et de voir une paire de menottes ayant appartenu à Houdini.

De 1880 à 1930, Montréal ne fut pas en reste, puisque plusieurs des magiciens de cette époque se sont arrêtés chez nous pour présenter leurs numéros dans des théâtres qui, pour la majorité malheureusement, n’ont plus pignon sur rue.

Sur certaines affiches, les magiciens sont à l’œuvre dans leurs numéros respectifs ; sur d’autres, on voit leur portrait dont celui du plus connu, Harry Houdini, mais également ceux de Charles Carter, Howard Thurston, Chung Ling Soo, Harry Kellar, Okito, Alexander et Adélaïde Herrmann.

Les illusionnistes, pour imprimer leurs affiches, ne font pas affaire avec n’importe quels lithographes. Ils prennent les meilleurs. Ce qui transparaît des décennies plus tard, car ces affiches, non retouchées, sont encore dans un parfait état.

Il y aurait encore tellement à dire, mais je vous invite plutôt à vous rendre, en un claquement de doigts, sur la rue Sherbrooke. Profitez-en, tout en vous divertissant, pour apprendre une foule de choses sur ces magiciens-illusionnistes et prenez le temps de lire les cartels qui racontent des anecdotes plus savoureuses les unes que les autres. Vous m’en donnerez des nouvelles !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

J’ai eu le privilège et le bonheur d’assister, mardi dernier, à l’inauguration du fort de Ville-Marie – un autre des pavillons du Musée Pointe-à-Callière –, lieu chargé d’histoire s’il en est un, puisque c’est précisément là où Montréal a été fondée le 17 mai 1642.

La visite fut remplie d’émotions. Voir et entendre la cloche extérieure en bronze de 630 kg, traverser l’égout collecteur, marcher sur le plancher en vitre sous lequel se trouvent des vestiges du fort de Ville-Marie et regarder les artefacts trouvés au cours des quinze dernières années resteront des moments marquants et magiques des célébrations de ce 375e anniversaire.

Comme le suggérait Francine Lelièvre, directrice générale du Musée, ayons une pensée pour les 49 pionniers arrivés ici le 17 mai 1642, ainsi que pour les fondateurs, Paul de Chomedey de Maisonneuve et Jeanne Mance, le gouverneur de Montréal, Louis-Hector de Callière, Marguerite Bourgeoys, madame de Bullion, Jérôme Le Royer de La Dauversière et combien d’autres encore.

Personnellement, mes pensées et remerciements vont à Mme Lelièvre, à Louise Pothier, archéologue en chef au Musée, et à tous ces passionnés qui ont travaillé à la réalisation de ce projet titanesque. Vive Montréal !

N’oubliez pas que l’entrée au Musée est gratuite jusqu’au 20 juin 2017. Profitez-en pour vous plonger ou replonger dans les premiers moments de Montréal.

4e captation vidéo (5 min. 17 s.) réalisée par Stéphane Richard lors de la 9e remise du prix du Club des Irrésistibles qui s’est tenue à la bibliothèque Robert-Bourassa à Outremont le 24 avril 2017.

En 2e position, le récit épistolaire de Kathrine Kressmann Taylor Inconnu à cette adresse (Autrement, 1938). Bonne écoute !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Si vous allez faire un tour du côté de la rue Sherbrooke, je vous garantis que vous ne le regrettez pas, car on peut y voir, jusqu’au 26 mars 2017, Notman, photographe visionnaire, exposition réalisée par le Musée McCord, sous la direction de Suzanne Sauvage, présidente et chef de la direction.

Ce n’est pas la première fois bien sûr que le McCord présente des œuvres de ce grand photographe, le premier canadien à connaître une réputation internationale, souvenons-nous, en 1994, de Tout le monde en place ! Les photographies composites de William Notman…

Vingt-deux ans plus tard, sous le commissariat d’Hélène Samson, également conservatrice des Archives photographiques Notman, on peut admirer quelque 300 photographies, négatifs sur verre et objets puisés à même la collection de l’institution. Que ce soit des tirages au gélatino-bromure d’argent en passant par ceux sur papier albuminé, ou des photographies composites, lithographies, similigravures, il y en a pour tous les goûts. Et quel plaisir de voir un livre des salaires du studio, ou l’un des 43 répertoires de clients, ou un fauteuil dont s’est servi le studio Notman, ou encore un stéréographoscope.

William Notman qui est né en Écosse en 1826 et est mort à Montréal en 1891, des suites d’une pneumonie, émigra au Canada en août 1856. Ce père de sept enfants ouvrit, quelques mois après son arrivée à Montréal, son premier studio de photographies.

En 1956, les Archives Notman qui avaient été achetées par l’Université McGill pour la somme de 25 000 dollars, se retrouvent aujourd’hui au McCord. Cette collection unique se chiffre à environ 450 000 photographies, 200 000 négatifs sur verre, documents divers et objets. Assez impressionnant, non ?

L’exposition, divisée en quatre thèmes, nous fait mieux connaître William Notman : l’homme d’affaires, celui des réseaux, l’artiste et le bâtisseur. Comme l’indique le titre de l’exposition, Notman était un visionnaire, mais pas seulement ; il était aussi un homme moderne, intuitif, dynamique, innovateur, archiviste et documentariste.

Que pourrait-on voir aujourd’hui du Montréal du XIXe siècle sans l’apport photographique inestimable de William Notman ? Je ne dis pas qu’il a été le seul photographe à croquer la vie des gens et les paysages de cette époque-là, mais il est, sans conteste, l’un des plus grands.

Ah oui, j’allais oublier ! La musique que l’on entend dans la dernière salle a été composée expressément pour l’exposition par Jonathan Cayer… Je vous avertis, c’est un vers d’oreille. Bonne visite !

Le lundi 16 janvier, à Radio VM (91,3 FM), de 17h45 à 18h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec l’auteur, metteur en scène et comédien Mani Soleymanlou, qui nous parlera de sa pièce 8, présentée à la Cinquième Salle de la Place des Arts jusqu’au 28 janvier 2017, puis au Théâtre français du CNA à Ottawa du 1er au 4 février.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Un grand merci à toutes celles et ceux qui ont pu se joindre à nous hier à la bibliothèque Robert-Bourassa afin d’entendre Jacques Godbout nous parler de son parcours d’écrivain et de cinéaste. Vous étiez fort nombreux à échanger avec cet homme qui fait partie de notre paysage québécois depuis des décennies. Moment privilégié et fort enrichissant !

Sur une cinquantaine d’artistes invités à La Biennale de Montréal (BNL MTL), une trentaine se retrouve du côté du Musée d’art contemporain (MAC) jusqu’au 15 janvier 2017.
C’est la deuxième fois, en autant d’années, que le MAC propose ses espaces pour accueillir ce que l’art actuel d’ici ou d’ailleurs fait de meilleur. Précisons également que plusieurs projets ont été réalisés spécifiquement pour cette Biennale.
Sous le commissariat du Belge Philippe Pirotte, qui travaille beaucoup en Allemagne, la BNL MTL n’a pas de thématique précise, mais réfère au climat de notre époque qui n’est pas des plus réjouissantes, vous en conviendrez ! Plusieurs œuvres jouent sur deux tableaux : réalité ou fiction ?
La BNL MTL porte le titre « Le Grand Balcon », en référence à la pièce de Jean Genet, Le Balcon, écrite en 1956 qui proposait « une percutante et prophétique réflexion sur le pouvoir intime et politique des images ». Impossible d’être plus de notre temps, ne pensez-vous pas ? Vous constaterez, via la diversité des œuvres présentées – vidéo, photographie, assemblage, acrylique, huile sur toile, etc. –, la pertinence d’un tel rassemblement qui met à l’honneur des explorations contemporaines.
Par exemple, j’ai été fascinée par Immolation I, II, III, IV de David Gheron Tretiakoff, série de quatre dessins représentant les étapes d’immolation d’un ou de plusieurs homme(s). J’ai été intriguée par la technique utilisée par l’artiste qui réalise avec beaucoup de finesse et de nuance le motif sur papier brûlé à l’aide de cigarettes. Une œuvre tristement belle.
De loin, impossible de soupçonner que les deux œuvres que présente Shannon Bool sont des tapisseries. Par contre, plus on se rapproche, plus on voit l’ingéniosité du procédé de broderie, de collage et de photographie. Une très belle découverte !
Un mot, également, sur les huiles sur toile de Nicole Eisenman. Shooter 1 et Shooter 2, qui nous confrontent aux fusillades dont les États-Unis ont été le théâtre ces dernières années. Les armes à feu, démesurées, nous interpellent, comme si nous étions leur cible. Terrifiant et percutant !
De très belle teneur, cette Biennale est un événement majeur autant national qu’international.
Un grand nombre d’activités sont également au programme : conférences, performances, concerts… À vous de faire vos choix !
Ce n’est parce que le MAC est le point d’encrage de cette 9e édition, qu’il faille négliger pour autant les autres lieux tels le MBAM, Dazibao, la galerie de l’UQAM ou au Pied Carré, rue De Gaspé.
Bonne visite ! Moi, je continue la mienne, en allant fureter du côté des autres lieux…

Le lundi 31 octobre, à Radio VM (91,3 FM), de 17h45 à 18h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Mark Lanctôt, conservateur au Musée d’art contemporain (MAC), qui nous parlera de La Biennale de Montréal 2016 – Le Grand Balcon, présentée dans divers lieux dont le MAC jusqu’au 15 janvier 2017.

Lundi dernier, je recevais Diane Charbonneau, commissaire de l’exposition Focus : perfection – Robert Mapplethorpe, présentée au Musée des beaux-arts de Montréal jusqu’au 22 janvier 2017.

Culture à la carte – 20161024 - M.-A. Poggi – Diane Charbonneau.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Je suis sortie du Musée des beaux-arts de Montréal (MBAM) sonnée, bousculée, émerveillée suite à ma visite de l’exposition Focus : perfection – Robert Mapplethorpe présentée jusqu’au 22 janvier 2017. Je m’explique ! Comme tout le monde, j’avais déjà vu des œuvres du photographe américain Robert Mapplethorpe (1946-1989). Mais découvrir dans un même lieu plus de 250 photographies, en majorité noir et blanc, ainsi qu’une quarantaine d’autres documents, c’est tout un choc visuel.
Organisée par le Los Angeles County Museum of Art (LACMA) et le J. Paul Getty Museum, en collaboration avec la Robert Mapplethorpe Foundation et le MBAM, cette exposition propose un panorama complet de la carrière de Robert Mapplethorpe, de la fin des années 60 jusqu’à son décès le 9 mars 1989, à l’âge de 42 ans.
Monsieur Mapplethorpe aurait voulu que son fils fasse du dessin publicitaire. Pour le jeune homme, il n’en était pas question. Robert Mapplethorpe quitte alors le nid familial et s’installe à New York.
Dans les années 70, Mapplethorpe commence à s’intéresser à la photographie en prenant des photos avec un polaroïd. Son premier modèle sera Patti Smith – son amoureuse, puis son amie –, mais de tous ses sujets, c’est Lisa Lyon, première femme championne de bodybuilding, qui aura été le plus photographiée par l’artiste.
Au fond, peu importe son sujet, Mapplethorpe était toujours à la recherche de la meilleure photo qu’il pouvait faire. Peut-être est-ce là la réponse au titre de l’exposition : Focus : perfection… Il était concentré (focus) sur ses modèles, les observait en studio, son lieu de travail, et ne laissait rien au hasard. Les résultats sont saisissants : ses photographies sont très géométriques, esthétiques, hypnotisantes. S’en dégage quelque chose d’unique, frôlant la perfection, comme si son travail dépassait celui de la photographie.
Un mot en terminant sur la scénographie signée Thomas Balaban Architecte (TBA), sous la direction de Nathalie Bondil et également sur le choix musical (qui va du Velvet Underground, en passant par Philip Glass, Marianne Faithfull, Patti Smith…) de Marie-Claude Sénécal, réalisatrice à ICI Musique. Une réussite sur toute la ligne qui fait ressortir encore davantage le talent de cet artiste, mort trop jeune du SIDA, peut-être l’un des plus grands photographes de noir et blanc du XXe siècle.
Seule escale au Canada, cette exposition ne laissera personne indifférent, pourrait bousculer la pudeur de certains, mais ralliera, sans aucun doute, les amoureux de beauté visuelle.

Le lundi 17 octobre, à Radio VM (91,3 FM), de 17h45 à 18h, dans le cadre de Culture à la carte, je m’entretiendrai avec Maryse Warda qui adapte à la scène le roman de Grégoire Delacourt, La Liste de mes envies, pièce présentée au Théâtre du Rideau Vert jusqu’au 12 novembre 2016.

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Si vous aimez les artefacts, les découvertes, l’exploration, alors Fragments d’humanité. Archéologie du Québec présentée à Pointe-à-Callière jusqu’au 8 janvier 2017, est pour vous. Vous aurez de quoi vous sustenter avec ces quelque 350 pièces que propose le musée – dont certaines sont montrées pour la première fois –.
Le 17 mai 1992, Pointe-à-Callière, musée d’archéologie et d’histoire de Montréal, ouvrait ses portes au public. Aujourd’hui, quelque 14 ans plus tard, on souligne, avec cette exposition, « 50 ans de découvertes archéologiques au Québec. »
Je ne sais pas combien de sites archéologiques sont encore actifs au Québec en 2016, mais on en recense pas moins de 10 000. Oui, oui, vous avez bien lu.
Le titre de l’exposition, Fragments d’humanité, fait référence au fait qu’il faut, en archéologie, rejoindre l’humain derrière l’objet, car chaque artefact cache une histoire et Dieu sait si on nous en raconte de belles en parcourant l’exposition.
C’est en 2003, au lac aux Araignées, que l’archéologue Claude Castonguay a découvert une pointe de lance qui daterait la présence humaine en sol québécois à 12 000 ans.
Rares sont les objets qui m’émeuvent, mais là, devant cette pirogue en bois du XVe siècle retrouvée il y a une trentaine d’années, presque intacte, par des plongeurs non professionnels a de quoi nous faire chavirer… Et comment rester indifférent devant ce hublot de l’Empress of Ireland ? J’imaginais aussi des habitants s’amusant avec un jeu de quilles miniatures ou ces hommes fumant la pipe…
Au sortir de Pointe-à-Callière, j’ai eu subitement l’envie de retourner aux études pour devenir archéologue !

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Bonjour à vous toutes et à vous tous,

Le Musée d’art contemporain (MAC) propose jusqu’au 25 septembre 2016 une exposition incontournable intitulée : Edmund Alleyn. Dans mon atelier, je suis plusieurs.
Mark Lanctôt, commissaire de l’exposition et conservateur au MAC, a travaillé conjointement durant trois ans avec Jennifer Alleyn, artiste, cinéaste et fille du peintre. Pour concevoir cette « rétrospective », ils ont dû choisir une soixantaine d’œuvres de la fin des années 50 jusqu’au début des années 2000, œuvres qui appartiennent autant à la succession qu’à des musées québécois et canadiens.
Né à Québec en 1931 et mort des suites d’un cancer le 24 décembre 2004, Edmund Alleyn a étudié à l’École des beaux-arts de Québec aux côtés du peintre Jean-Paul Lemieux. Il a vécu 15 ans en France, avant de revenir s’installer au Québec dans les années 70.
J’aime les arts visuels, mais je ne suis pas une spécialiste. Il m’est donc impossible de résumer toutes les avenues empruntées par l’artiste au cours de sa carrière. Très éclectique, Alleyn l’est sans aucun doute, inventif, parfois en avance sur son époque. On sent chez lui des contrastes : un gamin qui s’amuse à faire ce qu’il fait, mais qui a aussi des angoisses métaphysiques ; introspection, mais éclatement…
Je me suis demandé : « Peut-on être un et plusieurs à la fois ? » À voir les œuvres de cet artiste inclassable, il n’en fait aucun doute. Alleyn est peut-être seul dans son atelier, mais son talent est multiple et polyvalent.
Le parcours chronologique nous propose sa période dite « indienne » du début des années 60, celle de l’abstraction, en passant par ses Éphémérides, mais aussi ses fameux personnages peints sur plexiglas (que je prends toujours grand plaisir à revoir)… et que dire de son Introscaphe (1968-1970), cet objet en forme d’œuf dans lequel, à l’époque, les visiteurs pouvaient s’installer pour voir et écouter, durant quelques minutes, un film présentant un florilège d’instantanés…
Aujourd’hui, cet engin appartient au Musée national des beaux-arts du Québec… Qui sait si un jour, budget trouvé, on ne pourrait pas le refaire fonctionner.
Je suis sortie du MAC, sourire aux lèvres et remplie d’une belle énergie. Je ne saurais comment l’expliquer, comme si ce que je venais de voir, m’avait donné un nouvel élan.
Le catalogue publié lors de l’inauguration de l’exposition sera l’outil de référence pour les années à venir. Un must ! Exposition à mettre sans faute à votre agenda !

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